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Les images des métiers

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La revue Images du travail lance un appel à article intitulé : « Que disent les images des métiers ? Éléments d’iconographie des groupes professionnels ». Débouchant sur une publication (hébergée sur Open Edition), cette proposition nous invite à explorer des travaux graphiques mal connus, voire carrément confidentiels. Nombre de bandes dessinées peuvent en effet contribuer à « déchiffrer ce qu’on pourrait appeler l’idiome figuratif des groupes professionnels », le neuvième art étant apparemment prisé pour ses capacités d’illustration de moult activités. Les métiers du rail viennent ainsi immédiatement en tête avec des œuvres comme Les Combattants du rail de Thierry Lamy et Sandro parue en 2013 chez Zéphyr BD, et il est à noter que ces images semblent de plus acquérir une valeur structurante. La SNCF n’a ainsi pas hésité à s’essayer directement à la publication, par exemple en soutenant l’édition de Quais divers de Briac édité avec Sixto Editions. L’analyse de ces titres pourrait certainement éclairer les personnages du « professionnel » ainsi que tout « tout le “théâtre de machines” qui fait le décorum des métiers » qu’entendent interroger les coordinateurs du dossier.

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Séverine Boitelle, Arnaud Plumeri, Les Commerciaux (tome 6, Vente subliminale), Bamboo, 2008, p. 7.

© Bamboo

Et sans doute serait-il possible de les comparer à des travaux entendant mettre en valeur un patrimoine industriel, aussi bien humain que territorial, comme Faymoreau, la mine publié en 2011 par le Centre minier de Faymoreau, voire de les confronter à des travaux faisant du métier un élément éditorialement structurant comme la collection « Jobs » des éditions Bamboo (Les Vetos, Les Toubibs, Les Commerciaux, Les Assureurs…). Nous espérons en tout cas que ces modestes pistes offriront à nos lecteurs la volonté d’explorer ces représentations et cet original champ scientifique avant le 15 décembre prochain.

Que disent les images des métiers ? Éléments d’iconographie des groupes professionnels

Dans une première approche, on peut imaginer deux grands versants dans cet immense espace iconographique.

D’un côté, viennent les diverses formes de présentation de soi réalisées ou commanditées soit par des professionnels seuls, soit par des groupements de gens de métier. Cette mise en scène de soi donne à voir le professionnel comme personnage du « drame social du travail », selon la formule de Hughes, engagé dans son rôle, avec sa tenue, sa gestuelle, ses outils-accessoires, ses attributs, tout le « théâtre de machines » qui fait le décorum des métiers, mais aussi avec d’autres personnages, professionnels aussi, initiés aux secrets et habitués au spectacle, ou profanes. Cette image peut obéir à des intentions diverses. Tantôt elle a une fonction technique. Support de savoir, elle fixe des gestes, des façons de faire, dans le but d’en transmettre la connaissance ou d’en conserver la mémoire. Dans d’autres cas, elle résulte d’un désir de valorisation individuelle ou collective (ces deux aspects ne s’opposent pas, car la représentation de l’individu a souvent pour fonction de mettre en scène de façon métonymique l’ensemble de ceux qui exercent le même métier). Le portrait est alors idéalisé pour faire ressortir la piété des membres de la confrérie, la puissance de la corporation, la dignité du groupe, ou simplement pour inspirer confiance et se montrer aux clients potentiels sous un jour attirant.

Plus vaste encore, plus divers, est le monde des images produites par d’autres, et dont les professionnels sont l’objet représenté plutôt que le sujet de l’acte de représenter. Les formes plastiques peuvent être identiques, mais la variété des intentions s’élargit. La fonction pédagogique demeure et voit son spectre s’étendre : ce n’est pas uniquement aux apprentis, ni aux artisans et ouvriers du métier que s’adressent les planches de l’Encyclopédie, mais aux savants et aux curieux, à l’ensemble des «honnêtes hommes » désireux de s’instruire un peu. Mais bien d’autres points de vue peuvent entrer en jeu, illustrant la diversité des regards qui sont portés sur les métiers. Les images des « cris de Paris » reflètent la peur et le mépris que les petits métiers étrangers à l’ordre corporatif inspirent aux bourgeois et aristocrates (Milliot, 1995). Les cartes postales des métiers d’autrefois, veine éditoriale si amplement exploitée, respirent la nostalgie d’un passé idéalisé. L’invention du cinéma a contribué à la multiplication des images du travail, et surtout à la diversification des formes et des points de vue : films scientifiques enregistrant les gestes et les techniques ; courts métrages d’actualités faisant souvent l’apologie de la modernité et de la société industrielle ; films pédagogiques ou d’orientation ; cinéma militant ; films de fiction ; documentaires de création ; séries télé ; webdoc…

Baxandall (1985) disait, à propos de la peinture de la Renaissance, qu’elle est le produit d’une relation sociale, mais le constat peut se généraliser à l’ensemble des œuvres iconiques qui concernent des individus au travail. Le travail est un objet iconique clivant, il appelle à la solidarité, à la compassion, souvent à la lutte, il inspire des craintes ou de la condescendance. D’une certaine façon, les métiers sont déjà, toujours, une représentation du travail, une figuration sociale incarnant sous une forme perceptible et compréhensible cette notion abstraite qu’est le travail.

Ainsi se résume la question qui est au cœur de cet appel à articles : Quelle est la relation sociale que représentent les images des métiers ? Question centrale qui en appelle immédiatement trois autres : Comment est mis en scène le travail et le métier ? Quelle relation ces images cherchent-elles à établir entre l’observateur et l’objet de l’image ? Quel reflet donnent-elles de la relation de l’auteur ou commanditaire à son objet ?

Ce dossier se veut une première exploration de cette thématique à la fois très large et centrale pour l’objet de la revue, et sur laquelle Images du travail, travail des images reviendra en d’autres occasions. Il s’agit pour ce numéro inaugural de mettre l’accent sur les aspects transversaux et la diversité des points de vue disciplinaires, en partant de l’hypothèse que, loin de s’opposer, les représentations des professions anciennes et actuelles se complètent et s’enrichissent mutuellement. Elles aident à chercher des permanences, tracer des évolutions, situer des ruptures. Elles permettent de réunir des matériaux pour déchiffrer ce qu’on pourrait appeler l’idiome figuratif des groupes professionnels : un langage visuel propre au monde des métiers, qui dit quelque chose sur leur évolution, les enjeux auxquels ils sont confrontés, les grands tournants de leur histoire.

Le dossier thématique est ouvert aux propositions venant des diverses disciplines des sciences humaines (sociologie, ethnologie, histoire, science politique, droit, économie..). Elles pourront porter sur des métiers ou professions actuels ou passés, et prendre appui sur des sources iconographiques diverses, animées ou fixes (photos, vidéo, gravures, dessins, sculptures, images de synthèse, bande dessinée..). Les sources pourront être les fresques égyptiennes, les tombeaux romains, les vitraux des cathédrales, aussi bien que les séries télévisées contemporaines ou les pages d’internet, pourvu qu’il s’agisse de représentations graphiques qui témoignent de manières de voir et de concevoir les métiers et professions. On pourra par exemple essayer de montrer de quelle manière l’iconographie rend compte de la féminisation de nombreuses professions traditionnellement monopolisées par les hommes, ou du rôle tenu par certaines professions dans les programmes politiques et dans les images de propagande, ou encore traquer dans la représentation des financiers le changement de perception qui a suivi le déclenchement de la crise actuelle et le discrédit qui les frappe désormais…

Les images doivent concerner un ou plusieurs métiers ou professions clairement identifiés, sachant que la notion de métier est prise ici dans un sens large, renvoyant à des activités professionnelles règlementées ou non, licites ou illicites, hautement qualifiées ou n’exigeant que des connaissances sommaires, prestigieuses ou humbles ; le critère essentiel étant celui de l’existence en tant qu’être collectif possédant un nom reconnu par ses membres et par leur environnement social, et défini par le fait que ses membres occupent une place identique dans la division du travail.

Modalités de soumission

Les propositions doivent satisfaire aux critères suivants : l’article reposera sur l’analyse d’un corpus d’images (uniquement des productions iconographiques, à l’exclusion des images mentales ou littéraires). Ces images, ou au moins une partie d’entre elles, figureront dans la proposition et seront reproduites dans l’article. Rappelons que Images du travail, travail des images est une revue entièrement, numérique, gratuite et ouverte. L’auteur devra à ce titre s’assurer de la disposition des droits d’utilisation et de diffusion.

