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L’utopie du troisième genre dans les arts visuels au passage du 20ème siècle

Plusieurs chercheurs de l’université Panthéon-Sorbonne lancent un appel à communication intitulé « l’utopie du troisième genre dans les arts visuels au passage du 20ème siècle ». Débouchant sur des journées d’étude organisées en décembre, cette proposition nous invite à mettre en perspective la notion de « genre » vis-à-vis d’un ensemble de représentations. Le troisième genre s’incarne en effet à travers un ensemble de personnages (sont ici cités : « androgyne, gynandre, virago, hermaphrodite, homosexuel, inverti, travesti, femme robot, homme nouveau ») qu’il est possible, aux dires de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous, possible d’appréhender selon une grille mythologique et peut-être d’une « aspiration à transcender la conflictualité des contraires procède d’une quête d’une unité originelle supposée ». Cette piste évoque plusieurs travaux dessinés, et notamment une œuvre que l’on peut qualifier de magistrale : La Caste des métabarons d’Alexandro Jodorowsky et Juan Gimenez s’articule autour des personnages d’un « androgyne parfait » ou de l’« androgyne Solune ». Celui-ci prend d’ailleurs place dans un mouvement narratif résolument sexué, chaque souverain ne pouvant engendrer sa progéniture qu’au prix d’un amour tragique et de la mutilation de son enfant. Voici sans doute l’un des récits qu’il serait possible d’analyser le cadre de cette proposition, et nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter cette proposition (le cas des Chevaliers du Zodiaque et du personnage d’Andromède ou de MW d’Osamu Tezuka pourraient également être évoqués) avant le 15 octobre prochain.

 L’utopie du troisième genre

dans les arts visuels au passage du 20ème siècle

Depuis quelques années, les historiens de l’art accordent à la question du genre une place de plus en plus importante. Pourtant, au sein d’une historiographie de l’histoire de l’art retravaillée par ces études de genres, l’approche binaire des catégories de sexe masculin/féminin occulte une multitude de figures poreuses et intermédiaires, communes aux sphères littéraire, médicale, judiciaire et artistique (androgyne, gynandre, virago, hermaphrodite, homosexuel, inverti, travesti, femme robot, homme nouveau…). Si l’émergence d’un troisième genre, considéré par certains comme la fusion idéale du masculin et du féminin, perçu par d’autres comme une psychopathologie sexuelle déviante, a été analysée dans le champ des sciences humaines, elle a en revanche peu été abordée dans celui des cultures visuelles.

Pour cela, la terminologie de « passage du siècle », propre à l’historiographie de la modernité, se teinte volontairement d’une résonance identitaire. Le passage d’un sexe à l’autre permet de transcender efficacement la question du biologique pour la déplacer du côté du performatif, où être femme ou homme réside avant tout dans l’adoption de critères ou de codes sociaux relatifs à l’un ou à l’autre genre : une posture corporelle, un vêtement, une expression mimique, une manière d’être, d’agir, de parler, qui postulent d’emblée, en dehors des présupposés biologiques, des identités sexuées. Comme le rappelle le psychanalyste Jean-Bertrand Pontalis dans L’Insaisissable entre-deux, l’idée d’un effacement de la différenciation sexuelle porte alors en elle tout un faisceau d’utopies. Du mythe ovidien de l’Hermaphrodite à l’Androgyne platonicien fantasmé par le Sâr Péladan, l’aspiration à transcender la conflictualité des contraires procède d’une quête d’une unité originelle supposée. Au seuil de la modernité, c’est ce rapport au mythe qui est réinterrogé. Alors que l’exploration d’un « troisième genre » est profondément réinterprétée par les avancées de la recherche médicale de l’époque – notamment sous l’impulsion du médecin allemand Magnus Hirschfeld et sa théorie des « stades sexuels intermédiaires »  et les premiers débats, fondateurs, de la psychanalyse naissante -, les utopies communautaires et leurs résonances au sein de projets artistiques collectifs engagent une réflexion structurelle sur les relations entre la création artistique, le genre et l’idée d’universalité. Si le concept d’un « troisième sexe », tel qu’il apparaît dans la théorie médicale, ne connaît pas une terminologie équivalente dans la littérature artistique de l’époque, la problématique affleure comme partie prenante du terrain d’investigation du symbolisme et des avant-gardes. La résurgence de la mythologie au cœur de la modernité soulève des enjeux propres au processus artistique et alimente la croyance en une transformation humaine et sociale par l’art.

Ces journées d’étude se proposent d’engager la réflexion autour de figures et de pratiques qui, dans les décennies les plus animées de la modernité, autour du passage du siècle, ont porté ces projets d’une utopie sociale et politique du « troisième genre ». Sont attendues des propositions qui examinent les utopies d’un troisième genre engendrées par ces êtres intermédiaires dans les arts visuels (peinture, sculpture, gravure, dessin, cinéma, arts décoratifs) et arts vivants (théâtre, danse), dans les différents pays occidentaux où ces questions ont émergé, et sur une période allant des années 1880, avec les discours symbolistes, pour s’achever avec les premières avant-gardes et l’avènement de l’abstraction. Les communications pourront analyser les différentes stratégies artistiques visant à former de nouveaux espaces alternatifs du genre. Les théories scientifiques et spiritualistes autour de la propagation des espèces, les implications politiques relatives aux figures de l’entre-deux (féminismes, socialismes, anarchismes), les cultures extra-occidentales (primitivismes et traditions orientales), les mutations socioculturelles de la masculinité et de la féminité (espace domestique, monde du spectacle, homosocialité, lesbianisme de salon), ou encore les problématiques cyborg et la question de l’autoengendrement, sont autant de possibilités d’approches encouragées.

Modalités de soumission

Les propositions d’environ 1500 signes devront être envoyées au plus tard le 15 octobre 2014 à l’adresse électronique suivante : utopiesdutroisiemegenre@gmail.com

Elles seront accompagnées d’une courte biographie, indiquant le nom et l’institution éventuelle de rattachement.

Les propositions pourront se faire en français et en anglais.

Date et lieu

Institut national d’histoire de l’art, Paris, Salle Vasari, 9 et 10 décembre 2014.

Comité scientifique

Pascal Rousseau, Marcella Lista, Charlotte Foucher Zarmanian, Flaurette Gautier, Damien Delille (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, laboratoire HICSA)

Bande dessinée et traduction

Le laboratoire junior Sciences Dessinées de l’Ecole Normale Supérieure organise le 25 septembre prochain une journée d’étude consacrée à « Bande dessinée et traduction ». Regroupant des interventions de chercheurs et de traducteurs, cette initiative nous offre l’opportunité de sonner la rentrée de Comicalités : paraitront en effet sur ce carnet plusieurs billets ayant trait à l’un des travaux que nous avons menés pendant l’été, une histoire de la traduction de bandes dessinées. Celle-ci prendra place dans le volume consacré au XXe siècle de l’Histoire de la traduction en langue française dirigé par Bernard Banoun, Yves Chevrel et Jean-Yves Masson, ouvrage monumental qui viendra assurément combler un manque. Nous reproduisons ci-dessous le programme de cette journée d’étude et souhaitons une bonne et studieuse rentrée à tous nos lecteurs.

