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Tendances de recherche (2/6) : corps, gestes et mouvement en bande dessinée

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Dans cette série d’articles, je me propose de mettre en exergue six tendances récentes et stimulantes de la recherche francophone sur la bande dessinée…

Voir le chapitre précédent : quand les historiens lisent des bandes dessinées

La question du corps en bande dessinée, sous-entendu de la « représentation » des corps dans la bande dessinée, est un bon exemple de la façon dont les approches académiques récentes peuvent réveiller des pistes d’analyse stimulantes en déjouant les limites disciplinaires. Cette question a été peu étudiée dans les publications non-académiques (avec quelques exceptions notables, j’y reviendrai) et peut paraître triviale ou secondaire ; elle ne constitue d’ailleurs pas un champ d’étude à elle toute seule. Quelques exemples récents vont me permettre de montrer comment les chercheurs font du corps et de ce qu’implique sa représentation un élément central dans la compréhension de la bande dessinée, notamment en reliant cette question à des problématiques plus larges des études culturelles, de la sémiologie, ou de la narratologie.

Légende du bandeau : Fliegende Blätter, vol. 69, n° 1734, 1878. Source : Universitätsbibliothek Heidelberg – digi.ub.uni-heidelberg.de (d’après http://www.topfferiana.fr/2010/11/les-fils-de-fer-du-fliegende-blatter/)

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L’image railleuse. La satire dans l’art et la culture visuelle

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Frédérique Desbuissons et Piyush Wadhera appartenant à l’Institut National d’Histoire de l’Art lancent un appel à communication intitulé : « L’image railleuse. La satire dans l’art et la culture visuelle, du XVIIIe siècle à nos jours ». Fort large, cette proposition nous invite à penser la « satire visuelle » selon une large périodicité (« du XVIIIe siècle à nos jours ») et plusieurs modes : « comme genre » (c’est-à-dire mode d’expression reconnu et codifié, à l’instar de la caricature) ou « comme registre » (le « satirique », et plus largement toute production graphique entendant s’inscrire dans une « fonction critique des images »).

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Rodolphe Töpffer, Histoire de monsieur Jabot, Cherbuliez, 1833, sans pagination

Même si toutes les iconographies sont susceptibles d’être convoquées, il est à remarquer que l’une des trois journées de l’événement sera consacrée au dessin : le 25 juin se tiendra une séance intitulée « Bande dessinée et satire », permettant nous l’espérons de brosser quelques pistes quant à l’exploration du fort riche matériau qu’offre le neuvième art. La satire y prend en effet les allures d’une véritable tradition et on la trouve dès les origines de ce mode d’expression, le Monsieur Jabot de Töpffer présentant la boufonne trajectoire du personnage éponyme au sein de la « belle société ». Et nous laissons à nos lecteurs le soin de s’inscrire dans semblable ascendance avant le 30 octobre prochain.

L’image railleuse.

La satire dans l’art et la culture visuelle,

du XVIIIe siècle à nos jours

La satire, soit l’attaque moqueuse, contestataire ou réformatrice d’un individu, d’un groupe, d’une époque, voire de toute une culture, constitue l’une des armes privilégiées de la fonction critique des images et, au-delà, de l’ensemble des artefacts visuels. Se constituant en genre littéraire dès l’Antiquité, la satire a gagné les beaux-arts et les arts graphiques à l’âge classique, seule ou en conjonction avec l’écrit. Ce sont toutefois les médias modernes – édition, presse, expositions, télévision, internet – qui, en élargissant progressivement sa sphère d’influence, ont renouvelé ses formes et ses objectifs, et augmenté leur efficacité. Autorisant une diffusion planétaire et presque instantanée des images satiriques, internet et les technologies numériques n’ont pas seulement transformé la matérialité et les moyens d’action de cette imagerie et leurs effets socio-politiques, ils ont aussi affecté les formes de la recherche sur le satirique en donnant accès de plus en plus rapidement à des corpus extrêmement vastes. La satire est ainsi partout, et aucun acteur ni canal de diffusion ne peut prétendre désormais en contrôler ses usages généralisés.

