Archives par mot-clé : perception

Jeune recherche : posture du jeune chercheur

Pour terminer cette série d’articles sur les jeunes chercheurs en bande dessinée, j’évoquerais une question plus individuelle et personnelle : celle de la posture du chercheur, en particulier dans son rapport sensible et émotionnel à l’objet de sa recherche, en l’occurrence la bande dessinée.

En effet, j’ai déjà eu l’occasion de souligner que la grande majorité des doctorants interrogés m’ont avoué être des lecteurs de bande dessinée avant leur recherche. La valeur de ces affirmations varient, entre les lecteurs occasionnels et les lecteurs passionnés… Mais souvent intervient le constat d’un rapport à l’objet qui n’est pas seulement celui d’un chercheur, mais aussi celui d’un amateur. Par ailleurs, certains des répondants s’investissent plus qu’en tant que lecteur dans le milieu de la bande dessinée : ils sont éditeurs, galeristes, experts ou enseignants du domaine. Cette ambivalence se retrouve d’ailleurs avec d’autant plus de force dans le cas de jeunes chercheurs qui sont aussi praticiens, professionnels ou amateur. C’est le cas pour au moins quatre de mes répondants, à des degrés divers. Il sera intéressant de comprendre comment eux vivent cette double identité.

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Le cinéma d’animation : de l’expérience poïétique à l’invention esthétique

Pierre Arbus, Patrick Barrès et Sophie Lécole-Solnychkine de l’université Toulouse Jean-Jaures (anciennement Toulouse-Le Mirail) lancent un appel à communication intitulé : « Le cinéma d’animation : de l’expérience poïétique à l’invention esthétique ». Cette proposition nous invite à appréhender un mode d’expression au regard du célèbre texte de Paul Valéry et, ce faisant, à poser un problème qui intéresse au premier chef les lecteurs et auteurs de Comicalités : « conjuguer le volet artistique de l’expérience, au croisement de l’acte de production, et [le] régime esthétique de l’expérience » signifie assurément poser le problème du dessin, et plus précisément d’un mode d’expression qui est abordé selon plusieurs façons dans l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous. « Versatile », « incertain », « surprise », « couleur » : autant de pistes pour saisir un processus de création et d’expérience qu’il serait peut-être également bon de considérer au regard de notions et techniques cinématographiques absentes de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous.

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Florence Miailhe, Au Premier Dimanche d’août , 2000, Les Films de l’Arlequin

Regarder Au Premier Dimanche d’août de Florence Miailhe signifie en effet prendre goût à un rythme de défilement des images par moment saccadé rappelant à bien des égards le cinéma des premiers temps, tandis que le Mariage du hibou de Caroline Leaf (également cité) propose des formes qui semblent toujours sur le point de se liquéfier et des images dont la stabilité est finalement affaire de précarité. Ce ne sont là que quelques intuitions et nous invitons nos lecteurs à en émettre bien d’autres avant le 15 novembre prochain.

 Le cinéma d’animation :

de l’expérience poïétique à l’invention esthétique

Cette 12e édition du Colloque de Sorèze est consacrée aux formes créatives et inventives du cinéma d’animation, caractéristiques des pratiques expérimentales, de recherche ou d’auteur du cinéma d’animation. Le cinéma d’animation sera abordé suivant les deux grandes entrées de l’expérience poïétique et de « l’invention esthétique » (Paul Valéry).

La proposition « le cinéma d’animation comme expérience » ouvre le champ à la dimension polysémique de l’expérience, suivant la référence aux thèses de John Dewey développées dans son ouvrage L’art comme expérience. Celle-ci invite à aborder et à conjuguer le volet artistique de l’expérience, au croisement de l’acte de production, et du régime esthétique de l’expérience, articulant perception et réception.

