Les écrans mobiles. Création, édition et lecture sur tablettes et smartphones

Plusieurs chercheurs de l’université de Poitiers lancent un appel à communication intitulé : « Les écrans mobiles. Création, édition et lecture sur tablettes et smartphones ». Cette proposition, qui débouchera sur un colloque organisé les 13 et 14 juin prochain, est susceptible d’intéresser les chercheurs travaillant sur le graphisme et la bande dessinée, car l’axe d’étude qui est ici retenu pose un problème de taille : celui de la lecture et de son évolution. On peut en effet se demander si là ne réside pas en effet la principale innovation de ces technologies numériques : redéfinir non un mode de création, mais bien plus un mode de réception des œuvres. Dans le cadre d’applications comme Marvel Comics ou BDBuzz, les différents travaux présentés ne sont ainsi pas altérés pour une lecture à l’écran, mais le lecteur dispose par contre de nouvelles possibilités de mobilité qu’il est susceptible d’explorer. La lecture peut ainsi se faire selon plusieurs modalités : de « case en case » sur le mode d’un flux d’image rappelant le cinéma, avec apparition de la planche (ou non) afin de prendre connaissance de l’ensemble de la structure narrative… Nous sommes en tout cas dans un tout autre cadre que celui qu’offre le papier et son intangible ordonnancement et cette situation ne va pas sans poser problème. Regroupés au sein d’une pétition (« L’appel du numérique ») diffusée en 2010 et ayant fait grand bruit, nombre d’auteurs posent ainsi directement la question : « Prenons une question simple, en apparence. « Diffuser une bande dessinée sur un téléphone portable, ou sur un écran d’ordinateur, est-ce que c’est diffuser l’ouvre originale… son adaptation ? une ouvre dérivée ? ». Rien que sur cette question, aucun des acteurs du livre ne donne la même réponse ». Il s’agira, pour tous ceux qui entendent relever le défi, d’esquisser celle-ci avant le 24 mars prochain.

 

Les écrans mobiles. Création, édition et lecture sur tablettes et smartphones

Les tablettes numériques et smartphones connaissent actuellement un vif succès commercial et médiatique. Ces supports mobiles sont en train de changer les expériences de création et de lecture. Or si ces supports sont souvent évoqués, on prend peu de temps pour décrire, analyser leurs contenus, leurs caractéristiques littéraires, artistiques, hypermédiatiques, pédagogiques, etc.

Si toute oeuvre ne peut exister sans support, les contenus sont aussi la raison d’être de ces supports. Nous aimerions donc nous intéresser aux contenus idoines qui y sont déployés : ce que certains appellent « les livres enrichis » ou « augmentés », mais aussi les applications. Comment appréhender et décrire ces contenus ? Comment sont-ils créés ? Comment les publie-t-on ? Comment les lit-on ? Nous nous concentrerons sur tous ces aspects depuis leur création jusqu’à leur réception.

 

Les écrans tactiles mobiles seront abordés en tant que dispositifs techniques au sein desquels de nouvelles oeuvres sont proposées et autour desquels de nouvelles pratiques de lecture s’organisent. Il s’agit en effet d’interroger les transformations, les usages et les pratiques de création, d’édition et de lecture des oeuvres proposées sur ces supports numériques. Il s’agira bien de prendre le parti de percevoir aussi ces contenus comme des oeuvres, d’en faire des analyses littéraires en même temps que médiatiques, à l’image de ces MSA, « média specific analysis »[1], réalisées par Katherine Hayles.

 

Il conviendra de concevoir et d’interroger ces oeuvres non plus seulement en regard des pratiques littéraires liées au livre, mais aussi en regard des pratiques hypermédiatiques liées à l’écran d’ordinateur, cet écran que Gervais et Archibald qualifient de « relié »[2]. Quelle spécificité de la lecture sur écran tactile, par rapport à l’écran relié que nous avions connu jusque-là ? Comment les oeuvres sur tablette ou pour smartphone s’inscrivent (ou non) dans la lignée des réflexions sur les hypertextes et les hypermédias amorcées depuis le début des années 90 ? Ne serait-il pas plus juste de parler d’oeuvres hypermédiatiques pour écran tactile ?

 

Ce colloque, accordera une part importante aux pratiques, aux expériences de création auctoriale ou éditoriale et de réception.

 

Quelques axes :

 

Ergonomie : postures, gestes, mouvements, oeil

 

  • Quelle(s) posture(s) ? Quels gestes (tapoter, pincer, glisser) ? Quelles manipulations ? quelles sont les modalités de leur appropriation par le lecteur ?