Bande dessinée et Traduction

Journée d’études organisée par le laboratoire junior Sciences Dessinées

25 septembre 2014

9h -17h30, amphi Descartes, 15 parvis René Descartes

contact : isabelle.guillaume@ens-lyon.org

Après pas moins de huit journées d’études organisées en 2013-2014, le laboratoire junior Sciences Dessinées fait sa rentrée et met à l’honneur les langues étrangères en abordant la question de la traduction de (et dans) la bande dessinée. En complément des interventions universitaires, nous recevrons la visite de deux traducteurs qui évoqueront leurs adaptations de bandes dessinées américaines et anglaises à destination du public francophone.

PROGRAMME

9h00 – 9h15 : Isabelle GUILLAUME (Université Bordeaux Montaigne)

Ouverture de la journée et cadrage

9h15 – 10h00 : Julien BOUVARD (Université Jean Moulin Lyon 3)

Traduire le manga en France

10h00 – 10h45 : Julie GALLEGO (Université de Pau et des Pays de l’Adour)

« J’irai, je verrai, je vaincrai » : les citations latines traduites et détournées dans la série Astérix

Pause café

11h00 – 11h45 : Claire LATXAGUE (Université Paul Valéry Montpellier 3)

Traduction et réception de Mafalda, de l’Argentine à la France

11h45 – 12h30 : Frédéric Vivien, traducteur de Habibi et Goodbye Chunky Rice de C. Thompson

Traduire Craig Thompson : retour d’expérience

Pause déjeuner

14h30 – 17h30 : Entretien avec Lili SZTAJN , traductrice de Fun Home et Are You My Mother ? de A. Bechdel, Tamara Drewe, Gemma Bovery et Literary Life de P. Simmonds, The Book of Genesis de R. Crumb…

 

Robida et l’anticipation

Le colloque « Robida et l’anticipation », organisé par Claire Barel-Moisan (CNRS. UMR LIRE. ENS-Lyon) et Matthieu Letourneux (Université Paris Ouest), se tiendra les jeudi 19 et 20 juin à Lyon (Institut des Sciences de l’Homme). Cet événement est susceptible d’intéresser les lecteurs de Comicalités puisqu’il se focalise sur l’œuvre d’un prolifique illustrateur imageant aussi bien Rabelais ou Vilon que s’essayant à l’anticipation. Ville, communication, transports sont ainsi au cœur de la trilogie Le Vingtième Siècle, texte richement illustré qu’il est par exemple possible de découvrir sur Gallica et donc d’explorer à travers ces 12 communications.

 

 « Robida et l’anticipation »

Souvent réduite, suivant un principe téléologique, à une sorte de science-fiction archaïque, l’œuvre d’Albert Robida gagne au contraire à être appréhendée dans le contexte littéraire et culturel de son époque. Certes, lorsqu’il évoque Le Vingtième siècle, La Guerre au XXe siècle, La Vie électrique ou Un voyage de fiançailles au XXe siècle, c’est bien un imaginaire tourné vers la société du futur que Robida offre aux lecteurs des années 1880-1890. Mais son discours d’anticipation s’enracine dans les logiques de la presse satirique contemporaine, exagérant les travers de son époque en les caricaturant par l’extrapolation temporelle. Le style littéraire comme l’art graphique de Robida s’inscrivent ainsi dans une tradition qui engage des modes de lecture (ceux de la petite presse et de la satire) familiers au lectorat de la fin du XIXe siècle, ce qui produit une appréhension des textes tout à fait différente de celle des lecteurs actuels.

Ce colloque se propose de reconsidérer l’ensemble de la production d’anticipation de Robida, aussi bien les volumes de la Librairie Illustrée que les fictions pour la jeunesse, les ouvrages créés seuls ou en collaboration (comme La Guerre infernale avec Pierre Giffard), les publication en volumes ou les articles publiés dans la presse (en particulier dans La Caricature fondée par Robida en 1880), les récits illustrés et une incursion dans le genre théâtral avec une pièce d’ombres pour Le Chat noir.

Au sein de ce vaste archipel d’œuvres d’anticipation, un sous-ensemble doté d’une cohérence fictionnelle spécifique se dessine, avec des romans mettant en scène des personnages reparaissants dans les années 1950, autour de la famille Ponto (qu’on rencontre dans Le Vingtième siècle, La Vie électrique, Un voyage de fiançailles au XXe siècle et dont les ancêtres ont également été représentés dans Le Dix-neuvième siècle). Le Vingtième siècle occupe indéniablement une place centrale dans l’œuvre d’anticipation de Robida. Le roman est connu pour sa fantaisie imaginative, régulièrement cité pour ses inventions étonnantes comme le téléphonoscope, son tableau de la circulation aérienne dans Paris, ou pour sa représentation de l’émancipation féminine dans la société future. Cependant, au-delà de ces quelques traits spectaculaires, il a finalement été relativement peu été étudié pour lui-même, et mériterait une analyse détaillée, qui le ressaisirait dans son contexte culturel et médiatique de production. De façon plus générale, on souhaiterait mettre en valeur, dans l’ensemble de ces œuvres, à la fois la dimension graphique de l’anticipation selon Robida et son travail d’écrivain, qui a été jusqu’ici rarement abordé en tant que tel, dans sa dimension stylistique et poétique, et dans son dialogue avec la culture médiatique contemporaine. On sera notamment sensible à la place du registre comique chez Robida, et au lien original qu’il construit entre humour et écriture d’anticipation. On pourra également mettre en évidence l’hybridité générique à l’œuvre dans les romans d’anticipation, et l’imbrication des multiples modèles mobilisés – littérature panoramique, roman de formation, dystopie, satire, roman d’aventures, etc. Un des enjeux de l’analyse de ces différents textes d’anticipation sera d’aborder l’œuvre de Robida non comme un cas isolé, mais de réévaluer sa place dans l’histoire littéraire en soulignant les échos avec les romans d’aventures scientifiques et la vaste littérature d’anticipation qui se développe au tournant du XIXe siècle, sur une multitude de supports.

 

Jeudi 19 juin

Une écriture de l’anticipation — (10h30-13h)

10h30 — Ouverture du colloque : Accueil et introduction par Claire Barel-Moisan (CNRS)

10h45Valérie Stiénon (Université Paris 13) : « Un panorama du temps. Robida chroniqueur des expositions universelles »

11h30Yves Citton (Université Grenoble 3) : « Médiation et simulation chez Albert Robida à la lumière de l’archéologie des media »

12h15Carine Goutaland (INSA) : « Robida et la cuisine du XXe siècle : un réalisme d’anticipation ? »

La société du futur — (14h30-18h30)

14h30Amélie Chabrier (Université Montpellier 3) : « Satire de presse et écriture romanesque. La femme “moderne” d’Albert Robida »

15h15Caroline Grubbs (Université de Pennsylvanie) : « Dépêches du front d’une guerre imaginaire : les récits de guerre au vingtième siècle d’Albert Robida »

16h15Jean-Claude Viche (Société des Amis d’Albert Robida) : « La Campagne de Jujubie, manuscrit inédit de la première anticipation guerrière de Robida. » Présentation de l’Association des Amis d’Albert Robida.