Nous aborderons, aux côtés des voies « classiques » ou « conventionnelles » du cinéma d’animation, les réalisations inscrites dans une ligne « d’invention perpétuée » (Hervé Joubert-Laurencin). L’alternative aux voies classiques de production, aux régimes codifiés, programmatiques et linéaires des opérations, ouvre l’expérimentation aux différents termes du chantier de création et aux différentes phases du processus de production. Ceux-ci répondent à des conduites créatrices plus ou moins aventureuses, identifiées par des théoriciens du  cinéma d’animation ou de l’art, et par des cinéastes, en termes de poïétiques de l’instable ou du « versatile » (Dominique Willoughby), de logiques de « l’incertain » ou de la « surprise » (Robert Breer) par exemple, organisées autour d’une dialectique entre programme et expérience, et introductives de nouvelles expériences esthétiques : du côté d’une transparence ou d’une opacité de l’image, de la fluidité d’une image-mouvement, d’un dessin au trait ou d’un dessin de surface, d’une « couleur-matière » ou d’une « couleur-signe » (Jacqueline Lichtenstein), d’une puissance figurale de l’image ou d’une « plasmaticité », suivant le concept d’Eisenstein (Walt Disney, trad. A. Cabaret, Circé, 2013).

La réflexion pourra porter sur les singularités construites, caractéristiques des pratiques de création-recherche du cinéma d’animation, suivant plusieurs entrées :

  • la question de l’interdisciplinarité : des pratiques issues d’une mise en commun ou d’une hybridation des moyens matériels, des médiums et des techniques, dans le cas de relations entre cinéma d’animation et arts plastiques, ou cinéma et arts du son, par exemple ;
  • des problématiques de l’invention et de l’innovation, qui concernent les différentes dimensions, technique, plastique, esthétique ;
  • des régimes de plasticité spécifiques, tels que l’élasticité des figures, la viscosité de la matière, l’altération, la fragmentation ou la transformation ;
  • les relations entre les scénarios poïétiques et les processus narratifs : il s’agira ici d’apprécier dans quelle mesure le film d’animation renouvelle le travail de la narration, en lien avec ces chantiers d’expériences et les exercices de fictions, en s’engageant dans certains cas dans des voies de « déconstruction narrative » (Dominique Noguez) ou en suivant le développement de « stratégies narratives qui le rapprochent du cinéma expérimental » (Marcel Jean) et qui le constituent peut-être comme un « cinéma de l’écart » (Roger Odin).

Concrétion sensible, le film d’animation motive les dynamiques de l’expérience esthétique. Celle-ci prend acte de ses lignes inventives et de ses voies poïétiques, et se construit au contact des formes poétiques des images en mouvement (ou des « images-mouvement »), et au travers d’un « toucher du regard ». Elle engage des « exercices de pensée », pourquoi pas des ekphraseis, qui visent, suivant une perspective philosophique et dans une visée épistémologique, à une confrontation des différents modes de pensée et propositions théoriques relatives à ce domaine d’étude.

Ces études prendront appui sur un large corpus filmique. Celui-ci nous permettra, par exemple, de faire l’expérience des opacités blanches du film Le Petit Hérisson dans le brouillard de Youri Norstein, de la couleur-fard de Au Premier Dimanche d’août de Florence Miailhe ou de La Piccola Russia de Gianluigi Toccafondo, du grain de sable en clair-obscur du Mariage du hibou de Caroline Leaf, des scintillements dans les images mouvantes d’Une Nuit sur le Mont Chauve d’Alexandre Alexeïeff, de la plasticité de The Black box et des altérations construites de Other Faces de William Kentridge, de « l’œil-caméra-pinceau » (suivant le proposition de Sébastien Denis) à l’œuvre dans les films de Georges Schwizgebel ou du « plaisir du fluide » (Jean-Paul Engélibert) dans Le Château ambulant de Hayao Miyazaki.

Ce colloque réunira non seulement des chercheurs dans les domaines les plus variés, des études audiovisuelles, des arts plastiques, des arts appliqués, des arts du spectacle, de l’esthétique, de la philosophie, de la musicologie, de l’histoire de l’art et de la littérature, mais également des artistes et cinéastes d’animation.

Le colloque est organisé par le LARA-SEPPIA (Laboratoire de recherche en Audiovisuel – Savoirs, Praxis et Poïétiques en Art) de l’Université Toulouse – Jean Jaurès (anciennement Université Toulouse 2 – Le Mirail). Il se tiendra du mercredi 4 au vendredi 6 février 2015, à l’Abbaye de Sorèze (Tarn).