 

  • Quels sont les changements opérés dans par ce passage à l’écran tactile ? On peut déjà remarquer que les tablettes et les smartphones sont plus mobiles et proposent un retour à une posture physique de lecture proche de celle du livre imprimé.

 

  • Aujourd’hui le confort visuel ne paraît plus un obstacle, lire sur tablettes etsmartphones est devenu aisé. Toutefois ces supports, contrairement aux liseuses ne sont pas exclusivement dédiés à la lecture. Quel est l’impact de cette pluralité d’usages possibles sur les modes de lecture, mais aussi de création ?

 

  • Quel enjeu pour le « portatif » et le « nomadisme » (au niveau de la création comme de la réception) ?

 

Poétique des oeuvres sur écrans mobiles et lecture soutenue

 

  • Quelles poétiques des textes sur tablette ? quelles esthétiques des oeuvres ? Quel enjeu pour le statut de l’oeuvre ? et pour le statut d’auteur (l’oeuvre étant souvent le résultat d’un travail collaboratif avec un technicien).

 

  • Une typologie des oeuvres sur écrans tactiles mobiles est-elle déjà possible ? Quels outils théoriques et quel vocabulaire pour les appréhender ?

 

 

  • Les « livres enrichis » et autres applications rendent-ils possible une lecture extensive, studieuse, soutenue ? ou relèvent-t-ils du divertissement ? Les rapides évolutions technologiques et ergonomiques permettent-elles déjà d’envisager la possibilité d’une lecture longue et intensive que l’on jugeait contradictoire avec la lecture sur écran il y a quelques années.

 

 

  • En quoi ces oeuvres permettent de (re)donner vie à d’autres formes de littérature et d’autres modes de lecture qui ne se réduisent pas à celles et ceux qui ont été canonisés – la grande littérature, la « lecture pure » de Bourdieu.

Quel impact sur les formes de narration et de lecture ? au niveau de la création, de l’édition (nécessité d’un paratexte ?) et des expériences de lecture ? On peut par exemple noter la résurgence du format feuilleton. Ainsi, Paul Fournel remarque que le numérique permet de« redonner vie à des formes dont le papier ne veut pas ou ne veut plus, et que les éditeurs boudent»[3]; et il précise : Si tous les matins, on peut recevoir par abonnement un bon poème sur son iPhone, qui dit quon ne prendra pas lhabitude de le lire dans le métro ? Idem pour les nouvelles, qui trouveraient bien leur place dans un abonnement quotidien. »

 

  • Si la littérature dite jeunesse s’est emparée du support, il n’en est pas de même de la littérature dite générale. Pourquoi ?

 

 

Quels lecteurs pour les écrans tactiles mobiles ?

 

  • L’aspect non-dédié peut être aussi vu comme un moyen pour la littérature d’aller chercher des nouveaux lecteurs là ou ils sont, c’est-à-dire devant leur téléphone, connectés[4] : “Le Net permet de toucher des gens qui ne sont pas dans la sphère littéraire.” [5]

 

  • Des lectures impromptues ou improvisées en fonction du contexte sont alors permises par le fait que nous avons toujours ces supports potentiels de lecture sur nous.  Expériences de lecture / géolocalisation.

 

  • Alors que la lecture des oeuvres classiques liées à ce que Dubuffet nommait « l’asphyxiante culture », aux « belles lettres », à une littérature qui sert à l’apprentissage (lecture méthodique et intensive scolaire), considérée comme légitime, est en perte de vitesse, quels « nouveaux contrats de lecture »[6] les smartphones et tablettes vont-ils faire émerger ? Qu’ont-ils de spécifique au regard de ceux proposés par les autres écrans ?

 

  • Quel plaisir (du texte et/ou du dispositif) à la lecture de ces oeuvres ?

 

Informations pratiques

 

Le colloque aura lieu les 13 et 14 juin 2014, en lien avec l’opération Lire, penser, écrire, conserver dans un monde numérique, organisée par le Centre du Livre et de la Lecture en Poitou-Charentes (http://www.livre-poitoucharentes.org/),  du 11 au 14 juin 2014.

 

Les propositions de communication devront être envoyées par mail à Anaïs Guilet (anais.guilet@univ-poitiers.fr) avant le 24 mars 2014.