Ce colloque porte sur la satire visuelle du XVIIIe siècle à nos jours, entendue comme genre aussi bien que comme registre, selon que l’on s’intéresse à un type de représentations (caricaturale, en particulier) ou à une veine (le satirique) traversant de multiples champs, parmi lesquels celui de l’art contemporain. Envisagée dans sa visualité même, elle recouvre des objets, particuliers ou partagés, des mécanismes et des effets spécifiques que nous souhaitons interroger à partir des études visuelles.

Les propositions d’intervention s’inscriront de préférence, mais non exclusivement, au sein des thématiques suivantes :

1. Perspectives historiographiques

Comment penser et construire une histoire de la satire visuelle au sein de l’histoire de l’art et des études visuelles ? Les études sur la caricature et la satire graphique sont balisées par un ensemble d’auteurs et de démarches dont les limites sont assez précises, faisant partie de la mise en place d’un certain outillage pluridisciplinaire dont les contributions deviennent normatives. Après les grands projets de recensement (Champfleury, Wright, Stephens et George) et les travaux axés sur la perception et la psychanalyse (Gombrich et Kris, pour ne citer qu’eux), la recherche internationale, dont l’université, le musée, les collectionneurs et les archives forment des pôles de référence, ont permis à bon nombre d’études aux objectifs variés (monographies, travaux portant sur les procédés, l’iconologie, les discours politiques, la sociologie des dessinateurs) de former autant de démarches dont il serait important de relever les caractéristiques pour comprendre quels en sont les effets disciplinaires. Dans ce milieu international, les frontières linguistiques, territoriales ou idéologiques jouent-elles un rôle ? De manière plus générale, il y aurait lieu de réfléchir à l’impact de cet outillage sur la considération critique et historique qu’on entretient à l’égard du satirique tel qu’il se manifeste dans l’art contemporain. En somme, qu’a fait, que fait, que pourrait faire la satire à l’histoire de l’art – et vice versa ?

2. Normes et invention : créativité du satirique

S’il est possible de saisir le recours au satirique et au caricatural à travers l’histoire de l’art, il demeure que l’intégration au champ des arts visuels de cette démarche artistique – à moins qu’il ne faille parler de procédé, mode, genre ? – pose des défis à la recherche. Ceux-ci relèvent d’une réflexion sur la manipulation d’éléments cognitifs et narratifs auxquels ont recours les artistes (aux plans de l’agencement, par exemple, des dispositifs de la ressemblance figurale avec les jeux de la mise en récit). Il peut être utile, alors, d’envisager la satire visuelle en tant que forme d’inventivité qui rejoint un comportement social plus large, celui d’un champ du satirique, qui regrouperait une multitude de formes d’expression, dont les arts visuels. La satire étant toujours en lien avec les paramètres de la normativité d’une société ou d’une époque, paramètres qui peuvent par ailleurs connaître des mutations selon les contextes sociaux, pourrait-on aborder la démarche satirique ou caricaturale comme lieu de démarches méta-représentatives, et plus précisément rattacher cette démarche à des conditions historiques précises ?

3. Parodie de l’art et autonomisation du genre satirique

La satire et la caricature font partie des pratiques graphiques de nombreux artistes depuis le XVIIIe siècle. Exercices ou délassements confidentiels, elles s’attachent souvent à représenter la sphère personnelle ou l’entre soi des mondes de l’art. À partir du milieu du XIXe siècle, la satire de l’art devient un genre à part entière et conquiert un public d’autant plus large que l’accès à l’art contemporain se démocratise. Dans le même temps, elle devient un thème et un procédé récurrents, en particulier à la fin du siècle et plus encore dans certaines avant-gardes du XXe, qu’elles soient modernes ou post-modernes. Quelle est l’importance de ce phénomène ? Que fait la satire à l’art, aux XVIIe et XIXe siècles notamment, et que fait l’art à la satire, aux XXe et XXIe en particulier ? Quels sont ses objectifs, pour quels publics et à quels profits ?