Modalités de soumission

Les propositions de communications nous parviendront sous la forme suivante : un texte d’environ 2000 signes (espaces compris), accompagné d’une courte bio-bibliographie de l’auteur.

avant le 15 novembre 2014.

Chaque communication durera 20 minutes, auxquelles s’ajouteront 15 minutes de débat avec le public.

Les propositions sont à envoyer à Pierre Arbus (pierre.arbus@univ-tlse2.fr), à Patrick Barrès (patrick.barres@univ-tlse2.fr) et à Sophie Lécole-Solnychkine (sophielecole@free.fr).

Le programme définitif sera établi pour le 15 décembre 2014.

Responsables scientifiques

  • Pierre Arbus, Maître de conférences en Etudes audiovisuelles
  • Patrick Barrès, Professeur en Arts appliqués, arts plastiques
  • Sophie Lécole-Solnychkine, Maître de conférences en Arts plastiques

Comité scientifique

  • Pierre Arbus, MCF Etudes cinématographiques, LARA, Université Toulouse – Jean Jaurès
  • Patrick Barrès, PR Arts appliqués, arts plastiques, LARA, Université Toulouse – Jean Jaurès
  • Bérénice Bonhomme, MCF Etudes cinématographiques, LARA, Université Toulouse – Jean Jaurès
  • Guy Chapouillié, PR émérite Etudes cinématographiques, LARA, Université Toulouse – Jean Jaurès
  • Sébastien Denis, PR Etudes cinématographiques, CRAE, Université de Picardie – Jules Verne
  • Jean-Louis Dufour, MCF Esthétique audiovisuelle, Directeur de l’ESAV, Université de Toulouse II – Le Mirail
  • Paul Lacoste, Pr. Esthétique audiovisuelle, ESAV, Université de Toulouse II – Le Mirail
  • Sophie Lécole-Solnychkine, MCF Arts plastiques, LARA, Université Toulouse – Jean Jaurès
  • Gilles Méthel, PR Etudes cinématographiques, LARA, Université Toulouse – Jean Jaurès
  • Sébastien Roffat, historien, IRCAV, Université Paris 3
  • Serge Verny, MCF Etudes cinématographiques, EnsadLab, Paris

L’image translucide

Plusieurs membres du laboratoire LLC-Arc Atlantique de l’université de Pau lancent un appel à communication intitulé : « L’image translucide ». S’intéressant au processus de création, cette proposition nous invite à penser un effet qui « voile et dévoile à la fois, sépare et unit, nourrit l’espoir de la visibilité ». Le translucide y est en effet défini comme un procédé paradoxal, « né de l’impossibilité de rendre présent l’absence » et se situant « à mi-chemin entre la transparence et l’opacité ». Faut-il y voir dès lors une catégorie esthétique susceptible d’avoir cours dans le champ du dessin ? Les travaux de Julio Vaquero sont ici directement cités et l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fait nommément une place à la bande dessinée provenant du domaine hispanique. Ignare en la matière, nous renvoyons nos lecteurs vers le travail de chercheurs comme Viviane Alary (bibliographie lisible ici) ou Benoît Mitaine (par exemple dans cet article) et laissons à nos lecteurs le soin de suggérer quelques pistes de travail car une seule nous vient, bien connue. Les réalisations d’Alberto Breccia (auteur argentin) font en effet une place à semblable « translucide », notamment dans son adaptation des œuvres de Lovecraft : dans Les Mythes de Cthulhu, le dessin est réalisé à l’éponge, gratté et fait l’objet de divers ajouts de matière, procédés qui semblent vouloir à la fois permettre et compliquer la visibilité. Nous sommes en tout cas bien loin du dessin de Blast de Manu Larcenet, qui relève d’une technique posant également directement le problème du translucide : le lavis, dessin consistant à délayer une encre sur le mode d’une aquarelle dont la pratique peut d’ailleurs être vue comme une véritable apologie du translucide (pensons aux Carnets d’Orient de Jacques Ferrandez ou aux Noceurs de Brecht Evens). Nous laissons à nos lecteurs le soin de formuler plus d’idées avant le 18 octobre prochain et félicitons en tout cas les organisateurs pour cette stimulante proposition.