17h30 Projection de films en lien avec l’oeuvre d’Albert Robida

 Vendredi 20 juin

L’anticipation en images — (9h30-13h)

9h30Sandrine Doré (Université Paris Ouest) : « L’art pictural à l’épreuve de l’anticipation dans Le Vingtième siècle de Robida. »

10h 15Bertrand Tillier (Université de Bourgogne) : « Robida et la conquête du futur par les airs »

11h 15Philippe Willems (Northern Illinois University) : « Généalogie du texte illustré robidien : l’héritage de la littérature panoramique des années 1830-1840 »

12hClaudine Grossir (ESPE) : « Le Vingtième siècle en images : imagination poétique et réalisme satirique »

Robida et le livre — (14h30- 17h)

14h30Dominique Lacaze (Société des Amis d’Albert Robida) : « Un roman inédit d’anticipation politique : Le Petit Lendemain du grand soir ». Présentation de la revue Le Téléphonoscope.

15h15Heinrich Raatschen (Heinrich Heine Universität. Dusseldorf) : « Le Vingtième Siècle et la culture parisienne du spectacle au XIXe siècle : positionnement, stratégie marketing, et genre littéraire »

16h00 — Conclusion par Matthieu Letourneux (Université Paris Ouest)

Représentations contemporaines du travail agricole de 1930 à nos jours

Plusieurs chercheurs de l’université de Lyon 2 lancent un appel à communication intitulé : « Représentations contemporaines du travail agricole de 1930 à nos jours ». Cette proposition nous invite à penser les évocations dessinées du « travail de la terre » comme le nomme l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous. Outre l’album jeunesse (pensons par exemple aux Aventures agricoles d’Harry l’agriculteur de Christophe Nicolas et Ronan Badel), la bande dessinée (directement mentionnée) offre de nombreux exemples et nous invite surtout à poser une question : la représentation de l’agriculteur ne s’inscrit-il pas dans un certain renouveau, voire une avant-garde, du neuvième art ? Il est en tout cas l’occasion de rompre avec une vision particulièrement irréelle de la « campagne » (pensons au Champignac de Spirou) et de développer un tout autre mode d’ancrage territorial. Une œuvre comme Arrière-pays de Jacques Ferrandez, chronique de la vie d’un village de l’arrière-pays niçois, peut à bien des égards être vue comme pionnière : il serait intéressant de questionner au regard de semblable filiation le Rural d’Étienne Davodeau (auquel nous avons consacré un article disponible sur du9), ou encore le Pirouette de Charles Dutertre qui fait pour sa part la part belle à une sorte de nostalgie de l’âge paysan. Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter cette liste avant le 15 juillet prochain.

 

 

 

Représentations contemporaines du travail agricole de 1930 à nos jours

4 et 5 décembre  2014

Université Lyon 2  – Institut des Sciences de l’Homme

Journées organisées par  Passages XX-XXI  et le Laboratoire d’Études Rurales, dans le cadre du projet  « Imaginaires et représentations du travail en région Rhône-Alpes »

Date limite d’appel : 15 juillet 2014

Les recherches récentes sur l’ « Art au travail » menées par l’équipe Passages XX-XXI de Lyon 2 ont montré comment les œuvres littéraires, cinématographiques et théâtrales contemporaines ont réinvesti le thème du travail : le monde de l’entreprise, celui du management, des emplois précaires et non-qualifiés y sont perçus comme des espaces essentiellement conflictuels et pathogènes. L’essai récent de Pierre Rosanvallon, Le Parlement des invisibles,  et la collection Raconter la vie témoignent d’une visibilité croissante des questionnements sur le travail.

Dans le cadre du projet « imaginaires et représentations du travail en région Rhône-Alpes », nous souhaitons diriger notre attention vers un secteur d’activités qui intéresse depuis longtemps les romanciers et les artistes, celui du travail de la terre, dans toute sa diversité.

Comme l’a montré l’exposition « Paysages, paysans » organisée en 1994 à la BNF,  sous la direction d’E. Le Roy Ladurie,  les activités agricoles ont été, depuis les origines, l’objet de représentations artistiques, principalement picturales et littéraires. Pour la période contemporaine, la Troisième République, rassemblant autour de la célébration du travail de la terre notables ruraux et écrivains paysans, a correspondu à un certain âge d’or de la littérature ruraliste. La veine ruraliste et agrarienne, idéologiquement décrédibilisée par le régime de Vichy et l’impact profond de la révolution silencieuse,  a pu paraître définitivement condamnée par la « fin des paysans ».  Cependant les romanciers du terroir connaissent aujourd’hui encore de gros succès de librairie : certains romans de Claude Michelet, Hervé Jaouen ou  Jean Anglade se vendent à plus de 100 000 exemplaires. Souvent focalisées sur la célébration nostalgique des campagnes d’autrefois, ces œuvres, peu innovantes sur le plan  littéraire,  ne s’intéressent guère aux mutations contemporaines du travail agricole.

Or, aujourd’hui,  à l’image de la société tout entière, le travail agricole, s’est profondément transformé ; il est bouleversé par la motorisation, la spécialisation du travail et l’usage croissant de technologies de plus en plus complexes, qui modifient les structures agraires et la gestion des espaces productifs. Parallèlement, les campagnes se sont vidées de leur population agricole, ce qui a mis fin à une civilisation paysanne centrée sur la famille et sur la communauté villageoise. Dans le même temps,  loin des activités strictement productives, de nouveaux usages des espaces ruraux sont apparus : le développement du tourisme, des résidences secondaires, de la périurbanisation  suscite de nouveaux questionnements sur les rapports des humains avec les animaux ou avec la nature. Tous ces bouleversements ont contribué à renouveler les regards portés sur la production agricole et le travail paysan.

Dès les années 1950, des sociologues comme Rose-Marie Lagrave ont questionné ces transformations  et à partir des années 1970, le renouveau du régionalisme a nourri les mémoires de villages.  Face à la permanence des « images roses » (Ronald Hubscher) véhiculées par les romans du terroir,  des artistes et des romanciers explorent l’univers agricole contemporain  selon des formes renouvelées. Citons par exemple, en France, Pierre Jourde avec Pays perdu et La première pierre, Noëlle Revaz avec Rapport aux bêtes, Thierry Beinstingel avec Paysage et portrait en pied-de-poule, John Berger avec sa trilogie Dans leur travail, Marie-Hélène Lafon avecL’annonce et Isabelle Sorrente avec 180 jours, de même que certains auteurs de littérature- jeunesse ou de romans noirs (voir, très récemment, Nœuds d’acier de Sandrine Colette). C’est pourquoi nous pensons que Paul Aron  est allé un peu vite en disant dans Ecrire le travail, (Initiales, Dossier n°25, 2011) que « […] le « roman paysan » a presque disparu».

           Les journées d’études que nous organisons se proposent d’interroger l’évolution des représentations du travail de la terre à partir des années 30,  à travers le prisme de la littérature ruraliste et la question de l’émergence d’un « néo-roman paysan ».