Les articles d’un format maximum de 50.000 signes sont attendus à l’adresse suivante : imagesdutravail@gmail.com

au plus tard le 15 novembre 2014.

Pour plus de renseignements, consulter les consignes aux auteurs et la bibliographie : http://itti.hypotheses.org/19

Coordonnateurs

  • Sophie Brouquet,
  • Charles Gadéa,
  • Jean-Paul Géhin.

Comité de rédaction

  • Émilie Aunis, sociologue, Poitiers
  • René Baratta, ergonome, réalisateur, Paris
  • Stéphane Bikialo, chercheur en littérature, Poitiers
  • Anne Cavarroc, sociologue, Poitiers
  • Pascal Césaro, chercheur en cinéma, réalisateur, Aix en Provence
  • Marie Chenet, géographe, Paris
  • Sylvaine Conord, anthropologue, Nanterre
  • Laurence Ellena, sociologue, Poitiers
  • Magalie Flores-Lonjou, juriste, La Rochelle
  • Ginette Francequin, psychologue, Paris
  • Nicolas Hatzfeld, historien, Evry
  • Aurélie Jeantet, sociologue, Paris
  • Anne Jollet, historienne, Poitiers
  • Jean-Marc Leveratto, sociologue du cinéma, Metz
  • Sylvain Maresca, sociologue, Nantes
  • Michaël Meyer, ethnologue, Lausanne
  • Nadine Michau, sociologue, Tours
  • Anne Monjaret, ethnologue, Paris
  • Thierry Pillon, sociologue, Rouen
  • Martin Thibault, sociologue, Limoges
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L’utopie du troisième genre dans les arts visuels au passage du 20ème siècle

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Plusieurs chercheurs de l’université Panthéon-Sorbonne lancent un appel à communication intitulé « l’utopie du troisième genre dans les arts visuels au passage du 20ème siècle ». Débouchant sur des journées d’étude organisées en décembre, cette proposition nous invite à mettre en perspective la notion de « genre » vis-à-vis d’un ensemble de représentations. Le troisième genre s’incarne en effet à travers un ensemble de personnages (sont ici cités : « androgyne, gynandre, virago, hermaphrodite, homosexuel, inverti, travesti, femme robot, homme nouveau ») qu’il est possible, aux dires de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous, possible d’appréhender selon une grille mythologique et peut-être d’une « aspiration à transcender la conflictualité des contraires procède d’une quête d’une unité originelle supposée ». Cette piste évoque plusieurs travaux dessinés, et notamment une œuvre que l’on peut qualifier de magistrale : La Caste des métabarons d’Alexandro Jodorowsky et Juan Gimenez s’articule autour des personnages d’un « androgyne parfait » ou de l’« androgyne Solune ». Celui-ci prend d’ailleurs place dans un mouvement narratif résolument sexué, chaque souverain ne pouvant engendrer sa progéniture qu’au prix d’un amour tragique et de la mutilation de son enfant. Voici sans doute l’un des récits qu’il serait possible d’analyser le cadre de cette proposition, et nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter cette proposition (le cas des Chevaliers du Zodiaque et du personnage d’Andromède ou de MW d’Osamu Tezuka pourraient également être évoqués) avant le 15 octobre prochain.

 L’utopie du troisième genre

dans les arts visuels au passage du 20ème siècle

Depuis quelques années, les historiens de l’art accordent à la question du genre une place de plus en plus importante. Pourtant, au sein d’une historiographie de l’histoire de l’art retravaillée par ces études de genres, l’approche binaire des catégories de sexe masculin/féminin occulte une multitude de figures poreuses et intermédiaires, communes aux sphères littéraire, médicale, judiciaire et artistique (androgyne, gynandre, virago, hermaphrodite, homosexuel, inverti, travesti, femme robot, homme nouveau…). Si l’émergence d’un troisième genre, considéré par certains comme la fusion idéale du masculin et du féminin, perçu par d’autres comme une psychopathologie sexuelle déviante, a été analysée dans le champ des sciences humaines, elle a en revanche peu été abordée dans celui des cultures visuelles.

Pour cela, la terminologie de « passage du siècle », propre à l’historiographie de la modernité, se teinte volontairement d’une résonance identitaire. Le passage d’un sexe à l’autre permet de transcender efficacement la question du biologique pour la déplacer du côté du performatif, où être femme ou homme réside avant tout dans l’adoption de critères ou de codes sociaux relatifs à l’un ou à l’autre genre : une posture corporelle, un vêtement, une expression mimique, une manière d’être, d’agir, de parler, qui postulent d’emblée, en dehors des présupposés biologiques, des identités sexuées. Comme le rappelle le psychanalyste Jean-Bertrand Pontalis dans L’Insaisissable entre-deux, l’idée d’un effacement de la différenciation sexuelle porte alors en elle tout un faisceau d’utopies. Du mythe ovidien de l’Hermaphrodite à l’Androgyne platonicien fantasmé par le Sâr Péladan, l’aspiration à transcender la conflictualité des contraires procède d’une quête d’une unité originelle supposée. Au seuil de la modernité, c’est ce rapport au mythe qui est réinterrogé. Alors que l’exploration d’un « troisième genre » est profondément réinterprétée par les avancées de la recherche médicale de l’époque – notamment sous l’impulsion du médecin allemand Magnus Hirschfeld et sa théorie des « stades sexuels intermédiaires »  et les premiers débats, fondateurs, de la psychanalyse naissante -, les utopies communautaires et leurs résonances au sein de projets artistiques collectifs engagent une réflexion structurelle sur les relations entre la création artistique, le genre et l’idée d’universalité. Si le concept d’un « troisième sexe », tel qu’il apparaît dans la théorie médicale, ne connaît pas une terminologie équivalente dans la littérature artistique de l’époque, la problématique affleure comme partie prenante du terrain d’investigation du symbolisme et des avant-gardes. La résurgence de la mythologie au cœur de la modernité soulève des enjeux propres au processus artistique et alimente la croyance en une transformation humaine et sociale par l’art.

Ces journées d’étude se proposent d’engager la réflexion autour de figures et de pratiques qui, dans les décennies les plus animées de la modernité, autour du passage du siècle, ont porté ces projets d’une utopie sociale et politique du « troisième genre ». Sont attendues des propositions qui examinent les utopies d’un troisième genre engendrées par ces êtres intermédiaires dans les arts visuels (peinture, sculpture, gravure, dessin, cinéma, arts décoratifs) et arts vivants (théâtre, danse), dans les différents pays occidentaux où ces questions ont émergé, et sur une période allant des années 1880, avec les discours symbolistes, pour s’achever avec les premières avant-gardes et l’avènement de l’abstraction. Les communications pourront analyser les différentes stratégies artistiques visant à former de nouveaux espaces alternatifs du genre. Les théories scientifiques et spiritualistes autour de la propagation des espèces, les implications politiques relatives aux figures de l’entre-deux (féminismes, socialismes, anarchismes), les cultures extra-occidentales (primitivismes et traditions orientales), les mutations socioculturelles de la masculinité et de la féminité (espace domestique, monde du spectacle, homosocialité, lesbianisme de salon), ou encore les problématiques cyborg et la question de l’autoengendrement, sont autant de possibilités d’approches encouragées.

Modalités de soumission

Les propositions d’environ 1500 signes devront être envoyées au plus tard le 15 octobre 2014 à l’adresse électronique suivante : utopiesdutroisiemegenre@gmail.com

Elles seront accompagnées d’une courte biographie, indiquant le nom et l’institution éventuelle de rattachement.

Les propositions pourront se faire en français et en anglais.

Date et lieu

Institut national d’histoire de l’art, Paris, Salle Vasari, 9 et 10 décembre 2014.