 L’image translucide

Depuis l’art de la Renaissance, toute la fantasmatique de la mimésis s’est fondée sur la dimension transitive et transparente de la « représentation » (parfois associée à une « Vérité » de l’illusion mimétique), feignant d’ignorer l’opacité réflective liée au processus de la « présentation », qui devait néanmoins s’imposer avec force à l’ère de la modernité.

Quelle que soit la prégnance de la transparence ou de l’opacité de l’image au fil du temps, elles apparaissent toutes deux indissociables, consubstantielles au processus représentationnel[1], et elles définissent l’image figurative comme une entité paradoxale, à la fois « œuvre d’art » et « apparence du monde », « image » et « chose » : l’image conjoint ainsi des aspects antinomiques, étant aussi bien un plan destiné à capter une réalité absente qu’une entité intrinsèque imposant sa propre matérialité.

Mais si les sémioticiens et les pragmaticiens contemporains n’eurent de cesse de signifier cette ambivalence de l’image à travers l’opposition « transparence » vs « opacité », l’on ne peut manquer d’observer dans les arts visuels la permanence insistante d’un autre concept également défini dans son rapport à la lumière[2], le « translucide », une persistance observable en Orient et en Occident, des arts classiques aux arts contemporains. Les écrans diaphanes imaginés par C. Saura dans Goya en Burdeos (1999), les dessins fantasmatiques de El fin de las apariencias (2011), de Julio Vaquero, le projet photographique de Martí Llorens, Poblenou (1911), ou l’ambigüité du translucide propre à Joan Fontcuberta –Terrains Vagues (1994-1997), Doble cos (1992)… –, ne sont que quelques-uns des exemples qu’en donne la création hispanique contemporaine.

Ni opaque ni transparent, le translucide, qui résulte de la traversée d’un corps par une lumière diffuse sans toutefois permettre de distinguer les objets à travers lui, voile et dévoile à la fois, sépare et unit, nourrit l’espoir de la visibilité. La matière translucide montre ce qui se joue derrière elle, devenant pour le créateur le moyen de révéler une présence là où subsiste le manque, laissant juste filtrer les ombres d’un monde divisé qui pourrait servir de référence à ce monde d’apparences que décrit Platon. Elle est en cela source de désir, mais aussi de manque et de frustration, car derrière le voile translucide, la réalité s’estompe et s’enfuit.

Si le translucide se trouve, dans son rapport à la lumière et par l’effet visuel qu’il produit, à mi-chemin entre la transparence et l’opacité, tout comme elles, il métaphorise et révèle le processus de la représentation. Il figure le paradoxe né de l’impossibilité de rendre présent l’absence et manifeste la double intention de dévoiler sous l’image un dessin plus « réaliste » de la figure humaine tout en en masquant certains éléments.

Mais n’est-il pas un supplément d’âme donné au translucide, dans sa nature d’entre-deux traversé par la lumière, dans sa capacité à fonctionner « à l’oxymore », à synthétiser à lui seul le visible et l’invisible, le montré et le caché, l’ombre dans la lumière, à dire à la fois la présence et l’absence, le contenu et le relais, l’adéquation entre le signe et le signifiant, l’étant et le mode d’être ?

Ne peut-on penser que la matière translucide – voile, filtre, brouillard, tamis, lanterne magique, etc. –, parce qu’elle intercale un écran entre le regard et l’objet de son désir, fonctionne comme un ouvroir de potentialités imaginaires, transfigurant le réel et le poétisant en le détournant, laissant percer la quête de l’artiste qui, au-delà des apparences, cherche ce qu’il en serait de la Vérité sans jamais la révéler ?