Date de réponse pour les communications sélectionnées : 1er avril 2014

 

Organisateurs du colloque : Anaïs Guilet (ATER à l’université de Poitiers, docteure en littératures comparées), Stéphane Bikialo (Maître de conférences en langue et littérature françaises contemporaines à l’université́ de Poitiers), Martin Rass  (Maître de conférences en langue et civilisation allemande) et les étudiants du Master LiMés (livres et médiations)

URL de référence : http://ll.univ-poitiers.fr/masterlivre/

Adresse : UFR Lettres et Langues de ’’Université de Poitiers, 1, Rue Raymond Cantel, Bât A3, 86022 POITIERS CEDEX

Partenaires : Le Centre du Livre et de la Lecture en Poitou-Charentes, La Médiathèque François Mitterrand de Poitiers, le Laboratoire FoReLL, le laboratoire Techné, ’’UFR Lettres et Langues de ’’Université de Poitiers.

 

 

 

 

[1] Katherine N. Hayles, Writing Machines. Cambridge (Mass.); Londres : MIT Press, 2002.

[2]Samuel Archibald, décrit ’’écran relié comme «(…) un écran modifiable en temps réel, qui ’’appuie sur des technologies ’’inscription numériques et permet ’’accès aux différents réseaux »,  Archibald, Samuel. Le texte et la technique. Montréal : Le Quartanier, 2009, p. 160.

[3] Yves Pagès in Christine Ferniot et Marine Landrot, «Littérature et numérique : quand ’’écrit invente son avenir », Télérama n° 325609 juin 2012, en ligne :http://www.telerama.fr/livre/litterature-et-numerique-quand-l-ecrit-s-invente-un-avenir,82561.php, consulté le 10 décembre 2013.

[4] Au dernier trimestre 2012, 70,5 millions ’’abonnements à un forfait de téléphonie mobile étaient ouverts en France, pour une population ’’environ 65 millions ’’habitants en France.

[5] Yves Pagès, op.cit. En 1997, dans Les Pratiques culturelles des Français : Enquête 1997, Olivier Donnat notait que si la pratique de lecture ne baisse pas (progression des « pratiques audiovisuelles domestiques » : « les Français passent, en effet, autant de temps q’’avant à lire. Mais ils ne lisent pas les mêmes contenus sur les mêmes supports »), on constate une érosion de la lecture assidue et régulière de livres. Cf. La Documentation française, 1998. En ligne :http://www.pratiquesculturelles.culture.gouv.fr/enquetes.php, consulté le 14 janvier  2014.

[6] Claire Belisle (dir.). Lire dans un monde numérique. Presses de ’’ENSSIB, 2011, p. 153.

 

 

Responsable : Guilet Anaïs, Stéphane Bikialo, Martin Rass et Master Limés

 

Url de référence :
http://ll.univ-poitiers.fr/masterlivre/

 

Adresse : UFR Lettres et Langues de ’’Université de Poitiers, 1, Rue Raymond Cantel, Bât A3, 86022 POITIERS CEDEX

 

Autorité et collectivité : troisième séance du Groupe de REcherche sur le Neuvième Art

 Le groupe de recherche dont nous annoncions la création dans un précédent billet s’est désormais doté d’un nom : le GRENA, pour Groupe de Recherche sur le Neuvième Art. Il s’est réuni pour la troisième fois le 12 février à la Maison de la Recherche de l’université Paris 4 en présence de six enseignants-chercheurs (Benoît Berthou, Simon Bréan, Jacques Durrenmatt, Xavier Hébert, Florence Mercier Leca et Véronique Gély) et de six doctorants (Benjamin Caraco, Maria Clara Carneiro, Adrien Genoudet, Catherine Mao, Côme Martin et François Poudevigne). Bien structuré (puisqu’il comporte à la fois des universitaires en poste et de jeunes chercheurs), le groupe a réfléchi à la mise en place de ces premiers projets : deux journées d’étude qui auront lieu en novembre 2014.

La première d’entre elles sera consacrée à la représentation de l’écrivain dans la bande dessinée (le titre n’étant pas encore défini) et plusieurs axes de réflexions ont été envisagé : « image d’une figure de l’écrit » (susceptible d’accueillir des réflexions sur les portraits dessinés d’écrivains), « Figurer/défigurer l’écrivain » (réflexions sur la satire et la caricature de l’écrivain), « Auteur et personnage » (se proposant de représenter les relations parfois problématiques qu’entretiennent créateurs et créatures) et enfin « Dessiner le texte littéraire » (s’interrogeant sur les modalités de représentation du livre et du manuscrit).

Le second axe notamment a fait l’objet de discussions et plusieurs œuvres ont été évoquées : pensons à Georges et Louis de Daniel Goosens (auquel Thierry Groensteen consacre un article dans neuvième art 2.0), à Barbara de Tezuka (au sein duquel un écrivain s’entiche d’une encombrante muse lui devenant peu à peu indispensable), à Nénéref de Vincent Sardon (qui caricature impitoyablement les plus grands noms de la littérature française) ou encore à Catherine Meurisse (qui fait de même avec Mes hommes de lettres). Pour le premier axe, le cas du Pinocchio de Winshluss a été également envisagé (puisque, dans cet album muet, seul un personnage d’écrivain a droit à la parole). Réel intérêt et références sont là, soient de nécessaires fondations pour un travail approfondi.