Cette approche sera résolument comparatiste, ouverte aux mises en perspectives historiques et aux différentes formes d’expression artistique comme la bande dessinée, la littérature-jeunesse,  le cinéma, le documentaire ou les productions télévisées, qui sont devenus des supports essentiels de fabrication et de diffusion des représentations.

Les œuvres des artistes et des romanciers de la région Rhône-Alpes constitueront un des axes privilégiés dans le choix des corpus et des thématiques : nous souhaitons nourrir la réflexion sur les rapports du monde agricole avec les territoires et avec les appartenances locales, ainsi que sur la manière dont le roman paysan participe à la construction d’un patrimoine immatériel sans cesse réinventé.

Thématiques suggérées

– Comment la vision du travail agricole s’est-elle transformée depuis les années 1930 dans les œuvres littéraires et artistiques ?

– Comment le roman régional rhônalpin, s’il existe en tant que tel, s’articule-t-il avec le roman de terroir national ou même européen ? Les spécificités de l’agriculture régionale (viticulture, agriculture de montagne) transparaissent-elles dans les approches et les thématiques des œuvres contemporaines ?

– Les codes du récit de terroir ont-ils évolué ? Comment un certain réalisme critique s’oppose-t-il  à l’ancienne mythologie de la terre ? De quelle manière les œuvres récentes intègrent-elles les nouvelles préoccupations liées à l’environnement ou à l’écologie ?

– Comment des écritures éclatées, distanciées, polyphoniques ou blanches rendent-elles compte des nouvelles réalités du travail paysan ? Quels dispositifs d’écriture sont mis en place dans les œuvres contemporaines ? Comment sont traités les problèmes de langage (parler populaire, campagnard) ?

Comité scientifique 

  • Isabelle Krzywkowski  (Université Grenoble 3)
  • Corinne Grenouillet (Université Strasbourg)
  • Chantal Michel (Université Lyon 2)
  • Maryse Vuillermet (Université Lyon 2)
  • Edouard Lynch (Université Lyon2)
  • Claire Delfosse (Université Lyon2)

Les propositions de communication (durée : 20 minutes) sont à envoyer sous la forme d’un résumé de 3000 signes, accompagné d’une brève notice bibliographique, aux adresses suivantes :

RESPONSABLE :

Maryse Vuillermet

ADRESSE

Université Lyon2

La culture visuelle de la science-fiction, entre culture populaire et avant-garde

Mehdi Achouche et Samuel Minne lancent un appel à communication intitulé : « La culture visuelle de la science-fiction, entre culture populaire et avant-garde ». Débouchant sur un numéro de la revue ReS Futurae, cette proposition est susceptible d’intéresser nombre de chercheurs travaillant sur la culture graphique tant l’objet d’étude est riche. Outre l’illustration (pensons par exemple au méconnu Mechanismo d’Harry Harrison), l’album de jeunesse (avec une curiosité comme, par exemple, Les Voyages d’Alphonse de Jacques Tardi et Antoine Leconte), la bande dessinée fournit un corpus des plus riches dont il serait intéressant de prendre la mesure. La question posée dans le cadre de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous ouvre en effet quelques pistes : interroger le genre à travers la notion « d’avant-garde », c’est avant tout interroger un genre au regard d’une valeur esthétique qui ne va en effet pas du tout de soi. Le Luc Orient de Greg et Eddy Paape, le Scrameustache de Gos, la Yoko Tsuno de Roger Leloup, voire une œuvre aussi magistrale que Les Naufragés du temps créée par Paul Gillon et Jean-Claude Forest ont-ils permis de renouveler le langage de la bande dessinée ? Il serait en tout cas intéressant de penser leur apport avant le 30 juin prochain et ce faisant de ne pas se cantonner aux noms bien connus de Moebius, Druillet, Mézières ou Jodorowsky…

La culture visuelle de la science-fiction, entre culture populaire et avant-garde 

Traditionnellement opposées, la culture populaire et l’avant-garde ont cependant une riche histoire d’interactions, de reprises et d’inspiration réciproque. C’est particulièrement vrai dans le cas de la science-fiction : attachée à la culture populaire, elle a aussi sa propre avant-garde, tout en nourrissant l’avant-garde artistique, tant dans l’art contemporain que cinématographique.

Loin de ne s’exprimer que sous forme littéraire, la science-fiction le fait aussi sous forme visuelle, apparaissant aussi bien dans l’art contemporain que dans le street art, la bande dessinée, le cinéma et de nombreux courts-métrages, les jeux-vidéos, la publicité, l’illustration, le Web Art, la peinture ou la série télévisée. Elle peut même prendre corps dans le design ou l’architecture, irriguant de son imaginaire tous les pans du réel et représentant pour beaucoup leur appréhension principale, voire unique, de la science-fiction. Or cette science-fiction spécifiquement visuelle n’a pas encore reçu toute l’attention qu’elle méritait, tendant à être perçue comme tributaire de la science-fiction littéraire et comme étant purement illustrative et contingente et donc dénuée d’intérêt analytique propre. Souvent associée à la culture populaire, les liens qui l’unissent aux œuvres et courants d’avant-garde ont en particulier été très peu étudiés jusqu’à ce jour.

La présence de la science-fiction dans la culture visuelle s’affirme historiquement plus particulièrement au sein de la culture dite populaire, qu’il s’agisse des couvertures des pulp magazines, des comics et des petits formats de bandes dessinées, des « séries Z » ou du « cinéma bis », héritant pour une part de l’inspiration du roman populaire, et pour une autre part des traditions visuelles de leurs supports spécifiques. Cette science-fiction visuelle dite populaire n’est pas exempte de dissonances l’éloignant d’une science-fiction mainstream plus sage ou plus sérieuse. Le sense of wonder s’accompagne ainsi volontiers de sadisme ou d’érotisme, où l’horreur et le sublime coexistent de manière brutale et sans ménagement sans tout à fait pouvoir être assimilés aux genres du fantastique ou de l’horreur, même si les convergences existent. Plus que dans ces derniers genres, ces représentations apparaissent souvent comme exprimant sans filtre les peurs, les fantasmes et les problématiques d’une société ou d’une époque, au-delà même de l’impact du progrès et de la technologie, auquel la science-fiction ne se réduit pas ou plus. Leur forme et leur esthétique, cependant, n’est pas exempte d’une polysémie qui reste à explorer, et qui dément précisément la réification thématique qui leur est couramment réservée.

Par ailleurs, la science-fiction sous sa forme visuelle ne se cantonne pas à la culture populaire mais apparaît aussi dans des œuvres et des courants se revendiquant peu ou prou de l’avant-garde. À ce titre, la science-fiction visuelle, dont ont été partiellement soulignés les liens historiques et iconographiques avec le surréalisme, devient un lieu d’expérimentation formelle, recourant à l’abstraction, à des procédés esthétiques plus audacieux, renouvelant des procédés narratifs et proposant une alternative à un imaginaire visuel souvent dominé par le cinéma commercial et ses codes. Cette science-fiction d’avant-garde joue souvent des références avec la culture populaire, ouvrant parfois un véritable dialogue avec celle-ci, jusqu’à parfois s’y confondre. Dans le même temps, l’avant-garde s’inspire depuis au moins le pop art de l’imaginaire et des stéréotypes de la science-fiction pour nourrir sa réflexion, renouveler son esthétique ou décrire le monde contemporain, tandis que ces mêmes artistes d’avant-garde vont par la suite œuvrer eux-mêmes en science-fiction (Eduardo Paolozzi et Richard Hamilton illustrant New Worlds dans les années soixante, par exemple), chacune se nourrissant ainsi de l’autre.