4. Corps et violence satiriques

La satire ne se résume toutefois pas en une figure de rhétorique et en des objets visuels. Parce qu’elle est une forme de l’agir politique et social, son efficacité (rhétorique, effective ou fantasmée) fait d’elle une arme dirigée contre ce qu’elle moque. Sa violence se déploie à trois niveaux : elle est thématisée dans ses motifs, instrumentalisée afin d’abattre ses cibles, partagée avec ceux qui la regardent. La satire, qui s’exerce à l’encontre de personnes réelles ou de cibles plus collectives et abstraites (institutions, idées politiques, faits sociaux, etc.) presque toujours représentées par des personnages ou des types qui les incarnent, affecte ses spectateurs avant même de toucher ceux qu’elle vise. La dimension corporelle joue ainsi un rôle important dans le fonctionnement de la satire, parfois mise en œuvre par la déformation expressive de la caricature, ouvrant ainsi à une somatique et un matérialisme du rire critique. Les modalités de cette violence feront l’objet d’études qui peuvent en explorer toutes les voies ou se concentrer sur la relation entre les procédés utilisés et les effets obtenus, tant pour la victime satirisée que pour le spectateur.

5. Les supports matériels de la satire et sa diffusion

L’essor du genre satirique est intimement lié à l’apparition de nouveaux moyens de reproduction et de diffusion : la gravure au XVIe siècle, le commerce de l’estampe et la lithographie au passage des XVIIIe et XIXe siècles, la gravure sur bois de bout et les vignettes, le photomontage, etc. Il parait néanmoins utile de porter un regard critique sur la réalité de ce déterminisme, tant pour les périodes évoquées que pour les plus récentes, et plus important encore, de mesurer les effets de la diffusion sur les modalités de la réception. Quelques exemples contemporains ont montré à quel point le canal d’internet faisait partie de la réception. En quels termes faut-il envisager ce phénomène ? Fait-il retour sur le travail des dessinateurs actuels ?

6. Les configurations du visuel

La satire visuelle, à la différence de la satire littéraire, a suscité de trop rares travaux historiques et théoriques. À quoi tient cette situation contrastée ? Est-ce parce que la lecture d’une image peut être assimilée à celle d’un texte ? Est-ce parce que sa compréhension est souvent déterminée par des textes d’accompagnement (dialogues, légendes et autres paratextes) ? Mais comment dès lors expliquer l’ambiguïté des images satiriques, leur instabilité sémantique qui fait que la même figure peut susciter des interprétations très différentes ? S’agit-il d’un phénomène propre au visuel ou relève-t-il du genre satirique dans son ensemble ? Ces questions pourront être approchées par l’étude des configurations visuelles et discursives mises en œuvre dans le champ de la satire.

Le 25 juin, une séance conjointe « Bande dessinée et satire » est organisée en collaboration avec l’International Bande Dessinée Society et l’International Comics and Graphic Novel Society.

Modalités de soumission

Les propositions d’intervention de 30 minutes seront adressées à frederique.desbuissons@inha.fr afin d’être examinées par le comité scientifique

avant le 30 octobre 2014.

Elles comprendront 500 mots maximum et seront accompagnées d’une courte bio-bibliographie.

Le colloque se tiendra à Paris, auditorium de l’Institut national d’histoire de l’art, les 25, 26 et 27 juin 2015.

Comité d’organisation

  • Laurent Baridon (université Lumière Lyon 2 / LARHRA UMR 5190)
  • Frédérique Desbuissons (Institut national d’histoire de l’art, Paris)
  • Dominic Hardy (département d’Histoire de l’art, Université du Québec à Montréal / Centre de recherche interuniversitaire sur la littérature et la culture québécoises)

Comité scientifique

  • Peggy Davis (université du Québec à Montréal)
  • Jean-Claude Gardes (université de Bretagne Occidentale – Brest)
  • Annie Gérin (université du Québec à Montréal)
  • Thierry Groensteen (Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, Angoulême)
  • Laurence Grove (university of Glasgow)
  • Philippe Kaenel (université de Lausanne)
  • Ségolène Le Men (université Paris Ouest Nanterre La Défense)
  • Todd Porterfield (Université de Montréal)
  • Bertrand Tillier (université de Bourgogne)

Contacts

  • Frédérique Desbuissons
    courriel : frederique [dot] desbuissons [at] inha [dot] fr
  • Piyush Wadhera
    courriel : piyush [dot] wadhera [at] inha [dot] fr
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Face, Faces, The Phenomenology of the Face