De fait, le translucide se charge d’une extrême richesse polysémique, d’une potentialité sémantique inhérente à ses diverses dimensions, réflexive, esthétique, symbolique ou poétique :

  • Par sa façon d’être présent et absent, de jouer de ses formes ou de ses lacunes, il émane de sa présence, au sein de son expression, une réflexion constante, une dimension métaréflexive liée à la mise à distance de l’espace visible et du réel.
  • À cela s’ajoute la dimension symbolique des voiles et des filtres, souvent liée à une vérité cachée, sous-entendue ou réprimée, qui reflète la complexité d’un monde qui ne se satisfait plus d’une vérité illusoire.
  • Jouant à la fois comme un filtre matériel et un filtre poétique, la translucidité ouvre surtout le champ des suggestions et des possibles, dans la mesure où seul l’imaginaire parvient à habiter le lieu que le translucide voile d’opaque. Entre monstration et repli, dit et non-dit, les voiles, filtres et brouillards pourraient être le moyen d’éloigner l’objet de la convoitise, de préserver l’objet du désir, de substituer au regard frustré du réel une vision poétique chargée d’énigmes infinies. Ne serait-il pas là, le sens du translucide, dans les interrogations qu’il éveille, dans la quête qu’il inspire et les interprétations multiples qu’il suscite, suggérant que les vérités les plus hautes doivent rester voilées de mystère ? Autant d’idées confirmant la croyance en une vérité cachée sous un voile épais à décrypter, dans ses signes…

Ce sont-là ces champs du translucide que le RIVIC (réseau interdisciplinaire sur les vérités de l’image hispanique) se propose d’étudier dans les champs visuels hispaniques (cinéma, photographie, peinture, BD, relation texte/image). Dans quelle mesure les dispositifs ou les projets tendant à filtrer la lumière sont-ils susceptibles d’imposer un sens – ou simplement de faire énigme et d’imposer l’équivoque –, d’avoir un impact sur l’espace conceptuel, esthétique et poétique de la création artistique ?

Axes d’étude

Nous nous attacherons, à titre d’exemple, à étudier les dispositifs techniques d’élaboration de l’image translucide, qui font sens dans leur opposition à la transparence, tels que l’usage :

  • des flous, des  bruits et brouillages de l’image, du tremblé, des mises au point ou des profondeurs de champ variables,
  • des fondus-enchaînés, des filages,
  • des processus d’effacement, des repentirs, voire de l’esthétique de l’inachevé, du non finito,
  • des palimpsestes (d’images, de texte et d’images, les superpositions artistiques permettant de laisser transparaître un objet « en dessous de » la surface de représentation),
  • des filtres, calques, filigranes, des collages…

De même, les objets ou les images du translucide placés au sein des espaces de création pourront faire l’objet d’une attention particulière, à travers la symbolique qu’ils véhiculent. Pensons par exemple…

  • aux voiles, rideaux, fenêtres embuées,
  • aux parois translucides et cloisons japonaises
  • aux nuages et aux brouillards  atmosphériques,
  • etc.

Bien entendu, les dispositifs techniques et les objets translucides seront à mettre en relation avec l’entre-deux conceptuel, métaphorique ou poétique propre à la question de la translucidité :

  • le translucide comme une alternative aux concepts de transparence et d’opacité qui ont souvent servi à définir la nature illusionniste ou non illusionniste de l’image,
  • les entre-deux de l’image, les espaces de transition ou de passage,
  • le filtrage des informations – conscient ou inconscient –, tout comme l’objet translucide filtre la lumière (processus de propagande, de manipulation, de censure ou d’autocensure,  l’expression d’une subjectivité identitaire),
  • l’image translucide comme filtre de la mémoire, révélatrice du palimpseste des souvenirs, s’attachant aussi bien aux mémoires individuelles que collectives (les processus historiques d’occultation et de révélation)
  • le secret, exhibé mais jamais entièrement dévoilé, image d’un univers poétique crypté…

En puisant dans l’éventail assez large d’exemples tirés de la production hispanique (Espagne et Amérique latine), nous nous efforcerons donc de dégager les diverses herméneutiques  de l’image translucide.


[1] A savoir, un processus consistant à « se présenter représentant quelque chose ».

[2] L’opacité, la translucidité et la transparence dessinent en effet une gradation dans leur rapport à la lumière par rapport à laquelle chacune d’entre elle se définit : un corps opaque s’oppose totalement au passage de la lumière, une substance translucide ne laisse passer qu’une lumière diffractée, ne permettant pas de distinguer nettement les contours ou les couleurs des objets, alors qu’un objet transparent, comme dématérialisé, évanescent, traduit l’avènement lumineux et n’oppose aucun écran à la vision.