Comité scientifique

Pascal Rousseau, Marcella Lista, Charlotte Foucher Zarmanian, Flaurette Gautier, Damien Delille (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, laboratoire HICSA)

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Rêve et fantastique

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La revue Otrante lance un appel à communication intitulé « Rêve et fantastique ». Même si elle n’est pas mentionnée, cette proposition est toutefois susceptible d’intéresser des chercheurs travaillant sur la culture graphique et les formes d’expression dessinées. L’une des questions que pose le texte que nous reproduisons ci-dessus (« Qu’est-ce qui, de la grammaire du rêve, nourrit celle du fantastique ? ») trouve en effet de nombreux éléments de réponse ainsi que le montre la riche page consacrée à l’exposition Nocturnes sur le site de la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image. Dans un entretien filmé, Rachel Deville (auteur de L’Heure du loup, dans lequel elle se propose précisément de retranscrire ses rêves) affirme ainsi : « Ce que je trouve d’intéressant dans le fait [de raconter un rêve], c’est que ça laisse ouvert l’interprétation au lecteur […]. Ça devient un peu plus universel » (notre retranscription). Est ainsi directement évoqué l’« effacement des seuils du rêve, qui tend à court-circuiter son régime nocturne », mais sont surtout posés un certain nombre de problèmes graphiques qu’un article pourrait vouloir explorer : quelles sont les propriétés de ce dessin qui « laisse ouvert » et permet « l’universel » ? Il n’est par exemple pas évident qu’il soit nécessaire de tourner le dos à un style documentaire, ou du moins documenté, et que cet « effacement » soit celui de la perspective ou de la proportion au profit de la distorsion et de l’invraisemblable (comme c’est par exemple le cas chez Stéphane Blanquet) : pensons par exemple aux travaux de François Schuiten qui adoptent un tout autre parti-pris au sein de L’Ombre d’un homme ou encore à Marc-Antoine Matthieu avec le personnage de « Julius Corentin Acquefacques, prisonnier des rêves ». Dans ces deux cas, nous ne sommes plus dans le cadre de la « confusion avec d’autres expériences de conscience altérée, souvent plus proches de la folie » qu’évoque l’appel à communication et si le rêve mène au fantastique, c’est à travers d’autres voies que nous invitons nos lecteurs à explorer avant le 30 avril prochain

Rêve et fantastique

 

        Fantasmagorie de la psyché, autorisant les libres associations et la création la plus débridée, le rêve marque aussi l’intrusion du surnaturel dans le quotidien et se présente comme expérience vécue par chacun et renouvelée toutes les nuits. A cet égard, il trouve dans l’esthétique fantastique un terrain d’expression privilégié dans la mesure où il partage avec elle une puissance de remise en question du réel. Partant d’une même saisie subjective des phénomènes, usant des mêmes procédés de déstabilisation ou de déception — déformation du réel, incongruité des associations, soustraction à la logique rationnelle ou encore instabilité du référent — le rêve et le fantastique paraissent sinon produire  les mêmes effets, du moins s’alimenter à la même source.

            Abondamment utilisé comme motif ou comme dispositif fantastique, et ce aussi bien en littérature que dans les arts de l’image – cinéma, peinture, photographie et jusqu’aux arts plastiques –, le rêve semble embrasser toute la complexité de cette esthétique. En effet, il peut, d’une part, être mis au service de l’hésitation chère à Todorov ou de l’indétermination du sens, dans la mesure où il instaure un doute sur la nature du réel. Une telle conception, qui consiste à intellectualiser une incertitude, relie le fantastique au rêve par une même modalité de lecture, qui se fait alors quête d’un sens et d’une interprétation. D’autre part, on ne peut nier qu’il participe également d’une esthétique de la monstration ou de la présence (Denis Mellier) puisqu’il est fait d’un surgissement d’images qui s’imposent à l’esprit dans un mouvement d’acceptation des paradoxes et de totale adhésion à l’univers, pourtant incohérent, qui est ainsi présenté.

            Si le rapprochement entre rêve et fantastique peut être séduisant, il convient pourtant de lutter contre cette apparente familiarité. Assimilés l’un à l’autre par une même rhétorique de l’effet, le fantastique et le rêve réclament d’être clairement restitués à leur singularité pour éviter de voir se dissoudre leur spécificité. Que trouve-t-on à l’intersection de cette catégorie esthétique qui peut s’émanciper dans l’image fixe de la successivité impliquée par le récit, et de cette activité psychique utilisée alternativement comme réservoir d’images, dispositif, simple événement ou structure narrative ? Croiser la catégorie esthétique du fantastique et de l’activité psychique du rêve impose deux questions essentielles : le rôle du récit et le rôle de l’image.

         Structure permettant d’assurer l’intelligibilité du rêve, le récit constitue l’un des outils possibles à la production de l’effroi fantastique. Pour autant, le rêveur devenu narrateur de son rêve ne saurait être un fantastiqueur, sinon malgré lui. Aussi importe-t-il dans un premier temps de confronter le récit fantastique aux différentes formes de récit qui mobilisent le rêve pour identifier les différents opérateurs de fantasticité. Des nouvelles romantiques de Nodier, Gautier ou encore Schnitzler, aux récits de Kafka, Borgès ou Cortázar, un effacement progressif des seuils semble en effet s’effectuer au profit d’un rapport de plus en plus confus entre le rêve et la réalité interne à la fiction. Une partie de la réflexion devra donc consister à distinguer au sein du corpus fantastique les œuvres narratives qui utilisent le rêve comme véritable dispositif, celles qui l’envisagent comme simple (mais unique) contenu et celles qui le thématisent en un faisant un des événements (récurrents) de la diégèse, propre à perturber le quotidien. Qu’est-ce qui, de la grammaire du rêve, nourrit celle du fantastique ? Cet effacement des seuils du rêve, qui tend à court-circuiter son régime nocturne, à faire disparaître l’alternance de la veille et du sommeil sans laquelle il ne saurait pourtant se concevoir, et à oblitérer sa durée, nécessairement limitée, entraîne une perte de spécificité du rêve qui mérite d’être interrogée, dans la mesure où s’opère là une confusion avec d’autres expériences de conscience altérée, souvent plus proches de la folie.

            Si le récit constitue l’un des premiers points d’intersection entre le fantastique et le rêve, l’entreprise figurale dans laquelle se trouvent prises l’image fantastique et l’image onirique pourra offrir un second champ d’exploration. De l’indicible à l’infigurable, le fantastique et le rêve semblent s’affronter à une première impossibilité dont les différentes formes d’expression conservent le souvenir ou cultivent la fiction. Or, la naissance de la psychanalyse, le lent passage d’une psychiatrie pensée selon les termes de la physiologie à une herméneutique qui conserve le goût du visible (ce qui est caché restant par définition visible) coïncide avec le développement des techniques qui visent à enregistrer les manifestations de l’invisible. La photographie des fluides ayant alimenté dès la fin du XIXe siècle un fantasme durable, celui de faire voir, sous leur forme matérielle, l’âme, les pensées et les rêves, on pourra dès lors mettre en regard l’iconographie du rêve et celle du fantastique, en tant qu’elles relèvent d’une pulsion scopique et reflètent l’œil dans lequel réside le véritable objet du fantastique (Ernest Hello), mais supposent d’autres opérateurs que les formes narratives. S’agit-il de saisir une image du rêveur comme extériorité insaisissable (des surréalistes endormis au recueil de Sophie Calle, Les Dormeurs), de manifester le trouble produit par le rêve, de reconstituer la grammaire du rêve (Magritte) et son inquiétante étrangeté (Tanguy, Matta) ? De l’iconographie du rêve largement marquée par le surréalisme à l’imagerie médicale qui fournit un nouveau type de cartographie de l’activité cérébrale, on pourra se demander dans quelle mesure le rêve, en se donnant à voir par l’image, ruine ou accentue l’effet fantastique.

        Enfin, dans une période qui a vu se multiplier les tentatives de rationalisation et de compréhension du rêve et au moment où triomphent les neurosciences, on pourra s’interroger sur la trajectoire du rêve depuis Alfred Maury jusqu’à Allan Hobson. Les artistes ont-il intégré les apports de la psychologie, de la psychanalyse et des neurosciences ou la représentation du rêve s’est-elle construite en réaction contre ces efforts de rationalisation ?

        Les contributions porteront sur la représentation du rêve dans la littérature et les arts fantastiques (photographie, peinture, cinéma, arts plastiques) du XIXe siècle à nos jours. Elles pourront certes s’attacher à l’étude de cas précis mais on appréciera également les perspectives plus générales et comparatives.

Elles pourront s’inscrire dans l’un des axes suivants (liste non exhaustive) :

  • Représentation du rêve et production de l’effroi :

À quelles conditions le rêve peut-il être assimilé à une expérience de l’effroi, ou représenté de façon telle qu’il en vienne à susciter l’effroi, dimension fondamentale pour envisager l’esthétique fantastique ?