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Plusieurs chercheurs du College of Saint-Rose (Albany, USA) lancent un appel à communication intitulé : « Face, Faces, The Phenomenology of the Face ». Cette proposition concerne tous les chercheurs s’intéressant au visage « en tant qu’objet phénoménologique, social, culturel, esthétique, visuel, littéraire, philosophique, sémiotique, historique ou textuel » (notre traduction de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous). Des chercheurs s’intéressant au dessin et à la culture graphique pourraient ainsi mener dans ce cadre de nombreuses réflexions, portant tout aussi sur l’art du portrait (pensons par exemple aux très nombreux dessins ou aquarelles d’Eugène Delacroix) que sur celui de la bande dessinée. Le visage y joue parfois un rôle prépondérant et semble même rentrer dans certaines stratégies discursives qu’il serait intéressant d’étudier. Pensons par exemple à l’œuvre d’Hector G. Oestherheld et Francisco Solano Lopez (L’Eternaute) dans laquelle sont reproduites pages après pages et en très gros plan nombre de visages angoissés, comme si l’humanité assiégée ici décrite n’était plus que facies. Ou encore au travail de Joe Sacco, et notamment à Gaza 1956, au sein de laquelle sont présentés de face, sur le mode de la photo d’identité, les visages des témoins permettant au narrateur de reconstituer les funestes événements ici relatés : attestations, cautions, invites au lecteur, ces images ne sont pas sans rappeler les photos que réalisa Walker Evans durant la grande dépression au sein desquels les modèles posaient volontiers face à l’objectif, sans aucun artifice. Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter cette liste avant juin prochain.

 “Face, Faces, The Phenomenology of the Face”

October 19-22, 2014, Athens, Georgia, The Foundry Inn

In his Theory of the Film (1952), Bela Balázs wrote that “[f]acial expression is the most subjective manifestation of man, more subjective than speech.” In the close-up, the Hungarian film theorist and writer saw an image unbound by time and space, thus identifying the point at which the film image could become a concept, a supremely expressive unit of signification closer than other types of images to thought. In contemporary visual culture, the visibility of the face is a given, and some would perhaps claim that its presence has become almost ubiquitous. Consider for instance that in 2013 Oxford Dictionaries named selfie the word of the year. Yet despite its cultural pervasiveness, the face remains a curiously overlooked subject of research in the humanities and social sciences.

For this conference, we invite papers from any discipline that engage with faciality and the face as a phenomenological, social, cultural, aesthetic, visual, literary, philosophical, semiotic, historical, and textual object. Particularly welcome are discussions that explore the concept and materiality of the face in the arts, with their rich traditions for representing faciality – photography, cinema studies, art history, literature, dance, theatre and performance, and social media and the digital arts. As an aesthetic category spanning a range of different media, the face often seems potentially self-referential. When drawing attention to itself, the face may become a source of opacity which inhibits the hermeneutic flow, something which strips away all context until the only thing we are left with is its sheer material presence. The filmic face is also enigmatic. The film theorist Richard Rushton (2002) has observed that we tend to suppose that the face is hiding something, that it represents “a surface haunted by intimations of concealment, interiority and exteriority.” Taking the impenetrability of the face as its point of departure, then, this conference encourages submissions on a variety of topics relating to the face and faciality, including but in no way limited to the following: the close-up and its long history in the moving arts (i.e. Dreyer, Bergman, Warhol, Cassavetes, Leone, Godard, Pasolini, Tarkovsky, Egoyan, Assayas and Kiarostami, to name just a few); the face as a mask (the poker face or blackface, but also in Heidegger’s conception of the image—the Latin imago—as a death mask); the face as a site of ethical encounter in the philosophy of Levinas (face-to-face); Deleuze’s notion of the affection-image, or his study of the dismantling of face in the portrait paintings of Francis Bacon; the cinematic reaction shot; the culture of Facebook and the “selfie;” the portrait genre throughout art history; the face as pure surface or exteriority (the face of the earth); the face in relation to ethnicity/race/gender; the digital interface; the various permutations of the look/the gaze/the glance; the face and sexuality; the face of/face and disability; iconicity and the face; the face and ethics; the veiled face; the face and iconophobia – etc.