Modalité d’envoi des soumissions

Les propositions (titre de la contribution et résumé de quinze à trente lignes) sont à envoyer à image.translucide@orange.fr

avant le 18 octobre 2014

Elles seront accompagnées d’une notice biobibliographique de cinq à six lignes (noms, prénom, affiliation universitaire, les éléments marquants de votre production scientifique).

Les communications (25 minutes) pourront être prononcées en langue française ou espagnole.

Le colloque international se tiendra du 9-11 avril 2015 à l’université de Pau et des Pays de l’Adour

Contacts

image.translucide@orange.fr, christellecolin79@hotmail.com, pascale.peyraga@univ-pau.fr

Comité organisateur

  • Christelle Colin (UPPA),
  • Pascale Peyraga (UPPA),
  • Thierry Capmartin (UPPA),
  • Mylène Castets (UPPA),
  • Elise Martos (UPPA)

Comité scientifique

  • Christelle Colin (Université de Pau et des Pays de l’Adour),
  • Marion Gautreau (Université Toulouse-Jean Jaurès),
  • Cristina Giménez Navarro (Universidad de Zaragoza),
  • Carmen Peña Ardid (Universidad de Zaragoza),
  • Pascale Peyraga (Université de Pau et des Pays de l’Adour),
  • Marie-Pierre Ramouche (Université de Perpignan-Via Domitia),
  • Pilar Rodríguez (Universidad de Deusto),
  • Kepa Sojo Gil (Universidad del País Vasco),
  • Isabelle Touton (Université Bordeaux-Montaigne)

Fusion des sens. Synesthésie dans le texte et l’image

Le centre de recherche Texte-Image-Language de l’Université de Bourgogne lance un appel à communication Intitulé : « Fusion des sens. Synesthésie dans le texte et l’image ». Cette proposition intéressera certainement les chercheurs travaillant sur la culture graphique car elle propose d’appréhender, par exemple, la bande dessinée au regard de son mode de perception. La synesthésie est en effet ici définie comme un phénomène qui « associe/confond plusieurs expériences sensorielles » et les organisateurs entendent « repenser la relation entre texte et image en nous invitant à dépasser les équivalences analogiques ou les systèmes unifiés ». Tel est sans doute l’aspect original du texte que nous reproduisons ci-dessous : nous inviter à problématiser la notion même de « bande dessinée » afin de mettre en évidence sa complexité. Si les différents éléments que mobilise ce mode d’expression s’adressent à un même sens (la vue), il semble en effet impossible de nier que leur combinaison prend parfois de court des pratiques culturelles liées à cette perception, à commencer par la lecture : il n’est en effet pas évident que la lecture de bandes dessinées ne relève pas d’une compétence (et donc de quelque chose qui reste à acquérir) et il nous faut dans tous les cas constater que les auteurs n’ont de cesse de vouloir réinventer cette complémentarité entre texte et image, parfois afin d’enrichir le travail de « synesthésie » demandé à l’œil (pensons par exemple aux travaux de l’OubaPo). Il s’agira quoi qu’il en soit d’explorer cette piste de travail (ou une autre) avant le 31 décembre prochain.

 

Fusion des sens.

Synesthésie dans le texte et l’image

Le centre de recherche Texte-Image-Language de l’Université de Bourgogne organise du 25 au 27 juin 2014 le colloque annuel de la revue Interfaces sur le thème :