Utilisé dans l’œuvre fantastique, le rêve n’est-il que l’instrument de l’indétermination propre à plonger personnage et lecteur dans des abîmes de perplexité, ou ne peut-il pas aussi être le lieu d’une simple confrontation effrayante aux images, scénarios et objets qu’il fait naître ?

Quelles techniques ont-elles pu être développées, notamment dans les arts visuels, pour ménager le leurre et l’illusion de réalité nécessaires à la représentation du rêve fantastique ?

  • Représentation fantastique du rêve et connaissances scientifiques :

En quoi la représentation du rêve dans l’art et dans la littérature a-t-elle été modifiée par les transformations de la conception du rêve liées aux théories et découvertes scientifiques ?

Quel(s) rapport(s) entretiennent les représentations fantastiques du rêve avec les discours de savoir sur le rêve ?

Comment sont à leur tour représentés, à l’intérieur de la fiction, ces discours et leurs auteurs ?

  • Perspective diachronique sur la représentation du rêve dans les œuvres fantastiques 

Peut-on concevoir une évolution historique dans les modes de représentation du rêve et ses usages au sein de l’esthétique fantastique ?

Quelles périodes pourraient être isolées ? Comment pourraient-elles être caractérisées ?

Comment comprendre le rêve fantastique en fonction de son contexte historique ?

Quelles modifications des thèmes, des formes, se sont-elles produites ? Comment l’extension du champ de la littérature et l’invasion du document — historique, médical, sociologique — rendent-elles encore possible une écriture du rêve source de fantastique ? Cette évolution nous amène-t-elle à envisager un « fantastique réel » (Hellenz) ?

  • Poétique comparée

Quelles sont les spécificités de l’expression du fantastique onirique de chaque art ? On pourra partir d’exemples d’adaptations en pensant, entre autres, à l’adaptation cinématographique de la Traumnovelle de Schnitzler par Kubrick (Eyes wide shut),  à celles des romans de Philip K. Dick (Minority report par Spielberg, Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? par Ridley Scott dans Blade Runner), du Solaris de Stanislas Lem par Toarkovski puis Soderbergh  ou partir d’autres formes d’adaptations comme la peinture (Max Ernst et Dali s’inspirant par exemple de La Tentation de Saint-Antoine de Flaubert).

Que reste-t-il du rêve dans le passage d’un art à un autre ? Comment est-il exprimé ?

Plus spécifiquement, le médium photographique et sa dimension indiciaire constituent-ils la voie privilégiée pour incarner d’hypothétiques traces du rêve susceptibles de subvertir la représentation et de manifester la déchirure du réel ?

Du roman-collage de Max Ernst Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au carmel aux collages de John Stezaker (Dream allegories), en passant par l’œuvre des surréalistes tchèques Jindrich Štyrský et Karel Teige, on pourra s’interroger sur les liens qui paraissent s’établir entre la fragmentation de l’image, le démembrement des corps et la représentation fantastique du rêve.

Si, enfin, le fantastique relève du visuel, en quoi le travail du son contribue-t-il à accroître l’effet fantastique ? On pourra penser à des œuvres musicales mais aussi à certaines installations d’art contemporain, à la bande-son qui accompagne la mise en scène du rêve (Eraserhead, David Lynch) ou aux créations radiophoniques.

        Telles sont les questions auxquelles nous voudrions apporter quelques réponses en mobilisant le plus grand champ disciplinaire pour faire état également de l’intensification des échanges au carrefour desquels se situent aujourd’hui le fantastique et le rêve.

Les propositions de contribution, d’environ 500 mots, accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique sont à adresser avant le 30 avril 2014 à Marie Bonnot (marie.bonnot@gmail.com) et Émilie Frémond (fremondem@club-internet.fr).

Après réponse du comité scientifique (15 mai 2014), les articles (30 000 signes, espaces et notes comprises) devront être remis au plus tard le 15 octobre 2014.

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Les langages du corps en bande dessinée

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Plusieurs jeunes chercheurs de l’École Normale Supérieure de Lyon lancent un appel à communication pour un colloque intitulé : « Les langages du corps en bande dessinée ». Débouchant sur l’organisation d’un colloque en octobre 2014, cette proposition peut intéresser nos lecteurs et nous nous permettons d’ajouter une piste de travail aux axes d’étude indiqués ci-dessous, ou plus exactement de prolonger la seconde d’entre elles. La « transmission de l’expressivité » des corps ne nous semble pas en effet pouvoir être uniquement considérée « comme un véhicule de la narration » et située « entre grammaire séquentielle et approche calquée sur la langue ». Certes, le corps fait récit et sa répétition constitue même l’un des enjeux essentiels de la bande dessinée, mais ne peut-on penser que celle-ci représente également une sorte d’extension du domaine de la caricature et de la capacité à déformer les corps pour les rendre expressifs : pensons aux sculpturales silhouettes de Den de Richard Corben dans lequel muscles saillants et impressionnants pectoraux ne manquent pas d’arracher au lecteur quelques sourires, ou encore aux femmes terriblement plantureuses qu’affectionnent de dessiner les frères Hernandez au sein de la série Love and rockets. Dans ces deux cas, le corps semble revu à l’aune d’une forme de grotesque dont il est possible d’explorer les tenants et aboutissants : c’est ce qu’il s’agira de faire avant le 30 avril prochain.

Les langages du corps en bande dessinée

La critique s’est souvent penchée sur le corps dans sa souffrance ou dans sa jouissance, mais considère moins la question, dans sa globalité parfois contradictoire, du corps comme sujet et objet, porteur et producteur de discours. Le courant psychanalytique plaçait le corps en « grand organisateur des représentations » (Tisseron, 78) en analysant l’espace de la page comme une projection du corporel. Plus généralement, la critique a montré la pertinence de l’analyse sémiotique et s’attache à l’analyse de corps soumis à une lecture narrative, séquentielle, structurée, qui existeraient d’abord en tant que supports du récit. Or, la lecture de la bande dessinée se caractérise par une temporalité double, où le temps linéaire du récit côtoie le temps suspendu de la contemplation, que Lessing associait intimement au domaine du visuel. Il nous semble que le corps, parce qu’il est tout ensemble objet de fascination et support privilégié du récit, invite à considérer à la fois l’aspect séquentiel et l’aspect graphique de la bande dessinée.

En effet, la question du trait apparaît centrale eu égard à la thématique qui nous occupe, puisque le dessin implique un « corps des deux côtés » (corps dessiné et corps dessinant), de même qu’il interroge un double jeu de regards (corps regardé et corps regardant).  En cela, le corps est porteur et producteur de sens, engagé dans un réseau de discours historiques, sociologiques, médicaux, anthropologiques, esthétiques et linguistiques.

Notre colloque aborde la question du corps en bande dessinée en interrogeant le langage de ses représentations. Par langage, nous entendons non pas simplement le texte discursif (qui s’opposerait à l’image muette) mais bien le langage propre à la bande dessinée qui en fait un média et un art à part entière.

Will Eisner a écrit “la forme humaine est de loin l’image la plus universelle que l’artiste séquentiel ait à traiter” (Eisner, 103, nous traduisons). Pourtant, le corps en BD ne va pas de soi. Il est mouvement, relief, animation, alors même que le dispositif de représentation est au contraire de nature fixe et bi-dimensionnelle, contrairement au cinéma qui apparaîtrait à première vue comme le média le plus apte à traiter l’objet. Il y aurait donc une capacité propre à la bande dessinée à compenser l’irreprésentable du corps, à travers des usages spécifiques de ses ressources formelles.

Nous nous intéresserons donc à ce que Matteo Stefanelli décrivait en 2012 comme “une question épistémologique décisive : les relations entre bande dessinée et corporalité, cadre inévitable pour décrire les procédés matériels et symboliques [qui] modèlent le sens de la bande dessinée” (Maigret et Stefanelli, 261).