Proposals of 150 to 300 words on the conference theme should be submitted to Mark Ledbetter, ledbettm@strose.edu by June 10, 2014.  Conference organizers are looking for 30 -35 participants for the two and a half day conference in Athens, Georgia.  The conference will be held at the Foundry Inn in downtown Athens.  This conference is a continued partnership between the Nomadikon Center for Visual Culture, Bergen, Norway and The Center for the Ethics of Seeing, Albany, New York.  We invite traditional academic papers, performance pieces, and all other forms of visual art and culture related to the theme. Registration for the conference is $130.ooFor further information, contact

  • Mark Ledbetter, ledbettm@strose.edu,
  • Susan Cumings, susan.cumings@gmail.com,
  • or Theresa Flanigan, flanigat@strose.edu

 

Mark Ledbetter
Box 2546
The College of Saint Rose
432 Western Avenue
Albany, NY 12203
Email: ledbettm@strose.edu

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Les langages du corps en bande dessinée

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Plusieurs jeunes chercheurs de l’École Normale Supérieure de Lyon lancent un appel à communication pour un colloque intitulé : « Les langages du corps en bande dessinée ». Débouchant sur l’organisation d’un colloque en octobre 2014, cette proposition peut intéresser nos lecteurs et nous nous permettons d’ajouter une piste de travail aux axes d’étude indiqués ci-dessous, ou plus exactement de prolonger la seconde d’entre elles. La « transmission de l’expressivité » des corps ne nous semble pas en effet pouvoir être uniquement considérée « comme un véhicule de la narration » et située « entre grammaire séquentielle et approche calquée sur la langue ». Certes, le corps fait récit et sa répétition constitue même l’un des enjeux essentiels de la bande dessinée, mais ne peut-on penser que celle-ci représente également une sorte d’extension du domaine de la caricature et de la capacité à déformer les corps pour les rendre expressifs : pensons aux sculpturales silhouettes de Den de Richard Corben dans lequel muscles saillants et impressionnants pectoraux ne manquent pas d’arracher au lecteur quelques sourires, ou encore aux femmes terriblement plantureuses qu’affectionnent de dessiner les frères Hernandez au sein de la série Love and rockets. Dans ces deux cas, le corps semble revu à l’aune d’une forme de grotesque dont il est possible d’explorer les tenants et aboutissants : c’est ce qu’il s’agira de faire avant le 30 avril prochain.

Les langages du corps en bande dessinée

La critique s’est souvent penchée sur le corps dans sa souffrance ou dans sa jouissance, mais considère moins la question, dans sa globalité parfois contradictoire, du corps comme sujet et objet, porteur et producteur de discours. Le courant psychanalytique plaçait le corps en « grand organisateur des représentations » (Tisseron, 78) en analysant l’espace de la page comme une projection du corporel. Plus généralement, la critique a montré la pertinence de l’analyse sémiotique et s’attache à l’analyse de corps soumis à une lecture narrative, séquentielle, structurée, qui existeraient d’abord en tant que supports du récit. Or, la lecture de la bande dessinée se caractérise par une temporalité double, où le temps linéaire du récit côtoie le temps suspendu de la contemplation, que Lessing associait intimement au domaine du visuel. Il nous semble que le corps, parce qu’il est tout ensemble objet de fascination et support privilégié du récit, invite à considérer à la fois l’aspect séquentiel et l’aspect graphique de la bande dessinée.

En effet, la question du trait apparaît centrale eu égard à la thématique qui nous occupe, puisque le dessin implique un « corps des deux côtés » (corps dessiné et corps dessinant), de même qu’il interroge un double jeu de regards (corps regardé et corps regardant).  En cela, le corps est porteur et producteur de sens, engagé dans un réseau de discours historiques, sociologiques, médicaux, anthropologiques, esthétiques et linguistiques.

Notre colloque aborde la question du corps en bande dessinée en interrogeant le langage de ses représentations. Par langage, nous entendons non pas simplement le texte discursif (qui s’opposerait à l’image muette) mais bien le langage propre à la bande dessinée qui en fait un média et un art à part entière.

Will Eisner a écrit “la forme humaine est de loin l’image la plus universelle que l’artiste séquentiel ait à traiter” (Eisner, 103, nous traduisons). Pourtant, le corps en BD ne va pas de soi. Il est mouvement, relief, animation, alors même que le dispositif de représentation est au contraire de nature fixe et bi-dimensionnelle, contrairement au cinéma qui apparaîtrait à première vue comme le média le plus apte à traiter l’objet. Il y aurait donc une capacité propre à la bande dessinée à compenser l’irreprésentable du corps, à travers des usages spécifiques de ses ressources formelles.