FUSION DES SENS – la synesthésie dans le texte et l’image

La synesthésie est un phénomène neurologique reconnu, qui associe/confond plusieurs expériences sensorielles. Ainsi, par exemple, odeurs et sons, ou couleurs et graphèmes peuvent être associés dans les représentations mentales de ceux qui possèdent cette faculté. Certains artistes furent des synesthètes célèbres, comme Kandinsky ou Scriabine. Le but de notre conférence ne sera pas de se pencher sur la synesthésie au sens scientifique, mais de se demander comment des expériences sensorielles conjointes peuvent être transcrites en images et en textes, dans quelle mesure les synesthètes ont pu rendre compte de leurs expériences, et si les non-synesthètes peuvent faire l’expérience de telles perceptions par l’intermédiaire des représentations textes/images d’expériences synesthétiques. Le but du colloque serait donc de se poser la question de la représentation de ces perceptions par-delà les cadres habituels qui catégorisent les différentes perceptions comme des phénomènes distincts. A la suite de Hervé-Pierre Lambert dans son article « La synesthésie. Vues de l’intérieur » (ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE – Volume VIII – Printemps 2011), nous voudrions nous pencher sur le passage de l’expérience synesthétique vers le non-synesthète, et donc étudier dans quelle mesure textes et images peuvent véhiculer des sensations autres que visuelles. Enfin, ces travaux nous amèneront à repenser la relation entre texte et image en nous invitant à dépasser les équivalences analogiques ou les systèmes unifiés.Nous faisons donc appel à des communications qui s’articulent selon trois axes principaux :

1) la synesthésie et le cerveau : le but n’est pas de refaire une histoire de la découverte de la synesthésie (exemples anciens de synesthésie, premières approches neurologiques, etc) ni un bilan des recherches récentes, notamment grâce à l’impact de l’imagerie médicale, dans la compréhension de la synesthésie. Les interventions qui porteront sur l’histoire ancienne ou plus récente de la synesthésie devront rendre compte de la façon dont, dans le passé comme aujourd’hui, on a pu représenter cette fusion des sens, par le texte et l’image.

2) la synesthésie dans les arts : les artistes synesthétiques, et ceux qui sans l’être s’efforcent de transmettre des impressions sensorielles multiples par le biais de textes et/ou d’images fixes ou animées, seront ici nos sujets d’étude. Nos travaux concerneront les expérimentations contemporaines tout comme l’héritage synesthétique dans la perspective des influences croisées entre les arts (littérature, peinture, musique). Les interventions qui porteront sur les artistes synesthétiques, célèbres ou non, et sur les artistes qui s’efforcent de dépasser les catégorisations liées aux sens, devront s’attacher à montrer comment leurs textes et images transcendent les catégories habituelles de la perception dévolues aux cinq sens, en particulier comment les figures du discours et les dispositifs visuels traditionnels sont modifiés et quelles formes nouvelles sont ou non inventées.

3) la synesthésie et le monde : la synesthésie est souvent perçue comme une ouverture vers un monde plus vrai ou plus riche, voire ésotérique. Les analogies, correspondances, échos et reflets entre les sens semblent une façon de dépasser non seulement les limites de nos cinq sens, mais d’accéder à un autre monde. Les interventions portant sur les expériences mettant en jeu nos sens de façon nouvelle – qui s’intéressent à l’influence des drogues, ou aux expériences occultistes – devront avoir pour thème la façon dont le texte et l’image représentent l’expérience synesthétique, telle qu’elle a été vécue ou imaginée

Dans toutes ces parties, nous attendons une étude fine et poussée des interactions entre images et textes dans les représentations de la synesthésie, le Centre de Recherche TIL de l’université de Bourgogne et la revue INTERFACES, co-dirigée par Holy Cross, Paris-Diderot et Dijon étant dédiés aux études des échanges et influences réciproques entre le texte et l’image fixe ou animée.Les résumés de 200 mots environ (en anglais ou en français) sont à faire parvenir pour fin décembre 2013 à Fiona MacMahon et Christelle Serée-Chaussinand aux adresses suivantes : Fiona.McMahon@u-bourgogne.fr et christelle.chaussinand@u-bourgogne.fr.

Le programme sera fixé en mars 2014.