Différents axes d’entrée dans le sujet nous apparaissent pertinents :

  • Le corps dessiné comme support de discours idéologiques et de représentations sociales. La culture occidentale cultive à l’égard de l’image une suspicion toute particulière, qui se manifeste dans l’histoire de la BD par des accusations répétées mettant en cause sa sensualité et son immoralisme. De même, on sait le rôle tenu par le média dans l’émergence durant les années 60 d’une culture jeune opposée à l’idéologie dominante. Le corps apparaît comme un support par excellence du discours subversif porté par une certaine bande dessinée.
  • Le corps comme langage en soi. L’étude du corps dessiné pourrait permettre de réviser, ou du moins compléter l’approche sémiotique de la bande dessinée comme séquence narrative afin de l’appréhender également dans sa dimension purement graphique. Le corps apparaît comme un véhicule de la narration et de transmission de l’expressivité. Il s’agirait de s’interroger sur l’expressivité du corps dessiné entre grammaire séquentielle et approche calquée sur la langue.
  • Ce que disent les corps souffrants ou malmenés : de même que la santé ne se définit qu’en négatif (i.e. par l’absence de maladie), le corps ne ferait récit que comme corps altéré, affamé, souffrant, malade, incomplet, atteint dans son intégrité.  À l’inverse, il semblerait que le dessin dans sa perfection anatomique montre une fois pour toutes et ne raconte rien. De plus, lorsque le dessinateur quitte le domaine de la représentation réaliste, les déformations du corps prennent une fonction narrative supplémentaire, à travers la charge symbolique du corps qui se fait métaphore du psychisme.
  • Les marges de silence du corps : la représentation en bande dessinée est une représentation exclusivement visuelle (si l’on exclut la sensation tactile du livre lui-même) qui ne peut faire appel aux cinq sens. Quelles stratégies représentationnelles les auteurs mettent-ils en place pour répliquer le langage des sens ? Alternativement, l’absence de corps condamne-t-elle la bande dessinée à l’abstraction ? Y a-t-il un point limite au-delà duquel la bande dessinée ne peut plus représenter le corps ?

            Ces suggestions ne sont que des axes possibles, destinés à orienter la réflexion et la production. Ils ne sont en aucun cas hermétiques les uns aux autres, et il nous semble même que toute étude particulière doive nécessairement mettre en évidence une circulation entre les différents pans de la question. À titre d’exemple, examiner le cas de la censure reviendrait à interroger en même temps la perception sociale de l’image, la question de la sensualité du dessin et la mise en narration d’un récit qui se dévoile et se dérobe.

Modalités d’envoi des propositions :

            Les propositions de communication (500 mots environ) sont à envoyer avant le 30 avril àaymeric.landot@ens-lyon.fr et isabelle.guillaume@ens-lyon.fr

Les propositions feront figurer les coordonnées précises du ou des auteurs (nom, prénom, université, adresse électronique) ainsi que le titre de la communication.

Comité scientifique :

Jean-Paul Gabilliet (Bordeaux Montaigne)

Paul Arnould (ENS Lyon)

Paul Chopelin (Lyon 3)

Philippe Delisle (Lyon 3)

Henri Garric (ENS Lyon)

Tristan Martine (Marne-la-Vallée / Université de Lorraine)

Bénédicte Tratnjek (Université de Clermont-Ferrand – IRSEM)

Bibliographie :

M. BARKER, Comics: Ideology, Power and the Critics, Manchester, Manchester University Press, 1989.

W. EISNER, Comics and Sequential Art, New York, W. W. Norton, 2008.

T. GROENSTEEN, Système de la bande dessinée, Paris, Presses Universitaires de France, collection Formes sémiotiques, 1999.

G-E. LESSING, Laocoon ou Des limites respectives de la poésie et de la peinture (1766), trad. fr., Paris, Hermann, 1990.

E. MAIGRET et M. STEFANELLI (dir.),  La bande dessinée : une médiaculture, Paris, Armand Colin-Ina, 2012.

S. MCCLOUD, Understanding Comics, New York, Harper Perennial, 1993.

P. ORY et alii, L’Art de la bande bessinée, Paris, Citadelles & Mazenod, 2012.

B. PEETERS, Lire la bande dessinée, Paris, Flammarion, 1998.

R. SABIN, Adult Comics: An Introduction, London; New York, Routledge, 1993.

T. SMOLDEREN, Naissances de la bande dessinée de William Hogarth à Winsor McCay, Paris, Les Impressions Nouvelles, 2009.

S. TISSERON, Psychanalyse de la bande dessinée, Paris, Presses Universitaires de France, 1987.

 

Lieu :

École Normale Supérieure de Lyon (15 Parvis René Descartes, 69007 Lyon)

Dates :

8 et 9 octobre 2014

Prise en charge :

Les organisateurs proposent une prise en charge partielle des frais de déplacement et d’hébergement selon les cas.

Mots-clés :

bande dessinée, comics, manga, représentations, corps, identité, érotisme, dessin, langage, séquentialité, censure, littérature, illustration

Contacts :

aymeric.landot@ens-lyon.fr ; isabelle.guillaume@ens-lyon.fr

Liens :

http://labojrsd.hypotheses.org/

http://sciencesdessinees.ens-lyon.fr/

Responsable : Laboratoire Sciences Dessinées

Url de référence :
http://labojrsd.hypotheses.org/ http://sciencesdessinees.ens-lyon.fr/

Communauté

Le cri dans les arts ou la littérature, ou l’intime inarticulé

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Valérie Morisson (auteur d’un article publié dans Comicalités) et Paloma Bravo de l’université de Bourgogne lancent un appel à communication qui débouchera sur une journée d’étude organisée en novembre prochain à Dijon. Intitulée « Le cri dans les arts ou la littérature, ou l’intime inarticulé », nous ne sommes pas du tout certain que cette proposition rentre dans le champ scientifique que nous avons à cœur d’explorer et que les intuitions qu’expose ce billet correspondent au projet des organisateurs. Nous souhaitons néanmoins relayer cet appel à communication car il nous semble poser un problème des plus intéressantes, notamment dans le cas de la bande dessinée. « Transgressif et bestial », rompant « avec l’ordre et la beauté, donnant à voir un visage défiguré ou un corps contorsionné », le cri est en effet central dans nombre d’œuvres appartenant au neuvième art : pensons par exemple à l’Akira de Katsuhiro Otomo dans lequel l’action semble progresser à coup de cri d’effroi, les divers personnages étant de façon récurrente représentés bouches ouvertes et yeux écarquillés, comme saisis par l’effroi. Structurant au niveau d’une narration, le cri l’est également sur un plan strictement graphique : tel semble être le cas dans un autre manga, Dragon Ball, au sein duquel les innombrables scènes de bagarre sont dessinées à grands renforts d’onomatopées. Les différents personnages sont couramment représentés bouche ouverte, criant, alors que le fond de la case est occupé par d’immenses caractères japonais conférant à leurs cris de rage ou de douleur une forme monumentale. Le cri définit alors un mode d’écriture (qui pose d’ailleurs problème au niveau de sa traduction), et il conviendra d’explorer cette piste (ou bien d’autres) avant le 15 mars prochain.

 

 

 

Le Cri dans les arts et la littérature, ou l’intime inarticulé

Journée d’étude organisée  à Dijon, le 21 novembre 2014 par le centre Interlangnes EA4182

Dans le cadre de ses recherches sur l’Intime, le Centre Interlangues Texte, Image, Langage de l’Université de Dijon organise une journée d’étude interdisciplinaire consacrée au cri dans les arts et la littérature. Qu’il surgisse dans le roman, le théâtre (Happy Days ou Breath de Beckett par exemple), l’opéra (Billy Bud de Benjamin Britten), dans la sculpture et la peinture (de Vélasquez, Goya, Caravage, Bacon ou Le Brocquy pour ne citer que quelques peintres), dans la performance (Sound Barrier de Vito Acconci et Jay Jaroslav en 1971 ou Freeing the Voice de Marina Abramovic en 1975) ou dans le domaine de la danse (chez Lia Rodrigues par exemple), le cri mène l’œuvre à un paroxysme. Bien plus qu’une simple expression de l’effroi, tel qu’on le trouve dans le genre de l’épouvante que nous ne souhaitons pas privilégier, le cri perturbe l’œuvre, la fait chavirer. Transgressif et bestial, il rompt avec l’ordre et la beauté, donnant à voir un visage défiguré ou un corps contorsionné, celui des harpies poussant des cris funestes et stridents. Opposé au chuchotement des confidences, le cri, bruyant, dérange et agresse au point qu’il faille parfois l’étouffer. Dans Le Théâtre de Séraphin, Artaud défini le cri comme « la plainte d’un abîme qu’on ouvre ».