Ainsi, entre stéréotypes et innovation, originalité et reprise, la culture visuelle de la science-fiction, ou la science-fictionnalité de la culture visuelle, suscite de nombreux axes d’études dans son rapport à l’avant-garde : parodie et détournement, pastiche au second degré, intericonicité, transmédialité…

Nous proposons d’étudier pour ce cinquième numéro de ReS Futurae la culture visuelle de la science-fiction dans ses relations multiples à l’avant-garde. D’abord dans la façon dont la science-fiction dite populaire et commerciale témoigne de l’influence de l’avant-garde, manifestant des convergences esthétiques ou thématiques ou des inspirations communes avec celle-ci. Ensuite comme science-fiction d’avant-garde ou avant-garde de science-fiction, en étudiant la manière dont l’avant-garde s’inspire de la science-fiction ou rejoint celle-ci, la façon dont cette dernière devient pour l’avant-garde le moyen de repousser les limites du réalisme, de dépasser ou de subvertir l’esthétique de l’époque, de provoquer le public ou encore de brouiller les frontières culturelles et sociétales. Enfin, l’attention peut se porter sur un mélange plus complexe des deux pôles, leur combinaison ou les tensions pouvant apparaître dans des œuvres spécifiques, populaires ou avant-gardistes.

Il s’agit entre autres d’examiner la science-fiction visuelle aussi bien dans ces contextes historiques, nationaux, culturels, technologiques et artistiques spécifiques que les rapports que ceux-ci peuvent entretenir, par exemple :

— les rapports entre science-fiction et sensationnalisme ou cinéma d’exploitation (nudités, couleurs vives, cruauté, kitsch, satire…),

— le rôle, les spécificités et les ambitions grandissantes des courts-métrages, plus ou moins expérimentaux, de science-fiction,

— l’influence d’artistes d’avant-garde (peintres, sculpteurs, designers, affichistes, etc.) sur le cinéma commercial et ses représentations,

— les enjeux et l’apport spécifiques du numérique à une science-fiction visuelle plus exigeante et tendant vers plus d’abstraction (renouvellement des effets spéciaux, de l’esthétique),

— l’apport de la science-fiction à l’art contemporain (land art, hyperréalisme, art cinétique, installations, performances, édifices, art éphémère…),

— la culture underground (hippie et psychédélique, rock, punk, DIY…),

— la tension existant entre la marchandisation et les velléités artistiques de la science-fiction visuelle,

— les spécificités de la science-fiction visuelle européenne et/ou les convergences et divergences entre SF visuelle et avant-gardes américaines et européennes (ou issues d’autres continents),

— l’évolution de la place et du rôle des œuvres illustratives et plus généralement du paratexte iconique (couvertures, affiches, etc.)

 

Appel à textes pour le numéro 5 de ReS Futurae
Échéances :

— envoi des propositions (5000 signes maximum) jusqu’au 30 juin 2014, à : rosebudfr@yahoo.com et minnesamuel@gmail.com
— réponse de ReSF le 30 juillet au plus tard.
— remise des articles le 15 octobre 2014 au plus tard.

Les auteurs sont invités à prendre connaissance des consignes d’écritures et de soumission des articles sur le site de la revue ou sur le carnet de ReS Futurae.

Ouvrages et études suggérés

Ash Brian (dir.), The Visual Encyclopedia of Science Fiction, Londres : Pan Books/New York : Harmony Books, 1977.
Booker M. Keith, Alternate Americas : Science Fiction Film and American Culture, Westport : Praeger, 2006.
Bosson Yves et Abdelouahab Farid, Dictionnaire visuel des mondes extraterrestres, Paris : Flammarion, 2010.
Britain David, Eduardo Paolozzi at New Worlds. Science Fiction and Art in the Sixties, Londres : Savoy Books, 2013
Cartmell Deborah, Hunter I. Q., Kaye Heidi, Whelehan Imelda, Trash Aesthetics. Popular Culture and Its Audience, Londres : Pluto Press, 1997.
Chion Michel, Les Films de science-fiction, Paris : Les Éditions de l’étoile, 2008.
Dufour Éric, Le Cinéma de science-fiction, Paris : Armand Colin, 2011.
Holland Steve et Summersby Alex, Sci-Fi Art : A Graphic History, New York : Harper Design, 2009.
Johnston-Smith Jan, American Science Fiction TV : Star Trek, Stargate, and Beyond, Middletown : Wesleyan University Press, 2012.
Kripal Jeffrey J., Mutants & Mystics: Science Fiction, Superhero Comics, and the Paranormal, Chicago : Chicago University Press, 2011.
Poussin Gilles et Marmonnier Christian, Métal Hurlant, la machine à rêver, 1975-1987, Paris : Denoël, 2005, collection « Graphic ».
Simon Richard Keller, Trash Culture : Popular Culture and the Great Tradition, Berkeley : University of California Press, 1999.
Strauven Wanda (dir.), The Cinema of Attractions Reloaded, Amsterdam : Amsterdam University Press, 2006.
Westfahl Gary, Slusser George, Plummer Kathleen Church, Unearthly Visions: Approaches to Science Fiction and Fantasy Art, Westport : Greenwood Press, 2002.

Responsable :

Mehdi Achouche et Samuel Minne

url de référence

http://resf.revues.org/514

L’âge d’or. Médias, mémoires et nostalgies

Emmanuelle Fantin (GRIPIC, Celsa Paris-Sorbonne) et Thibault LE HEGARAT (CHCSC, Université Versailles-Saint-Quentin-en-Yvelines) lancent un appel à communication pour une journée d’étude intitulée : « L’âge d’or. Médias, mémoires et nostalgies ». Cette proposition nous invite à penserdes « processus médiatiques d’idéalisation du passé : l’âge d’or pourra être compris comme une modalité spécifique de la nostalgie dans et par les médias », et nombre des questions que soulève l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous peuvent à ce titre intéresser des chercheurs travaillant sur la bande dessinée. La notion est en effet structurante au sein du discours des « fans » qu’analyse Harry Morgan dans un article de son blog The adamantine. On la trouve notamment au sein d’un fameux article de Pierre Strinati (« Bande dessinée et science-fiction, l’âge d’or en France 1934-1940 », Fiction, n°92, 1961) qui nous place d’emblée face à un paradoxe : s’il s’agit de légitimer et faire connaître un mode d’expression, c’est à travers « des leviers rhétoriques et esthétiques de glorification du passé » qui vont parfois jusqu’à biaiser la perception de l’œuvre d’un auteur (ainsi que le montre Julien Baudry dans un article consacré à la réception de l’œuvre d’Alain Saint-Ogan publié dans Comicalités). Nos lecteurs ont jusqu’au 20 mai prochain pour pousser plus avant ces pistes de réflexion.