Comité d’organisation : Fiona McMahon (Fiona.McMahon@u-bourgogne.fr), Christelle Serée-Chaussinand (christelle.chaussinand@u-bourgogne.fr), Sophie Aymes (sophieaymes@hotmail.com), Véronique Liard (veronique.liard@neuf.fr), Sylvie Crinquand (s.crinquand@orange.fr), Marie-Odile Bernez (marie-odile.bernez@u-bourgogne.fr)

International bilingual conference (English/French)

INTERFACES DIJON JUNE 25-27 2014 –  JOINED SENSES – synaesthesia in texts and images

Synaesthesia is a recognized neurological phenomenon in which the sensory impressions  associated with one sense are produced by the stimulation of another. Those who have this faculty might, as a consequence, experience odours as sounds, graphemes as colours and so  on. Certain artists, musicians and writers, Kandinsky and Scriabin for example, were  acknowledged synaesthesists. Our intention is not to examine the scientific basis of synaesthesia, but rather to ask how such linked sensory experiences are translated into  images and writing, how successful synaethesists are in describing their experiences, and  whether non-synaesthesists can share these perceptions indirectly through their representations in images and texts. In other words, the aim of the conference will be to  examine the representation of perceptions that fall outside the established categories of distinct sense impressions. Pursuing the issues raised by Hervé-Pierre Lambert in his  article « La synesthésie. Vues de l’intérieur » (ISSN 1913-536X ÉPISTÉMOCRITIQUE – Volume  VIII – Printemps 2011), we would like to concentrate on the communication of synaesthetic  experiences to non-synaesthesists and so examine how far texts and images are able to convey non-visual sensations. Ultimately this conference aims to revisit the interaction  between words and images and invites papers that go beyond mere analogy and unified systems of equivalence. We are calling for papers linked to one of the following three themes:

1) synaesthesia and the brain: our aim here is not to retrace the historical discovery of  synaesthesia (early examples of synaesthesia, neurological approaches, etc) nor to describe and assess recent advances (eg those due to medical imaging) in understanding  the phenomenon. Rather papers relating to historical or contemporary accounts of synaesthesia will be expected to describe the different attempts, in the past and the present, to represent this fusion of the senses in images and texts.

2) synaesthesia and the arts: this theme will cover those artists, musicians, writers,  etc. – synaesthesists and non-synaesthesists – who have tried or are trying to transmit  multiple sense impressions through texts and animated and non-animated images. The focus  will be as much on contemporary experimentation as on the “synaesthetic” heritage, and  the influence which the different artistic disciplines have had on each other. Papers  which focus on synaesthetic artists, obscure as well as famous, and on artists who  attempt to go beyond the categorisations conventionally associated with the senses, should try to show how their texts and images transcend the usual categories of perceptions attributed to the five senses, in particular how figures of speech and  traditional visual devices are adapted and what innovations have been introduced.

3) synaesthesia and the world: synaesthesia is often perceived as opening up a richer,  truer and occasionally more esoteric world. The analogies, correspondences, echoes and  reflections between the senses seem to be not only the means of transcending the ordinary  limits of our five senses, but of actually gaining entry to a different world. Papers  focusing on experiences which involve the senses in new and unconventional ways – through  experiments with drugs or occult practices for example – should take as their theme the  way in which text and image represent the synaesthetic experience as it is lived or  imagined.

In each of these three areas we invite a thorough and detailed study of the interaction  between images and texts in the representation of synaesthesia is expected, in keeping  with the aims of the TIL Research Centre of the University of Burgundy, and the review  INTERFACES, jointly edited by Holy Cross, Paris-Diderot and Dijon.

Please send summaries (in English or French) of approximately 200 words before the end of December 2013 to Fiona McMahon and Christelle Serée-Chaussinand at the following  addresses: Fiona.McMahon@u-bourgogne.fr and christelle.chaussinand@u-bourgogne.fr.

The finalized programme will be announced in March 2014.

Organising committee : Fiona McMahon (Fiona.McMahon@u-bourgogne.fr), Christelle Serée- Chaussinand (christelle.chaussinand@u-bourgogne.fr), Sophie Aymes  (sophieaymes@hotmail.com), Véronique Liard (veronique.liard@neuf.fr), Sylvie Crinquand  (s.crinquand@orange.fr) Marie-Odile Bernez (marie-odile.bernez@u-bourgogne.fr).

Responsable : Marie-Odile Bernez

Url de référence :
http://til.u-bourgogne.fr

Adresse : UFR Langues et Communication2 bvd Gabriel21000 Dijon