C’est d’abord la place de ce surgissement paroxystique de l’intime inarticulé dans l’économie de l’œuvre que cette journée d’étude propose d’explorer. Son de l’excès et de la catharsis, oscillant entre lamentation funèbre et fureur, le cri d’un personnage ou d’un chœur tragique mène l’œuvre à un paroxysme. De quelles tensions naît le cri ? Pourquoi certaines émotions intimes, indicibles, inavouables,  refoulées ne peuvent s’exprimer que par le cri ?  Comment ses qualités acoustiques dialoguent-t-elle avec d’autres formes textuelles ou visuelles muettes ? La célèbre Gorgone de Caravage, comme le visage peint par Edward Munch, est figée dans un cri paradoxalement silencieux. On pourra s’intéresser à l’écho du cri dans l’œuvre : précède-t-il la réinstauration d’un ordre moral, sexuel, politique ou esthétique ou bien annonce-t-il un monde déréglé et dystopique ? Quel est son effet sur le spectateur ou le lecteur ? Le cri crée en effet un malaise en repoussant les limites du corps. N’oublions pas que le cri est avant tout un acte physique. Hélène Singer, dans  Expressions du corps interne considère le cri comme une déchirure du silence mais aussi comme une déchirure de la chair et de la terre. Le cri est un dévoilement du corps interne, « comme entrailles sonores ». Excès d’impudeur, exhibition sonore, le cri paraît obscène, rappelle Singer. Informe et laid, il est ce qui déborde.

Cette journée d’étude considèrera également le cri comme un acte de résistance rendant sonore ce qui ne peut s’entendre ou donnant voix et parole à ceux qui ne sont pas entendus. Crier peut conduire à se récrier. On s’interrogera sur la résonnance sociale du cri et la manière dont il fait retentir divers rapports de force. La bouche ouverte de Méduse, parfois comparée à un vagin, a inspiré plusieurs artistes femmes ou féministes. Le cri émane d’un corps mis à mal, insoumis et incompris proposant un langage a-normé, voire anormal qui défie les conventions. Qualifié de dégradant, d’inhumain ou de bestial, le cri s’oppose au discours civilisé. Le cri des peuples colonisés, perçu comme primal, le cri prétendument insensé des aliénés ou celui, asocial, des prisonniers, ne fait irruption que parce que l’intime et les émotions ont été bridés. Symptôme de multiples violences, le cri fait alors entendre tant la vulnérabilité des êtres que leur force de résistance.

Les propositions de communication de 350 mots environ doivent parvenir avant le 15 mars 2014 aux organisatrices : Paloma Bravo (Paloma.Bravo@u-bourgogne.fr) et Valérie Morisson (valeriemorisson@gmail.com).

Responsable : Paloma Bravo

Adresse : 40 avenue Victor Hugo21000 Dijon

Communauté

La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ?

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Colette Gauthier et Yannick Bellenger-Morvan lancent un appel à communication intitulé « La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ? » Débouchant sur un colloque à l’université de Reims-Champagne Ardennes, cette proposition nous propose d’interroger une foisonnante littérature de jeunesse selon un angle qu’esquisse l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous : « en tant que lieu privilégié de représentation et de reconnaissance de l’identité individuelle et collective. » Semblable approche ne manquera pas d’intéresser des chercheurs travaillant sur la culture graphique, tant celle-ci semble effectivement constituer un riche vecteur de « représentations ». Pour prendre un seul exemple, pensons par exemple à la Semaine de Suzette au sein de laquelle cohabitent des dessins nous semblant participer de la définition d’un « genre » (au sens où l’entendent les organisateurs) tels les patrons de la Poupée Bleuette permettant de constituer la garde-robe idéale de la petite fille modèle, mais également un ordre social ou national (avec notamment la publication de Bécassine). Semblable approche pourrait également être étendue à des supports permettant de prendre en compte la dimension résolument européenne de cette proposition (présentée en trois langues, signalons-le). Il serait à cet égard intéressant de prolonger les réflexions que développe Pascal Lefèvre au sein d’un article publié dans Comicalités en interrogeant le rôle de la bande dessinée dite « franco-belge » de l’après Seconde Guerre Mondiale dans la construction d’identités nationales et/ou d’une identité européenne. Voici en tout cas l’une des pistes qu’il s’agira d’explorer avant le 15 mars prochain.

 

La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ?

Colloque international et pluridisciplinaire

Université de Reims-Champagne Ardenne

Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues et la Pensée (CIRLEP) – EA 4299.

Axe de recherche RSTI

21-22 novembre 2014

(Déroulez la page pour les versions anglaises et allemandes)

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La littérature pour la jeunesse :

vecteur d’une identité culturelle populaire ?

L’objet de ce colloque, volontairement pluridisciplinaire, est d’interroger la notion d’identité culturelle. Comment un peuple définit-il et élabore-t-il son identité? Il s’agit de déterminer les signes qui permettent l’identification à une culture populaire, qu’elle soit locale, nationale ou transnationale. La culture de caste et celle du genre sexuel relèvent pleinement de cette thématique.

Nous avons choisi de centrer notre réflexion autour de la littérature pour la jeunesse, dans ses différentes manifestations, en tant que lieu privilégié de représentation et de reconnaissance de l’identité individuelle et collective. Les communications s’articuleront autour des deux volets de la dialectique “instruire/pertir”, dans un rapport non exclusif permettant les combinaisons les plus fécondes.

Le premier axe didactique s’appuiera sur une sélection non exhaustive de supports : récits moraux, miroirs, manuels et récits documentaires, comptines et chansons à visée éducative. À titre d’exemples, nous pensons au Tour de la France par deux enfants de G. Bruno ou aux Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants illustrées par Louis-Maurice Boutet de Monvel, dans le domaine francophone ; aux Lessons to Children d’Anna Laetitia Barbauld ou à la pédagogie de Maria Edgeworth dans le domaine anglophone ; à Das Glück der guten Erziehung du chanoine Schmid dans le domaine germanophone. Outre les œuvres classiques, les interventions pourront également porter sur la littérature pour la jeunesse d’aujourd’hui.

Le second axe récréatif s’intéressera aux récits d’aventures, aux robinsonnades et aux littératures de l’imaginaire. Quel est le rôle des romans de Jules Verne et de Joachim Heinrich Campe dans la construction d’une identité culturelle populaire ? Quelle part de subversion attribuer aux contes de George McDonald ? La littérature pour la jeunesse contemporaine, mondialisée et consommée en masse, offre-t-elle encore un terrain sur lequel bâtir une culture identitaire ?

La littérature patrimoniale, à la confluence des deux axes, occupera une place signifiante dans nos réflexions. Il s’agit bien de questionner les dispositifs idéologiques qui président à la construction et à l’affirmation du sentiment d’appartenance à une culture. Le corpus pourra être écrit, oral et/ou iconographique. Nous nous intéresserons autant à la norme qu’à sa subversion. On portera une attention particulière à la traduction intersémiotique et à la poly-exploitation de certaines œuvres pour la jeunesse : le passage de l’oralité à l’écriture, puis de l’écriture à l’image préserve-t-il ou aliène-t-il leur essence populaire (Volkstümlichkeit) ?

Nous refusons délibérément de restreindre notre problématique à une aire géographique et à des bornes temporelles prédéfinies afin de garantir la plus grande ouverture et amplitude possibles à nos travaux. Toutes les méthodes de recherche sont les bienvenues (linguistiques, littéraires, civilisationnelles, historiographiques).

Chaque intervention de 20 minutes sera suivie de 10 minutes de discussion. Les langues du colloque sont le français, l’anglais et l’allemand, afin de permettre aux chercheurs d’Europe de l’Est de prendre part à notre réflexion.

Comité d’organisation : Colette Gauthier (CERHIC) – Yannick Bellenger-Morvan (CIRLEP).

Merci d’envoyer vos propositions de communication de 300 mots maximum avec une courte notice biographique, avant le 15 mars 2014, à Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr) ET Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr).

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CFP: “Literature for Children and Popular Cultural Identity”

Rheims University – 21-22 November 2014

The purpose of this international and interdisciplinary conference is to question the notion of cultural identity. How does a people define and design its identity? Our ambition is to determine what signs make identification to a local, national and transnational culture possible. In that respect, focusing on gender and caste cultures may also be relevant.

We have deliberately centred our questioning on children’s literature, which, in its multifarious forms, is a privileged space for representing and recognising collective and individual identity. Papers will embrace both aspects of the dialectic of instruction and entertainment, in a non-exclusive approach allowing the most innovative combinations.