Nous nous intéresserons donc à ce que Matteo Stefanelli décrivait en 2012 comme “une question épistémologique décisive : les relations entre bande dessinée et corporalité, cadre inévitable pour décrire les procédés matériels et symboliques [qui] modèlent le sens de la bande dessinée” (Maigret et Stefanelli, 261).

Différents axes d’entrée dans le sujet nous apparaissent pertinents :

  • Le corps dessiné comme support de discours idéologiques et de représentations sociales. La culture occidentale cultive à l’égard de l’image une suspicion toute particulière, qui se manifeste dans l’histoire de la BD par des accusations répétées mettant en cause sa sensualité et son immoralisme. De même, on sait le rôle tenu par le média dans l’émergence durant les années 60 d’une culture jeune opposée à l’idéologie dominante. Le corps apparaît comme un support par excellence du discours subversif porté par une certaine bande dessinée.
  • Le corps comme langage en soi. L’étude du corps dessiné pourrait permettre de réviser, ou du moins compléter l’approche sémiotique de la bande dessinée comme séquence narrative afin de l’appréhender également dans sa dimension purement graphique. Le corps apparaît comme un véhicule de la narration et de transmission de l’expressivité. Il s’agirait de s’interroger sur l’expressivité du corps dessiné entre grammaire séquentielle et approche calquée sur la langue.
  • Ce que disent les corps souffrants ou malmenés : de même que la santé ne se définit qu’en négatif (i.e. par l’absence de maladie), le corps ne ferait récit que comme corps altéré, affamé, souffrant, malade, incomplet, atteint dans son intégrité.  À l’inverse, il semblerait que le dessin dans sa perfection anatomique montre une fois pour toutes et ne raconte rien. De plus, lorsque le dessinateur quitte le domaine de la représentation réaliste, les déformations du corps prennent une fonction narrative supplémentaire, à travers la charge symbolique du corps qui se fait métaphore du psychisme.
  • Les marges de silence du corps : la représentation en bande dessinée est une représentation exclusivement visuelle (si l’on exclut la sensation tactile du livre lui-même) qui ne peut faire appel aux cinq sens. Quelles stratégies représentationnelles les auteurs mettent-ils en place pour répliquer le langage des sens ? Alternativement, l’absence de corps condamne-t-elle la bande dessinée à l’abstraction ? Y a-t-il un point limite au-delà duquel la bande dessinée ne peut plus représenter le corps ?

            Ces suggestions ne sont que des axes possibles, destinés à orienter la réflexion et la production. Ils ne sont en aucun cas hermétiques les uns aux autres, et il nous semble même que toute étude particulière doive nécessairement mettre en évidence une circulation entre les différents pans de la question. À titre d’exemple, examiner le cas de la censure reviendrait à interroger en même temps la perception sociale de l’image, la question de la sensualité du dessin et la mise en narration d’un récit qui se dévoile et se dérobe.

Modalités d’envoi des propositions :

            Les propositions de communication (500 mots environ) sont à envoyer avant le 30 avril àaymeric.landot@ens-lyon.fr et isabelle.guillaume@ens-lyon.fr

Les propositions feront figurer les coordonnées précises du ou des auteurs (nom, prénom, université, adresse électronique) ainsi que le titre de la communication.

Comité scientifique :

Jean-Paul Gabilliet (Bordeaux Montaigne)

Paul Arnould (ENS Lyon)

Paul Chopelin (Lyon 3)

Philippe Delisle (Lyon 3)

Henri Garric (ENS Lyon)

Tristan Martine (Marne-la-Vallée / Université de Lorraine)

Bénédicte Tratnjek (Université de Clermont-Ferrand – IRSEM)

Bibliographie :

M. BARKER, Comics: Ideology, Power and the Critics, Manchester, Manchester University Press, 1989.

W. EISNER, Comics and Sequential Art, New York, W. W. Norton, 2008.

T. GROENSTEEN, Système de la bande dessinée, Paris, Presses Universitaires de France, collection Formes sémiotiques, 1999.

G-E. LESSING, Laocoon ou Des limites respectives de la poésie et de la peinture (1766), trad. fr., Paris, Hermann, 1990.

