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Le sexe de l’avant-garde

Anne-Marie Bouchard et Adrien Rannaud (des universités canadiennes de Mc Gill et Laval) lancent un appel à communication intitulé : « Le sexe de l’avant-garde ». S’inscrivant dans le cadre du 82e congrès annuel de l’Association Francophone pour le Savoir (ACFAS), cette proposition nous semble susceptible d’intéresser nombre de chercheurs travaillant sur la bande dessinée. Elle met en effet le doigt sur une forme d’impensé : si la notion d’avant-garde trouve un certain écho (voire une certaine pertinence) dans le cadre du neuvième art (le terme étant par exemple explicitement repris au sein de Plates-bandes de Jean-Christophe Menu), celui-ci n’est pas appréhendé en termes sexués (ou de « genre » pour reprendre le vocabulaire universitaire). La chose est d’autant plus étonnante que, parmi l’ensemble des productions dessinées, le « roman graphique » a largement ouvert les portes de l’édition à des femmes : pensons bien sur à Marjane Satrapi, mais également à Caroline Sury (Bébé 2000) ou encore Julie Doucet (Ciboire de Criss) pour ne reprendre que des auteur(e)s publiées à L’Association par ce même Jean-Christophe Menu. Nous sommes ainsi face à un paradoxe qui nous invite à poser une question : pourquoi ce fait n’est-il pas devenu un objet de discours et n’a-t-il pas été mis en valeur par ses propres producteurs, et ce alors qu’il aurait pourtant permis d’œuvrer pour le renouvellement d’un lectorat ? À l’exception de Thierry Groensteen (créateur de la défunte collection « Traits féminins »), nul éditeur n’a en effet place le « féminin » au fondement d’un dispositif de publication et de communication : il s’agira de savoir pourquoi en s’appuyant par exemple sur un billet de ce dernier publié dans le blog de neuvième art 2.0 et en formulant une proposition avant le 14 février prochain.

 

  

Le Sexe de l’avant-garde

82e congrès annuel de l’ACFAS

Université Concordia / 15-16 mai 2014

L’avant-garde a-t-elle un sexe? Si nous pensons qu’il dépasse en théorie les catégories de genre, le concept d’avant-garde reste le plus souvent associé à un imaginaire masculin dans la culture visuelle et littéraire. Centrée sur la figuration, métaphorique ou non, d’une posture empruntant beaucoup aux origines militaires du concept, l’écriture de l’histoire des pratiques culturelles et de l’offensive intellectuelle de l’avant-garde reste entachée d’une « virilité originelle ». En revanche, la posture féminine est investie d’une dimension exploratoire sentimentale et intime, même lorsqu’elle se positionne volontairement dans l’espace public. Ceci n’est pas sans reproduire des clichés en vogue depuis le XIXe siècle, clichés qui voudraient cantonner le féminin à l’affectif et le masculin au politique, tout en évitant scrupuleusement d’aborder les genres au-delà du binôme féminin/masculin. En outre, dans le discours historique en littérature, en arts ou en cinéma, les productions féminines se situent dans un champ para-artistique: les femmes « ouvrent la voie », elles montrent un « domaine nouveau », mais semblent ne pas remettre en question, comme c’est le cas pour les hommes, les conventions esthétiques et les idéologies du champ culturel – exception faite des productions à saveur féministe qui, elles aussi, sont considérées « à part ».

Ouvert à l’ensemble des disciplines des lettres et sciences humaines., ce colloque propose d’interroger l’avant-garde de manière théorique et méthodologique en ce qu’elle constitue un système de représentation des genres sexués et de poser un regard critique sur l’état du discours universitaire sur les pratiques culturelles des mouvements sociaux et politiques, tant historiques que contemporains. Conséquemment, les réflexions synthétiques et transdisciplinaires seront préférées aux études de cas. Ces quelques questions pourront aiguiller l’orientation des propositionsde communication, mais nous vous encourageons à ne pas vous y limiter:

– À quoi reconnait-on une avant-garde et quel champ lexical utilise-t-elle pour se nommer, se définir et se revendiquer dans ses manifestes, œuvres et actions?