 « L’âge d’or. Médias, mémoires et nostalgies »

Définissant la nostalgie comme le « beau regret du passé », les historiens du culturel rappellent la double portée de la notion : tout en continuant de faire référence à son sens originel, celui de la peine causée par un espace perdu, la nostalgie renvoie désormais davantage au regret « d’un temps qui ne reviendra plus ». Exprimant une forme de remémoration et de regard porté sur le passé, la nostalgie a trouvé dans le champ médiatique un espace d’expression privilégié. Par l’étude de ces discours, il nous est possible de constater la diversité des formes du sentiment nostalgique et de son expression. On pense par exemple au mouvement rétro dont les médias se nourrissent tant dans leurs contenus que dans leurs formes, oscillant entre pastiche, hommage et recyclage. Quels sont les dispositifs médiatiques à l’œuvre pour soulever le sentiment nostalgique, et comment les analyser ? Pour Svetlana Boym et Hartmut Rosa, la nostalgie est l’une des composantes inhérente au progrès et à la modernité. La banalisation du sentiment nostalgique dans les médias doit-elle alors être comprise comme un biais incontournable de l’appréhension médiatique du passé? Par ailleurs, la nostalgie s’insère dans le chantier plus large de l’étude des discours mémoriels dans les productions médiatiques.

Les multiples liens entre médias et mémoire ont déjà été explorés dans de nombreuses études. Dans ses travaux, l’historienne Isabelle Veyrat-Masson a successivement analysé l’histoire à la télévision française et les affrontements mémoriels dans les médias. Katharina Niemeyer a quant à elle posé la question de l’écriture de l’histoire dans et par la télévision, interrogeant en particulier les commémorations d’événements. Nourrie des écrits fondateurs de Pierre Nora sur la mémoire, elle envisage le journal télévisé comme un « lieu-de-mémoire-en-mouvement ». Loin d’être de simples vecteurs du passé, les médias seraient de véritables « opérateurs de mémoire », des interprètes contribuant à la constitution des représentations collectives du passé, et en mesure de concourir à la mythologisation du passé.

Dans le sillon de ces études, nous souhaitons prolonger la réflexion sur les interactions entre médias, mémoires et nostalgies autour de la notion spécifique de l’âge d’or. A l’origine, il désigne le mythe du premier âge de l’humanité relaté par Hésiode, âge caractérisé par un imaginaire de paix et de bonheur insubmersibles. L’étonnante plasticité de ce mythe lui a permis, traversant le temps et les traditions, de se muer en lieu commun pour qualifier une période d’apogée révolue, source immuable d’idéalisation et de sentiment nostalgique. L’âge d’or est donc toujours construit a posteriori : il sous-tend en creux une rupture avec le temps présent habitée par l’idée d’un appauvrissement, d’un déclassement par rapport au passé.

L’enjeu de cette journée d’étude sera donc d’interroger les processus médiatiques d’idéalisation du passé : l’âge d’or pourra être compris comme une modalité spécifique de la nostalgie dans etpar les médias. Certaines représentations médiatiques du passé tendent en effet à mythifier des périodes historiques ; il s’agit de fait d’une forme de sélection et de construction mémorielle qui repose sur une perception sublimée du passé. Ces discours et mises en scène se déploient à travers des leviers rhétoriques et esthétiques de glorification du passé, contribuant ainsi à la diffusion et la popularisation de ces intangibles âges d’or. Ces mythes d’âges d’or peuvent se rapporter à une période tout entière – les Trente Glorieuses, La Belle Epoque, les années folles, etc. –, à des objets et des pratiques médiatiques plus spécifiques – l’âge d’or de la presse quotidienne ou de la radio familiale –, ou à des courants culturels et à leur production – l’âge d’or du cinéma hollywoodien, du roman populaire ou de la fiction historique à la télévision.

L’âge d’or peut être appréhendé à travers diverses approches conceptuelles. Se pose en premier lieu la question des enjeux sous-tendus par le recours à un passé magnifié. Ce regard spécifique porté sur le passé émane-t-il d’un jugement critique du temps présent et d’une méfiance envers le futur ? Les mass medias seraient-ils un lieu privilégié de l’expression de mythes de l’âge d’or ? Les médias instrumentalisent-ils les âges d’or pour asseoir leurs propres légitimations ? Est-il possible d’identifier des groupes porteurs de ces mémoires idéalisées de temps passés, et quels sont les modalités et les objectifs de leurs constructions mémorielles ? La variété des représentations et des dispositifs nostalgiques invite également à d’interroger sur les mécanismes et les processus dont il est fait usage : quelles sont les rhétoriques discursives et médiatiques à l’œuvre ? Est-il possible de définir les pratiques nostalgiques de l’âge d’or dans et par les médias ?

Cette journée d’étude consacrée à l’âge d’or dans les médias souhaite ouvrir la discussion à toutes les formes médiatiques – de l’information à la fiction – ainsi qu’à tous les supports. Les productions contemporaines seront interrogées, en remontant jusqu’au début du XXe siècle. Les périodes représentées, en revanche, peuvent être plus lointaines; nous espérons recueillir des propositions couvrant au moins les XIXe et XXe siècles – la Belle Epoque constitue un exemple pertinent de remémoration idéalisée a posteriori d’une époque révolue.

 

Axes thématiques suggérés

  • Représentations et reconstructions idéalisées du passé dans et par les médias
  • Les « formats » de l’âge d’or : anthologies, commémorations, souvenirs médiatiques…
  • Les dispositifs et processus nostalgiques dans les médias
  • Les enjeux et stratégies médiatiques d’invitation à la nostalgie d’un âge d’or
  • L’âge d’or des médias : âge d’or du cinéma, de l’affiche publicitaire, de la télévision, etc.

 

Les propositions de communication (500 mots environ) accompagnées d’une présentation de l’auteur  doivent être adressées à  Emmanuelle Fantin (emmanuellefantin@gmail.com) et Thibault Le Hégarat (thibault.lehegarat@gmail.com), avant le 20 mai 2014. La journée d’études se tiendra à la Maison de la Recherche de l’Université Paris-Sorbonne, rue Serpente, le vendredi 12 septembre 2014.