The didactic axis will focus on a non-exhaustive selection of texts: moral tales, mirrors for princes, textbooks and documentaries, nursery rhymes and educational songs. The following works might be cited as examples: G. Bruno’s Tour de la France par deux enfants as well as Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants illustrated by Louis-Maurice Boutet de Monvel, in France; Anna Laetitia Barbauld’s Lessons to Children in Great Britain; Das Glück der guten Erziehung by Canon Schmid in Germany. Besides classical novels, proposals may also bear on today’s literature for children.

The recreational axis will deal with tales of adventures and fantasy stories. What part is played by Jules Verne’s and Joachim von Campe’s novels in the making of a national cultural identity? To what extent are George McDonald’s fairy tales subversive? Is today’s globalised and mass-consumed children’s literature still offering the fertile ground on which some form of common popular culture can be built?

Merging both axes, national or “legacy” literature will be granted significant weight in our considerations. The aim is to examine the ideological mechanisms presiding over the construction and assertion of some sense of belonging to one particular culture. The corpus may refer to oral, written and/or visual documents. The papers may focus on norms as much as on their subversion. Close attention will be paid to the inter-semiotic translation and poly-exploitation of stories for children: does the shift from the oral tale to the written text and, later, from the written text to the picture book preserve or alienate their popular essence (Volkstümlichkeit)?

We have deliberately refused to restrict our research to one specific geographical area or one specific period so the papers may tackle a wide range of topics. All methods of research are welcome and may cover fields as varied as linguistics, literature, civilisation, historiography.

Each 20-minute paper will be followed by a ten-minute discussion. The languages spoken are French, English and German, to allow Eastern European researchers to fully take part in the event.

Please send your proposals to both Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr) and Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr).

Each proposal should mention:

Your name

Your Email address

Your university

The title of your paper

A 300-word abstract

A short biographical note

Deadline for sending proposals: March 15th, 2014

Answers: April 5th, 2014

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Die Jugendliteratur : Vehikel einer volkstümlichen kulturellen Identität

Universität Reims-Champagne Ardenne
21. und 22. November 2014

Ziel dieses Kolloquiums, welches bewusst multidisziplinär gestaltet ist, wird es sein, den Begriff kulturelle Identität zu hinterfragen. Auf welche Weise definiert und entwickelt ein Volk seine Identität ? Dabei gilt es, die Merkmale zu bestimmen, welche eine Identifizierung mit einer lokalen, nationalen oder aber transnationalen volkstümlichen Kultur ermöglichen. Die Kultur der Kasten und die des biologischen und sozialen Geschlechts lassen sich vollumfänglich dieser Thematik zuordnen.

Wir haben uns entschieden, unsere Fragestellungen auf die vielgestaltige Jugendliteratur zu beschränken, welche in ihren unterschiedlichen Ausprägungen ein bevorzugtes Feld der Darstellung und Wiedererkennung individueller und kollektiver Identität ist. Die zu untersuchenden Texte lassen sich um die zwei dialektischen Aspekte „Belehren und Unterhalten“ anordnen, welche in einem nicht ausschließlichen Verhältnis möglichst fruchtbare Kombinationen zulassen sollten.

Der erste, didaktische Aspekt wird auf einer nicht abschließende Auswahl an Texten stützen: moralisch geprägte Berichte, Spiegel, dokumentarische Berichte und Handbücher, Kinder- sowie erzieherische Lieder. Als Beispiele für den französischen Sprachraum seien genannt „Tour de la France par deux enfants“ von G. Bruno oder „Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants“ herausgegeben von Louis Maurice Boutet de Monvel; für den angelsächsischen Sprachraum „Lessons to Children“ von Anna Laetitia Barbauld oder aber die Pädagogik von Maria Edgeworth, sowie für den deutschen Sprachraum „Das Glück der guten Erziehung“ des Domherrn Schmidt. Neben den klassischen Werken wird ebenfalls auch zeitgenössische Literatur verwendet werden.

Der zweite, unterhaltende Aspekt wird sich mit Abenteuergeschichten, Robinsonaden und Fantasiegeschichten befassen. Welche Rolle spielen die Romane von Jules Verne und von Joachim Heinrich Campe in der Konstruktion einer volkstümlichen kulturellen Identität ? Welchen Beitrag leisten die Erzählungen von George McDonald zur Subversion? Bietet die zeitgenössische Jugendliteratur, welche weltweit verbreitet und von Massen gelesen wird, noch eine Grundlage, auf welcher eine kulturelle Identität aufgebaut werden kann ?

Im Schnittpunkt der beiden Aspekte werden die literarischen Überlieferungen in ihren vielfältigen Ausdrücken – Sagen- und Märchenschatz, mündliche Literaturformen, Bilderbogen … ; das Korpus  kann nämlich schriftlich, mündlich oder ikonographisch sein – einen wesentlichen Platz in unseren Überlegungen einnehmen. Es geht darum, die ideologischen Mittel zu hinterfragen, die den Aufbau und die Bestätigung eines kulturellen Zugehörigkeitsgefühls leiten.  Wir interessieren uns gleichermaßen für die Norm wie auch für ihre Subversion. Unser besonderes Augenmerk liegt auf der intersemiotischen Übersetzung und der mehrfach Nutzung einiger dieser Werke : Bewahrt der Übergang vom Gesprochenen zum Geschriebenen, und vom Schriftlichen zum Bild die Volkstümlichkeit oder führt er zu deren Verlust ?

Wir verzichten bewusst auf eine geographische oder zeitliche Beschränkung unserer Problemstellung, um eine größtmögliche Offenheit und Weite unserer Arbeit zu erreichen und begrüßen alle Forschungsansätze (linguistisch, literarisch, kulturwissenschaftlich, historisch).

Jedem 20 minütigen Vortrag folgt eine 10 minütige Diskussion. Die Sprachen des Kolloquiums sind Französisch, Deutsch und Englisch, um sicherzustellen, dass auch mittel- und osteuropäische Forscher an unseren Überlegungen teilnehmen können.

Wissenschaftlicher Ausschuss: Colette Gauthier (CERHIC) – Yannick Bellenger (CIRLEP)

Wir würden Sie bitten, uns Ihre Themenvorschläge von maximal 300 Worten mit einem kurzen biographischen Abriss bis zum 15. März 2014 bei Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr) UND Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr) einzureichen.

Responsable : Yannick Bellenger-Morvan

Adresse : Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues et la Pensée (CIRLEP) – EA 4299.UFR Lettres et Sciences Humaines57, rue Pierre TAITTINGER51096 REIMS Cedex

Communauté

La fin des cartes ?

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Aline Caillet, Sophie Fétro, Anna Guillo, Karen O’Rourke de l’université Paris I lancent un appel à collaboration pour un projet intitulé « La fin des cartes ? » S’étalant sur deux ans, cette proposition s’intéresse à un objet graphique effectivement méconnu : « la représentation des territoires » qui est ici appréhendée « tant d’un point de vue technologique, scientifique, que politique et urbanistique » et esthétique pourrions nous ajouter. En effet, l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fait état d’un intérêt pour des « démarches subjectives et appropriatives que nous adoptons face aux territoires » mais ne fait par contre qu’esquisser l’exploration d’un champ de recherche qui reste pourtant largement inexploré. Certains genres littéraires semblent en effet faire une place d’importance à la carte, voire la placer au fondement d’une poétique ainsi que l’a montré Anne Besson dans un article (« La carte maîtresse d’un jeu gagnant : l’imaginaire cartographique dans la fantasy jeunesse contemporaine ») publié dans le numéro 28 des Cahiers Robinson consacré au sujet (« Cartes et plans : paysages à construire, espaces à rêver »). Dans le cas des littératures de l’imaginaire, on peut penser que la carte permet d’inscrire une intrigue dans un territoire plus vaste : ce faisant, elle signale au lecteur que la narration s’inscrit dans une fiction qui la dépasse et qui reste en un sens à écrire ou lire. Et il serait à cet égard intéressant de s’intéresser aux procédés graphiques utilisés à cette fin, en s’appuyant par exemple sur un corpus de bandes dessinées : pensons notamment aux Cités obscures de Benoît Peeters et François Schuiten qui s’est appuyé sur une collaboration avec l’IGN pour éditer une véritable carte géographique de l’imaginaire Sodrovno-Voldachie, mais également à une série comme De cape et de crocs dans laquelle la carte est omniprésente. Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter une liste qui est esquissé ici par Olivier Marlet, et encourageons vivement nos lecteurs à tenter cet objet graphique entre tous. Le trait y est en effet normalisé selon des procédés et conventions qu’il serait intéressant d’interroger car ils se doivent de faire place à des usages prégnants : toute carte ne constitue-t-elle pas avant tout une représentation faisant une place à des circulations, imaginaires ou non ? Il s’agira d’étoffer cette intuition avant le 17 mars prochain.