– À quels gestes, quels mythes et quels symboles l’avant-garde se réfère-t-elle pour se situer historiquement? Ces gestes, mythes et symboles sont-ils associés à un genre?

– Comment se construit un mouvement avant-gardiste dans sa réception critique?

– Quelle place cette réception fait-elle à la différence sexuelle?

– Que peut-on dire de l’état actuel du discours sur les avant-gardes dans les champs académique et culturel ?

– L’histoire doit-elle réinterpréter les mouvements féminins, gays ou queer, non plus comme des productions isolées, mais comme parties prenantes d’une avant-garde mixte?

 

Les propositions de communication (300 mots), accompagnées d’une courte biobibliographie, doivent parvenir aux organisateurs du colloque avant le 14 février 2014.

annemarie.bouchard.4@gmail.com

adrien.rannaud.1@ulaval.ca

Responsable : Anne-Marie Bouchard et Adrien Rannaud

Url de référence :
http://www.acfas.ca/evenements/congres

Adresse : CRILCQ, site U. LavalPavillon Charles-De Koninck 1030, av. des Sciences-Humaines Local 7183 Université Laval Québec (Québec) G1V 0A6

L’auteur : un “oublié” du processus de légitimation de la bande dessinée ?

Le Carnet de Comicalités entend faire une place au débat et nous sommes heureux de publier des réactions à nos publications : tel est le cas du commentaire de Morvandiau (auteur dont vous pouvez en partie découvrir ici l’intéressant travail) s’exprimant à propos de l’article « La communication éditoriale : un outil de légitimation. Le cas de L’Assocation » signé Benjamin Caraco. Ce dernier donne une réponse et je me permets également d’exprimer mon propre point de vue.

Le riche commentaire de Morvandiau qui ouvre nombre de pistes de réflexion.

Merci de ces nouvelles propositions et bravo pour le boulot accompli.
 Je n’ai pas encore eu le temps de me plonger dans tous les textes mais ai déjà lu avec intérêt et attention l’analyse de Benjamin Caraco.
 Outre les institutions, les médias et les éditeurs, il me semble qu’un des acteurs de la légitimation de la bande dessinée demeure, de façon significative et signifiante, quelque peu oublié en tant que tel dans les recherches qui sont consacrées à cette dernière : l’auteur lui-même. Comme si on remontait peu à peu et laborieusement vers la source, de manière inversement proportionnelle à l’évidence. L’analyse de la communication d’un éditeur est bien sûr intéressante et on comprend que sa situation de producteur dans la chaîne du livre mérite le détour. Mais les éditeurs nés dans les années 90, parmi lesquels l’Association à laquelle s’attache Benjamin Caraco, et que Thierry Groensteen qualifie de “militants”, ne sont-ils pas, pour une écrasante majorité, constitués par des collectifs d’auteurs insatisfaits des possibilités que l’édition leur proposait alors ? Certes, chacun d’entre eux, individuellement, ne souhaite pas nécessairement prendre la parole sur le sujet – JC Menu évoque cet aspect – mais on comprend bien cependant que cette parole – et sa mise en pratique – ne peut être portée, au plus près de cette pratique, que par des auteurs – il suffit par exemple de relire cette série d’entretien « Les 7 familles de la bande dessinée » parue dans Jade pour s’en convaincre. Ou encore de se rappeler des efforts de “pédagogie militante” déployés par les Art Spiegelman, Scott Mc Cloud, Benoit Peeters ou… JC Menu (sans remonter jusqu’à Töpffer).
 Ou encore de recenser le nombre d’auteurs résolument engagés dans l’enseignement – parfois par des biais détournés, la bande dessinée demeurant sous-représentée dans les formations supérieures. 
Ou encore de relire les éditos et observer les lignes éditoriales des revues de création marquantes – dont les rênes ont la plupart du temps été tenues par des auteurs exigeants, de Pilote à Professeur Cyclope en passant par l’Echo des Savanes, Charlie Mensuel, Lapin et Ferraille (et j’en oublie), démontrant PAR la bande dessinée les possibilités gigantesques de ce champ artistique.
 Ou, pour finir, par le biais de manifestations auto-initiées et, logiquement, en adéquation avec leurs exigences artistiques et leur désir d’investir le champ théorique et critique (telles que je pouvais les décrire ici,  ou comme, plus récemment, l’association Chifoumi relevait le gant de l’articulation discours/création avec brio).