 

Comité Scientifique

Karine BERTHELOT-GUIET, GRIPIC, Celsa Paris-Sorbonne

Hugh DAUNCEY, FMRG, Newcastle University

Christian DELPORTE, CHCSC, Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines

Katharina NIEMEYER, CARISM, IFP-Université Panthéon-Assas

François ROBINET, CHCSC, Université Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines

Julien TASSEL, GRIPIC, Celsa Paris-Sorbonne

Christopher G. TINKER, FMRG, Heriot-Watt University

 

Comité d’organisation

Emmanuelle FANTIN, GRIPIC, Celsa Paris-Sorbonne

Thibault LE HEGARAT, CHCSC, Université Versailles-Saint-Quentin-en-Yvelines

 

 

Les dynamiques hégémoniques dans la culture populaire

Deux laboratoires (de l’université Paris 8 et de l’université de Lausanne) lancent un appel à communication intitulé : « Les dynamiques hégémoniques dans la culture populaire ». Cette proposition, qui débouchera sur une journée d’étude organisée en octobre 2014 à Paris, a le mérite de nous inviter à tenter de mieux cerner et définir une notion particulièrement vague à propos de laquelle l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fournit une bibliographie et quelques pistes de réflexion. À la lecture de ce texte, une intuition se fait jour : plutôt que de penser la « culture populaire » au regard d’une opposition entre culture « illégitime » et « légitime » (ou « dominante »), ne s’agit-il pas plutôt de s’interroger sur le rapport entre la « culture populaire » et la notion « d’industrie culturelle ». Pour le dire autrement, le « populaire » est-il toujours « industriel » et soumis à un mode de production de la culture soucieux de diffuser largement et rentabiliser ses productions ? La réponse n’a rien d’évident et elle nous invite dans tous les cas à prendre certaines distances vis-à-vis de certaines théories du « populaire », ou du moins de « l’ordinaire » : Michel de Certeau désignait par exemple celui-ci sur le mode de l’usage, comme un ensemble de procédures se proposant d’employer des produits ou biens culturels issus d’un ordre « dominant ». « Populaire » pouvait alors désigner un mode d’appropriation ; mais un « populaire » entendu comme « une arme aux mains des industries culturelles, à la fois commerciale et idéologique » devrait à l’inverse être entendu comme un genre, un certain type de produits culturels, peut-être conçus à des fins et selon des moyens bien précis. Nous laissons à nos lecteurs (férus par exemple de bande dessinée, de cinéma d’animation ou de tout autre mode d’expression graphique frayant avec le « populaire ») le soin de débrouiller cette intuition (qui nous semble tenir dans cette phrase : « la culture populaire n’est jamais récupérée une fois pour toutes, elle est un processus jamais fini ») avant le 15 mai prochain.

Les dynamiques hégémoniques dans la culture populaire 

La culture populaire reste un concept difficile à définir, notamment parce qu’il n’existe pas de définition non problématique des deux termes qui le compose. Si la culture populaire a un temps été utilisée péjorativement pour (dis)qualifier la culture « de masse », dépréciée, car « marchande » – et si elle continue parfois d’être utilisée dans ce sens –, elle a progressivement gagné une valeur descriptive sans pour autant être précise. La culture populaire se rapporterait à une dimension concernant « les gens » ou « le peuple » à la fois comme public ou marché mais aussi comme sujet. L’apport de Stuart Hall, dans son travail de « déconstruction du « populaire » » (1981), a été de proposer une troisième définition qui « embrasse, pour une période donnée, les formes et les activités qui ont leurs racines dans les conditions sociales et matérielles des classes particulières, et qui se sont incarnées dans les traditions et les pratiques populaires » (Hall 2008 : 123). Avec cette définition, Stuart Hall entendait mettre l’accent sur la « tension continue (de corrélation, d’influence et d’antagonisme) avec la culture dominante » (Ibid.). La culture populaire rend possible la contestation et la subversion comme elle peut consolider l’hégémonie culturelle lorsqu’elle devient l’instrument cynique des industries culturelles. C’est cette tension que nous souhaitons interroger et qui donne son sens au titre de cette journée d’études. Un titre qui peut paraître contradictoire à première vue, étant donné que le caractère mainstream est parfois décrit comme étant intrinsèque à la culture populaire. Pour notre part, nous entendons la mainstreamisation comme la stratégie qu’adoptent les industries culturelles pour neutraliser toute subversion dont la culture populaire se ferait l’écho.

Dans un ouvrage majeur des cultural studies, Dick Hebdige notait que les subculturessont toujours amenées à décevoir nos attentes puisqu’elles sont constamment menacées d’être récupérées par la culture mainstream. Entendue chez Hebdige comme le processus par lequel l’ordre subverti est restauré, la récupération apprivoise et domestique la subversion en se l’appropriant. Elle est une arme aux mains des industries culturelles, à la fois commerciale et idéologique. Pour autant, la culture populaire n’est jamais récupérée une fois pour toutes, elle est un processus jamais fini. À ce titre, elle est à la fois le lieu et l’enjeu d’une lutte pour l’hégémonie. Il s’agira donc d’interroger ensemble les dynamiques hégémoniques et contre-hégémoniques dans la culture populaire (cinéma, musiques populaires, romans, théâtre etc.) et les intérêts contradictoires qui s’y jouent, en considérant la culture dans sa matérialité.

Cette journée d’étude vise à mieux définir la culture populaire, en prenant notamment en compte les différentes dynamiques contemporaines qui ont largement modifié son visage (digitalisation, effondrement de différents marchés liés à des produits). Pour saisir la tension entre la culture populaire et sa récupération, il s’agira de cerner les acteurs de ces deux facettes, tant les sujets du populaire que ceux qui sont à la manœuvre au sein des industries culturelles. C’est grâce à cette meilleure compréhension que l’on sera à même de mesurer les processus hégémoniques et contre-hégémoniques qui sont en jeu dans les cultures populaires.

Journée d’études co-organisée par le LabTop (Paris 8, France) et l’IHES (UNIL, Suisse)

Université Paris 8, jeudi 16 octobre 2014

Les propositions de communication peuvent s’inscrire dans l’une des thématiques suivantes, la liste n’étant pas exhaustive :

  • Culture populaire et culture mainstream
  • Aspects contemporains de la culture mainstream
  • Le(s) sujet(s) de la culture populaire : qui parle ?
  • Acteurs et fonctionnement des industries culturelles
  • Subversion et/ou réification : la pop culture entre empowerment et consentement ?
  • Le populaire est-il soluble dans les industries culturelles ?
  • Problématiques sexe, race et classe dans les industries culturelles

Modalités de soumission 

Les propositions de communication, ne devant pas excéder 3000 signes, doivent être envoyées

avant le 15 mai 2014

aux adresses suivantes :

Elles comprendront le nom de l’auteur.e et son rattachement institutionnel, un titre, un résumé de la communication et quelques références bibliographiques (5 à 10). Merci d’envoyer vos propositions au format word 2004 (.doc).

Les notifications d’acceptation seront adressées aux auteur.e.s au plus tard le 30 mai 2014.