La fin des cartes ?

Dans le cadre du projet de recherche, La Fin des cartes ? Territoires rêvés, territoires normalisés, qui bénéficie du soutien du conseil scientifique de l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne, nous nous intéressons aux productions artistiques relatives à la cartographie et à la représentation du territoire.

Résumé du projet

Ce projet de recherche, résolument interdisciplinaire, à la croisée des chemins de la recherche scientifique et de la pratique artistique, vise, à l’heure de la multiplication des procédés cartographiques 2D et 3D, à questionner la représentation des territoires tant d’un point de vue technologique, scientifique, que politique et urbanistique.

Productrice d’une iconographie captivante, parfois inquiétante, la carte et ses déclinaisons virtuelles (représentations 3D, maquettes numériques urbaines, etc.) est un objet de recherche mais également une méthode pour qui veut aborder la ville du point de vue du design, de l’anthropologie, de l’urbanisme ou de la géographie. Mais c’est justement ce « faire méthode » qui pose problème. À travers le titre La Fin des cartes ? Territoires rêvés, territoires normalisés, il s’agira de mettre en tension les démarches subjectives et appropriatives que nous adoptons face aux territoires que nous pratiquons, et les outils toujours plus performants et inquisiteurs qui tendent à absorber ces représentations.

GPS et «Mappy», les services de géolocalisation et les applications qui génèrent des cartes à la volée, sont-ils encore des procédés cartographiques ? Que doit-on penser des pratiques de cartographie collaborative ? Quel est le rapport entre leurs processus d’élaboration et de représentation des territoires et les techniques cartographiques utilisées par les scientifiques ? Dans quelle mesure laissent-elles encore une place au rêve et à l’imagination ? Ne masquent-elles pas de nouvelles stratégies de normalisation du territoire ? L’ambition du projet est ainsi d’apporter un éclairage sur la « fin des cartes », leur finalité comme leur finitude, leur fascinante beauté comme leur programme normatif, leur sinueux dessin comme leur inquiétant dessein.

Ce programme de recherche, s’étalant sur 2 années, comprend plusieurs volets : tables rondes, journées d’études, expositions, projections, colloques, etc.

En vue de préparer ces différents événements, nous lançons un appel à contributions auprès des artistes dont la pratique entre en relation avec la cartographie et le territoire.

Si ce projet vous intéresse, merci de nous envoyer une présentation de votre travail (format .pdf), comprenant 5 à 10 visuels et une brève présentation de votre démarche, en lien avec la thématique du projet.

Date limite de réception des dossiers : 17 mars 2014

Contact : lafindescartes@gmail.com

Aline Caillet, Sophie Fétro, Anna Guillo, Karen O’Rourke, Université Paris I panthéon-Sorbonne, Institut ACTE, UMR 8218.

Responsable : La Fin des cartes

Adresse : Université Paris I47 rue des bergers75015 Paris

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Death Representations in Literature. Forms and Theories

Un commentaire

Adriana Teodorescu lance un appel à communication pour un ouvrage publié dans une originale (et macabre) collection des Presses Universitaires de Cambridge : « Dying and death studies ». Intitulée « Death representations in Litterature. Forms and theories », cette proposition pourrait intéresser nombre de chercheurs travaillant sur la bande dessinée, notamment car l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fait place à l’étude de toutes sortes de représentations. En sus des pistes proposées, il en est une qui nous semble pouvoir être extrêmement fructueuse : celles des « tabous » ou autres formes d’interdits quant à la représentation de la mort. La chose est ici en partie évoquée (en terme de moralité) à propos de la littérature de jeunesse, mais la question se pose également dans le cas de la bande dessinée. La mort d’enfant ne semble par exemple que fort marginalement évoquée et nous peinons à trouver d’autres exemples que Le Petit monde de Toru Terada et Jean-David Morvan qui narre de façon très crue le quotidien des jeunes habitants d’un bidonville. La mort d’animaux nous semble tout aussi rare présente, et lorsqu’elle est présente c’est pour être mise au service de faits historiques plus macabres encore : pensons au superbe La Bête est morte de Victor Dancette, Jacques Zimmerman et Edmond-François Calvo dans lequel des loups (et notamment le « Grand loup toujours en Fureur » représentant bien sûr le Führer) s’en prennent à d’autres espèces, ou encore au Maus d’Art Spiegelmann qui s’inscrit dans la même lignée. Cette liste n’est bien sûr pas exhaustive et nous laissons à nos lecteurs le soin de la compléter avant le 2 mars prochain.

Death Representations in Literature. Forms and Theories

Chapter proposals are invited for an edited volume entitled “Death Representations in Literature. Forms and Theory” to be published at Cambridge Scholars Publishing, in the Dying and Death Studies series.

If the academic field of death studies is a prosperous one, there still seems to be a lack of interest or a mistrust concerning the capacity of literature to give socially relevant information about death and to help improve the anthropological understanding of how culture is shaped by the human condition of being mortal. Furthermore, academically but also from a common sense perspective, the relationship between literature and death tends to be trivialized, in the sense that death representations are interpreted in an over-aestheticized manner. What derives from such an approach is the fact that death in literature is considered significant only for literary studies and the emergence of certain persistent clichés as for example the power of literature per so to annihilate death. The proposed volume aims at surpassing these stereotypes and at revealing the great potential of literary studies in providing fresh and accurate ways of interrogating death as a steady unavoidable human reality and as an ever continuing socio-cultural construction.

Bellow you will find some possible topics of research. Nevertheless, the list is not exhaustive, so you must not feel limited to it.

·         The characteristics of representing death (patterns, socio-literary functions) in one or more literary species (novel, essay, lyric poems, fairy tales, crime story, fantasy, science fiction).

·         What from death is represented in literature: attitudes towards death, funerary rituals, ways of ending life/dying, death of the Other(s), my death (“death at first person”), afterlife images, corpse

·         Comparisons: burial – cremation , suicide/murder – “tamed” death, my death – the death of the Other, mortality – immortality

·         Death representations in European literature, death representations in Asian or African literature (cultural patterns)

·         Can we speak about a homogeneous vision upon death and dying in the case of some literary and artistic movements such as romanticism, dark romanticism (gothic) existentialism, symbolism, naturalism, magical realism, etc.

·         How do people (writers or not) perceive/imagine/describe their death through their personal diaries

·         Differences and similarities between representing death in literature and death representations in other connected fields: philosophy, anthropology, cinematography, photography, visual arts, etc.

·         Literary representations of death in the entire work of a specific author (e.g. Dostoyevsky, Camus, Sartre, S. Plath, Herta Muller, etc.)

·         To what extent does the literary representation of death refer to the extra-fictional Death

·         Are there any differences between a literary representation of death and another? What sort of differences

·         Is it moral to represent death in children’s literature or are there any aesthetic and moral constraints; what about other types of literature

·         Are the literary representations of death a reliable source for a history of death

·         Are the metaphors of death expressions/forms of death denial or, on the contrary, a more insightful way of capturing the meaning of death

·         Is an author who represents death in his or her literature more prone to accept his or her own death

·         The social and aesthetical stake of displaying particular ways of dying: by suicide, by crime, by murder, by euthanasia, by illness.

Both theoretical and non-theoretical approaches are welcome. Yet, case studies such as analyzing the representation of death in one writing exclusively are not very encouraged, unless it is a literary work emblematic for a certain period of time/attitude in the face of death or unless it is a writing where death plays an important part (e.g. The death of Ivan Ilych, As I Lay Dying, Death with Interruptions, etc.).

Important dates:

02 March 2014: Deadline for proposal submission

09 March 2014: Notification of proposal acceptance

20 April 2014: Deadline for paper submission

11 May 2014: Notification of acceptance (possibly with suggestions)

01 June 2014: Submission of final version

Proposals should include:

·         an abstract of maximum 500 words

·         3-7 keywords

·         a short narrative CV: 5-10 lines

Guidelines for the final paper should be provided on acceptance.

Editor: Adriana Teodorescu

Contact: adriana.teodorescu@gmail.com