Bref, malgré la tarte à la crème médiatique récurrente selon laquelle “la bande dessinée est parvenue à l’âge adulte”, les artistes m’apparaissent un peu absents de toutes ces analyses malgré leur rôle capital et originel.
 Sans doute est-ce à relier avec le manque de reconnaissance (et la quasi-absence de formation pratique qui en découle) – au moins au sein de l’institution publique que représente l’Université ? Comme le remarque Pascal Ory dans un entretien récent, “Un signe très fort de sa marginalisation à l’université est sa mise à l’écart des départements d’histoire de l’art ou d’arts plastiques. Les chercheurs qui en parlent le plus sont en histoire culturelle, en sociologie, en sémiologie, en psychologie voire en politologie.”.
Si j’en crois sa notice biographique, Benjamin Caraco est d’ailleurs “doctorant en histoire contemporaine à l’Université Paris-1 Panthéon-Sorbonne”.
CQFD ?

Merci encore donc et au plaisir de vous lire,

Morvandiau

La réponse de Benjamin Caraco

Je souhaite tout d’abord remercier Morvandiau pour cette première réaction à mon article, qui dans les grandes lignes se rapproche largement de ce que je cherche à explorer dans ma recherche.

Ce dernier estime que « Outre les institutions, les médias et les éditeurs, il me semble qu’un des acteurs de la légitimation de la bande dessinée demeure, de façon significative et signifiante, quelque peu oublié en tant que tel dans les recherches qui sont consacrées à cette dernière : l’auteur lui-même. » et, à mon avis, l’on ne peut souscrire qu’à ce constat comme je le note dans mon article : « l’apport des producteurs eux-mêmes n’a pas encore été exploré » (§2) et par producteur dans cet article, je traite en effet d’une maison d’édition « militante ». Approche indirecte, elle me permet toutefois d’appréhender le discours d’auteurs sur leur propre travail à cause de la nature de L’Association, dirigée par des auteurs.

La confusion est peut-être entretenue par le terme vraisemblablement maladroit de « producteurs » employé tout au long de l’article qui désigne dans le cas présent plutôt les éditeurs tout en recouvrant implicitement les auteurs, comme dans ce passage de la conclusion :

« Cette dernière [la montée en légitimité du médium] n’est pas uniquement le fait des politiques publiques, de la presse ou de certaines instances de consécration : elle est aussi obtenue et recherchée volontairement par certains des acteurs majeurs du champ, en l’occurrence, les producteurs. Ces derniers, à la fois centraux symboliquement parce qu’à l’origine des œuvres, mais aussi marginaux économiquement car peu bénéficiaires de leur production via leurs droits d’auteurs, arrivent d’autant plus à faire entendre leur voix dans ces luttes de reconnaissance qu’ils sont ici éditeurs. Ils produisent donc un discours d’accompagnement de leurs œuvres, imposant d’emblée une première lecture de leur production qui leur permet d’ancrer leur positionnement comme détenteurs du canon de la bande dessinée reconnue en tant qu’art. » (§64).