E. MAIGRET et M. STEFANELLI (dir.),  La bande dessinée : une médiaculture, Paris, Armand Colin-Ina, 2012.

S. MCCLOUD, Understanding Comics, New York, Harper Perennial, 1993.

P. ORY et alii, L’Art de la bande bessinée, Paris, Citadelles & Mazenod, 2012.

B. PEETERS, Lire la bande dessinée, Paris, Flammarion, 1998.

R. SABIN, Adult Comics: An Introduction, London; New York, Routledge, 1993.

T. SMOLDEREN, Naissances de la bande dessinée de William Hogarth à Winsor McCay, Paris, Les Impressions Nouvelles, 2009.

S. TISSERON, Psychanalyse de la bande dessinée, Paris, Presses Universitaires de France, 1987.

 

Lieu :

École Normale Supérieure de Lyon (15 Parvis René Descartes, 69007 Lyon)

Dates :

8 et 9 octobre 2014

Prise en charge :

Les organisateurs proposent une prise en charge partielle des frais de déplacement et d’hébergement selon les cas.

Mots-clés :

bande dessinée, comics, manga, représentations, corps, identité, érotisme, dessin, langage, séquentialité, censure, littérature, illustration

Contacts :

aymeric.landot@ens-lyon.fr ; isabelle.guillaume@ens-lyon.fr

Liens :

http://labojrsd.hypotheses.org/

http://sciencesdessinees.ens-lyon.fr/

Responsable : Laboratoire Sciences Dessinées

Url de référence :
http://labojrsd.hypotheses.org/ http://sciencesdessinees.ens-lyon.fr/

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Les représentations du corps humain

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Stéphane Valter lance un appel à communication pour une journée d’étude organisée à l’université du Havre : « Les représentations du corps humain ». Cette proposition sera certainement à même d’intéresser nombre de chercheurs travaillant sur l’illustration ou la bande dessinée, tant ces représentations occupent une place importante et prennent des formes variées. Il serait par exemple intéressant (avant le 1er décembre) d’explorer plus avant les tenants et aboutissants de ce qu’Harry Morgan nomme la « marionnette graphique » (Principe des littératures dessinées, L’An 2, 2003, p. 281) et de la comparer ou mettre en tension avec des représentations relevant d’une forme de grotesque anatomique sensible par exemple dans l’œuvre de Richard Corben (voir à ce propos notre article disponible ici).

Les représentations du corps humain

Expressions littéraires, manifestations artistiques, témoignages historiques et enjeux idéologiques

L’Université du Havre organise une journée d’études interdisciplinaire qui, cette année 2014, sera consacrée aux diverses représentations du corps humain, au cours des siècles et selon les différentes cultures. Les études porteront aussi bien sur les expressions littéraires, les manifestations artistiques, les témoignages historiques et les enjeux idéologiques.

Les domaines de recherche sont donc ouverts. La diversité des champs d’études aura pour objectif de montrer la richesse du sujet, son importance et son impact au cours des siècles, tout en essayant de trouver des points communs dans les diverses visions et représentations dont il a fait l’objet. Le corps pourra être vu en tant qu’objet culturel, le langage du corps dans le contexte quotidien et rituel étant suffisamment riche et développé pour pouvoir produire du sens.

Autrement dit, le corps peut être représenté comme un système de signes, ce qui permet d’aborder le sujet sous angles différents et de proposer des sujets variés et enrichissants.

Sa représentation a été plus au moins acceptée aux cours des âges et dans les diverses cultures, et les valeurs qui s’y attachent vont de la simple image anonyme ou personnifiée, où les hommes se regardent comme dans un miroir rassurant, jusqu’aux représentations religieuses, mythologiques ou allégoriques.

Modalités de soumission

Les personnes intéressées sont priées de faire parvenir un titre et un résumé de l’intervention proposée.

Date limite de dépôt : 1 décembre 2013.

Les interventions ont vocation à être publiées dans EOLLE, la revue en ligne et à comité de lecture du GRIC. 

Lieux

  • salle de réunion PRSH – 25, rue Philippe Lebon
    Le Havre, France (76)

Contacts

  • Stéphane Valter
    courriel : stephane [dot] valter [at] gmail [dot] com