Organisateurs 

  • Keivan Djavadzadeh, LabTop / Université Paris 8
  • Pierre Raboud, IHES / Université de Lausanne

Modalités pratiques d’évaluation des propositions de contribution

Les propositions de contributions seront évaluées et sélectionnées par le comité scientifique composé de Keivan Djavadzadeh (LabTop / Université Paris 8) et Pierre Raboud (IHES / Université de Lausanne)

Références :

  • ADORNO, Theodor et Max HORKHEIMER, La dialectique de la raison, Paris, Gallimard, 1983.
  • BARTHES, Roland, Mythologies, Paris, Éditions du Seuil, 1970.
  • BHABHA, Homi, Les lieux de la culture – Une théorie postcoloniale, Paris, Payot, 2007.
  • BUTLER, Judith, Le pouvoir des mots – Politique du performatif, Paris, Éditions Amsterdam, 2004.
  • BUTLER Judith, Ernesto LACLAU et Slavoj ZIZEK, Contingency, Hegemony, Universality. Contemporary Dialogues on the Left, Londres, Verso, 2000.
  • DE CERTEAU, Michel, L’invention du quotidien 1 – Arts de faire, Paris, Gallimard, 1990.
  • GILBERT, Jeremy et Ewan PEARSON, Discographies, dance music, culture and the politic of sound, Londres, Rootledge, 1999.
  • GLEVAREC, Hervé, Éric MACÉ et Éric MAIGRET, Cultural Studies – Anthologie, Paris, Armand Collin, 2008.
  • GRAMSCI, Antonio, Guerre de mouvement et guerre de position – Textes choisis et présentés par Razmig Keucheyan, Paris, La Fabrique, 2011.
  • GROSSBERG, Lawrence, We gotta get out of this place, New York, Routledge, 1992.
  • HALL, Stuart et Tony JEFFERSON, dir., Resistance through Rituals – Youth subcultures in post-war Britain, Londres, Routledge, 2004.
  • HALL, Stuart, Identités et cultures – Politiques des cultural studies, Paris, Éditions Amsterdam, 2008.
  • HALL, Stuart, Identités et cultures 2 – Politiques des différences, Paris, Éditions Amsterdam, 2013.
  • HEBDIGE, Dick, Sous-culture – Le sens du style, Paris, La Découverte, 2008.
  • LAURETIS (de), Teresa, Théorie queer et cultures populaires. De Foucault à Cronenberg, Paris, La Dispute, 2007.
  • SCOTT, James, La domination et les arts de la résistance, Paris, Amsterdam, 2008.
  • SPIVAK, Gayatri, Les subalternes peuvent-elles parler?, Paris, Amsterdam, 2009.

Frontières de la chronique

 La revue portugaise d’études françaises Carnets lance un appel à communication intitulé : « Frontières de la chronique ». Cette proposition nous invite ainsi à réfléchir à un genre se situant, aux dires de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous, « entre la mémoire de longue durée, la peinture du passage du temps et la saisie du moment ». Et même si ne sont ici mentionnées (flagrant manque d’imagination) que des formes textuelles, il est toutefois possible de s’intéresser aux formes graphiques de ce singulier exercice constituant finalement des récits par le moyen d’un « passage » et de moments. Il serait par exemple possible de s’intéresser, dans une optique « historique », au Feuilleton du siècle de Willem publié aux éditions Cornelius, mais également à l’œuvre singulière de Guy Delisle. Shenzhen, Pyongyang ou Mémoires de Jérusalem semblent en quelque sorte incarner la quintessence de la chronique, et ce dernier exemple notamment pose un problème des plus intéressants. Si l’auteur s’empare d’un sujet grave, c’est en effet à travers un récit pour le moins étonnant : celui d’un personnage-narrateur qui n’est finalement que de passage et semble découvrir, sans cesse curieux et étonné, les mœurs et coutumes de contrées ravagées par la guerre. Touriste plus que témoin, observateur plus qu’acteur, débonnaire plus qu’en colère : se situant aux antipodes de la position d’une Joe Sacco traitant du même sujet, cette étonnante position est peut-être au plus proche de la forme de la chronique et sa forme graphique (proche de la caricature) mériterait certainement d’être explorée plus avant. Nos lecteurs seront libres d’explorer ou non cette piste avant le 15 mai prochain.

Frontières de la chronique

Carnets, revue électronique d’études françaises

Carnets — French studies e-journal

*  *  *

 

Issue du rapport entre la parole et le temps et, plus spécifiquement, du déplacement du réel dans l’écriture, la chronique est partagée entre la mémoire de longue durée, la peinture du passage du temps et la saisie du moment.

Portant sur la conscience du temps qui passe ou la mise en évidence de l’actualité et du quotidien, mais aussi bien sur la quête des origines et la mythification de l’histoire, la chronique littéraire est un genre qui ne cesse d’évoluer et de s’adapter aux mutations des perceptions du temps. De la représentation d’un temps chronologique et de l’enregistrement des faits historiques, pour la glorification du présent (ainsi, par exemple, dans les grandes chroniques ou les chroniques à portée plus biographique ou mémorialiste du Moyen Age), à l’instantané de la pensée et de la vie, qui fait de ce genre celui de l’expérience personnelle; de la subjectivité du regard sur le temps aux perceptions partagées du monde, dans les correspondances ou la presse; entre l’érudition et la conversation; entre l’éloge des patrons et des commanditaires ou le mécénat ; entre une fonction sociale de grande portée et la consommation de masse; de la forme indépendante à l’insertion ou à l’adaptation à d’autres formes génériques; la chronique est un genre infiniment malléable et hybride où se mêlent le fait et la subjectivité de celui qui témoigne de son temps, le souci du réel et la critique.

S’agit-il d’écrire le temps du monde ou le temps du moi? La chronique est-elle un genre littéraire ou historique? Ou ne serait-elle pas plutôt une forme transgénérique, témoin paradigmatique de l’éclatement des genres? Quelles sont les fonctions de la chronique? Quelles en sont les formes, les métamorphoses ou les déformations?

Que vous soyez spécialiste de littérature française médiévale, classique, romantique, réaliste ou surréaliste, ce genre ne saurait manquer de vous concerner et de vous interpeller, car il traverse toutes les époques et tous les courants.

Nous vous invitons donc à réfléchir à la chronique en tant que genre littéraire et à ses frontières avec d’autres genres et même d’autres domaines tels que l’histoire, le journalisme ou la critique, selon différents axes thématiques ou formels. Il s’agirait ainsi:

Soit de proposer une réflexion théorique sur la chronique en tant que genre littéraire, en posant la question de son statut et de ses frontières avec d’autres genres, comme l’essai, les genres épistolaires, voire avec des genres plus fictionnels comme le conte, la nouvelle ou le feuilleton littéraire ; sans négliger sa remarquable capacité d’intégration à d’autres genres tels que le roman, ou même la poésie, le poème en prose en particulier.
Soit de vous intéresser à la chronique à des époques singulières : Moyen Age (les Chroniques, les Chroniqueurs…) ; XVIème siècle (Chroniques Gargantuines, Essais de Montaigne, littérature populaire…) ; XVIIème siècle (Lettres de Mme de Sévigné, Mémoires de Saint-Simon…) ; XVIIIème siècle (critique d’art de Diderot, écrits de toute sorte des philosophes…) ; XIXème siècle (révolution du genre avec le développement sans précédent de la presse et de la critique) ; et, bien évidemment, les XXème et XXIème siècles, que l’on peut considérer comme un nouvel âge d’or de la chronique.

Modalités de soumission

Taille des articles: maximum 40.000 caracteres (espaces inclus)

Délai de soumission des propositions d’articles : 15 mai 2014

Organisation: APEF (Association Portugaise d’Études Françaises)

Contact: carnetsapef@gmail.com

Protocole de rédaction avec les consignes de mise ne page