Mon sujet de thèse, entrepris en histoire contemporaine à cause de ma formation initiale d’historien mais essayant autant que possible d’intégrer une dimension sociologique, porte d’ailleurs l’intitulé suivant : « Renouvellement et légitimation de la bande dessinée en France de 1990 a 2010. Le cas du réseau des auteurs de L’Association » et est par ailleurs dirigé par le même Pascal Ory que Morvandiau cite en conclusion de son commentaire. Le précédent a d’ailleurs écrit une biographie de René Goscinny qui revient donc sur l’un des précurseurs de la reconnaissance de la bande dessinée. Des réflexions plus programmatiques lançant quelques pistes sur l’histoire sociale des auteurs de bande dessinée de Julien Baudry sur le blog Phylacterium pourraient conduire à aborder par le biais de la transmission des savoirs cette question de la participation par le discours à la reconnaissance de la bande dessinée, l’article fondateur de Luc Boltanski abordant d’ailleurs cette dernière à partir d’entretiens réalisés avec des auteurs.

Un gros travail doit être encore entrepris et dans le cas des auteurs de L’Association, ce discours est principalement porté par Jean-Christophe Menu et par les contributeurs de la revue et de la collection « L’Eprouvette », et doit être replacé dans la continuité d’autres auteurs que Morvandiau évoque, auxquels l’on pourrait ajouter Will Eisner dans ses ouvrages pédagogiques. Et dans cette réflexion, il conviendra de s’interroger sur ce que recouvre la théorie produite par les auteurs, indissociable de leur pratique. Un chantier important et stimulant en perspective !

Ces deux interventions me semblent faire naître pour ma part une question, qui fut posée il y a plusieurs mois dans les Carnets de la BD : l’auteur constitue-t-il vraiment la clé de la légitimité de la bande dessinée ? La chose ne me semble pas forcément évidente et l’on peut d’emblée s’interroger sur ses limites car l’auteur semble en effet avoir été au fondement d’une majeure partie de nos outils et instances de légitimation de la bande dessinée. Les travaux de recherches et dispositifs critiques ont ainsi toujours fait preuve d’un goût avéré pour un genre mettant résolument l’auteur en valeur : la monographie. L’origine du « médium » fut ainsi par exemple placée en la personne d’un auteur, notamment par Thierry Groensteen et Benoît Peeters dans Töpffer. L’invention de la bande dessinée. Des réflexions sur l’auteur venaient également ordonner les espaces de réflexion autour du neuvième art, à l’instar des Cahiers de la bande dessinée qui étaient organisés (entre autres espaces d’expression) autour d’un dossier consacré à un créateur donné. Enfin, les dispositifs de consécration de la bande dessinée ont également mis l’auteur à l’honneur, à l’exemple du plus célèbre d’entre eux, le Grand Prix de la ville d’Angoulême, qui est décerné par une assemblée d’auteurs.

La bande dessinée n’existerait pas sans ses auteurs : c’est un fait que Morvandiau et Benjamin Caraco ont tout-à-fait raison de rappeler. Mais je me permets de me demander : ses auteurs lui permettent-ils véritablement d’exister ? Fonder la légitimité d’un mode d’expression sur un processus de création au détriment de toute autre opération me semble en effet problématique. La bande dessinée serait-elle un art qui ne s’analyse pas et ne s’étudie pas : c’est ce que suppose implicitement « l’auteur » entendu dans les propos publiés ci-dessus comme un « créateur de bande dessinée » et non comme un auteur d’articles ou d’ouvrages portant sur la bande dessinée ? La bande dessinée constituerait-elle un mode d’expression qui ne s’explicite pas et ne se diffuse pas ? C’est ce que peut laisser supposer le peu de visibilité dont jouissent certains des maillons de la chaîne du livre tels des libraires, bibliothécaires ou éditeurs sur lesquels portent très peu de travaux et que l’on connaît finalement bien mal. Bref, la question est posée : l’une des plus grandes faiblesses de la bande dessinée ne réside-t-elle pas l’étude de ses « médiateurs » (qui sont-ils, comment exercent-ils ?) et de ses « publics » (quels sont leur domaines d’intérêt et d’expertise ?) ?

L’auteur : clé de la légitimité de la bande dessinée ?

Quel est le mode de circulation de la bande dessinée au sein des différents contextes culturels et nationaux caractérisant notre monde contemporain ? Telle est la question que me suggère l’un des derniers articles publié sur Comicalités : un texte de Xavier Guilbert intitulé « Le manga et son histoire vus de France : entre idées reçues et approximations ». Celui-ci s’intéresse à un ensemble d’ouvrages (« de l’opuscule au dictionnaire en passant par la monographie ») publiés en France entre 1996 et juin 2010 afin de mettre en évidence des parti-pris par exemple sensibles dans l’approche biographique.

Le cas du traitement de Tezuka Osamu est à cet égard éclairant : qualifié de « mythe envahissant », le père d’Astro Boy occulte ainsi d’autres auteurs pourtant digne d’intérêt (voir §6-16) et semble finalement appauvrir la perception du manga en son entier. On peut en effet se demander si cet état de fait n’est pas au fondement de la perception du manga comme une « industrie fantasmée », pour reprendre les termes de Xavier Guilbert, c’est-à-dire un système éditorial utilisant du « mauvais papier », ne faisant montre d’aucune « pitié » en cas de « mauvaise performance [d’une série] dans les enquêtes de lecteur » et imposant aux créateurs une « productivité surhumaine » (voir §29). Bref : à en croire ces études, le manga aurait un seul auteur et serait animé par un ensemble d’employés au service d’énormes machines de publication (les chiffres de vente d’un magazine comme Shonen Jump étant largement biaisés : voir § 34).

Ces analyses posent clairement la question du sérieux de ces ouvrages (quelle documentation, quelles références, quelles techniques d’enquête ? Toutes ces questions restent en suspens), mais nous invitent surtout à formuler une multitude d’interrogations qui pourraient donner lieu à des articles que je serai enchanté de publier (les textes de Comicalités ayant vocation à… susciter des vocations). Il serait par exemple possible de s’interroger sur le statut de l’auteur dans le processus de réception (voire de légitimation) de la bande dessinée : après tout, Tezuka n’occupe-t-il pas dans les publications françaises une place comparable à celle que l’on attribue à Hergé dans celles d’autres pays ? Ce n’est là qu’une question, à laquelle je ne saurai répondre, mais elle me semble poser un problème à propos duquel il y a lieu de chercher plus avant : l’auteur n’est-il pas le principal vecteur de la légitimation d’un mode d’expression, c’est-à-dire le meilleur représentant d’une bande dessinée cherchant à faire reconnaître ses productions et son mode de création ?

Telle est l’une des pistes de réflexions qu’évoque en filigrane l’autre texte de Xavier Guilbert que nous avons publié dans Comicalités : « La légitimation en devenir de la bande dessinée ». S’intéressant à la question des prix décernés au festival d’Angoulême, celui-ci fait en effet brièvement remarquer (§68) que ceux-ci se voient attribués des noms « symboliquement chargés » : aux Alfred (évoquant directement le manchot de Zig et Puce) succèdent les Alph’art (relevant de « la figure largement reconnue d’Hergé ») puis les Fauves (dessinés par Lewis Trondheim). Festival cherche auteur, pourrions-nous résumer, et force est de constater que la bande dessinée s’écarte ici radicalement d’autres modes d’expression : les Goncourt, Renaudot ou Femina chers à la littérature se réfèrent à des académies plus qu’à des producteurs, alors que le prix Hugo cher à la Science Fiction fait référence à un éditeur (Hugo Gernsback, fondateur d’Amazing Stories). Bref : la question est posée et il reste à confirmer ou informer cette hypothèse qui pourrait peut-être nous inviter à reconsidérer la « post-légitimité » qu’évoque Éric Maigret dans le dernier ouvrage qu’il a dirigé (La bande dessinée : une médiaculture, à paraître chez Armand Colin le 22 février).