La seconde journée d’étude sera consacrée à l’axe que s’est choisi le groupe : développer une approche stylistique de la bande dessinée. Deux questions ont été notamment envisagées, celle des « styles collectifs » que l’on peut définir (d’après les discussions et en laissant aux présents le soin d’amender la formulation si nécessaire) comme des procédés graphiques communs à plusieurs auteurs et structurants. Ont été notamment évoqués la « ligne claire », les styles « réaliste », « gros nez » ou encore l’École de Chicago qui constituent des repères indéniables dans l’histoire du neuvième art, y compris pour certains auteurs qui n’ont pas hésité à les pasticher ou à les parodier (le cas de Floc’h et Rivière fut ainsi évoqué).

La discussion s’est dès lors assez vite orientée autour de la notion de « collectivité » et le second axe de la journée (« Style et genres ») a donné lieu à de nombreuses réflexions. Peut-on parler d’un style « historique », d’un style de « Science Fiction », etc. ? Les difficultés qui ont immédiatement surgi ont conduit à resserrer la réflexion sur le rôle joué par les collections (les cas de Poisson pilote ou de Néopolis ont été notamment évoqués), ou les maisons d’édition (existe-t-il un style Association ?), mais à envisager le rôle joué par tel ou tel procédé (le style documentaire se fondant sur la réappropriation d’un ensemble iconographique) ou telle ou telle technique (peut-on parler du style d’un coloriste ?).

Faut-il en rester aux « genres » ou privilégier ces approches plurielles ? La question n’a pas été tranchée, mais elle a permis de faire émerger un objet de pensée qui n’est d’ailleurs pas sans lien avec la première journée d’étude : l’autorité, ou plus exactement la définition de certaines figures ou pratiques de l’auctorialité ne se fondant pas forcément sur une individualité, mais sur une communauté (communauté de réception à travers un lectorat, communauté de production à travers une division du travail entre dessinateur, scénariste, etc.). Interroger le cas d’auteurs ayant fait école et étant presque devenus de facto « collectifs » (pensons à Franquin, au Loisel de La Quête de l’oiseau du temps ou encore à Chris Ware) ou de personnages devenant le point nodal d’une communauté éditoriale (à l’instar de Spirou ou Valérian qui font l’objet de séries « par… » d’autres auteurs que leurs créateurs) permettrait sans aucun doute de l’avis général d’explorer plus avant cette piste de travail et c’est sur cette belle idée que s’est achevée la séance.

La guerre d’Espagne, entre vide et trop plein

Plusieurs jeunes chercheurs ( Rocío Alcalá del Olmo, Jonathan Barkate, Morgane Dubos, Lise Fournier, Pierre-Mendel Guei et Nawel Sebih) de l’université Paris Est lancent un appel à communication intitulé : « La guerre d’Espagne, entre vide et trop plein ». Cette proposition, qui porte sur l’une des plus funestes périodes du XXe siècle, est avant tout originale par son approche : « poser la question de l’excès, que celui-ci soit une vacuité exacerbée traduisant l’absence – figurale, mémorielle, architecturale ou verbale – ou un trop-plein marqué par une prise de position ou une sur-médiatisation de faits, d’acteurs et d’espaces ». Ces lignes semblent nous inviter à interroger ce que nous pourrions appeler la « justesse » d’un ensemble de représentations, et plus largement une capacité des images (en ce qui nous concerne) à prendre la mesure de l’Histoire à dépasser une « dichotomie entre défaut et excès et à se demander comment les artistes illustrent ou dépassent l’indicible et l’irreprésentable consécutifs au silence imposé aux vaincus ». La question semble on ne peut plus intéressante au regard du dessin et plus largement de la riche production graphique traitant de l’événement : pensons par exemple aux œuvres d’Antonio Hernandez Palacios (Eloy, 1936), de Carlos Gimenez (Les Temps mauvais), Antonio Altarriba et Kim (L’Art de voler) ou encore de Vittorio Giardino (No passaràn). Un cas pourrait notamment retenir l’attention de nos lecteurs : celui des Phalanges de l’ordre noir d’Enki Bilal et Pierre Christin qui inscrit d’emblée la Guerre d’Espagne dans le temps (puisqu’il relate les actions d’un groupe de vétérans des Brigades Internationales). Nous laissons à nos lecteurs le soin de consulter tous ces livres, et de compléter cette liste, avant le 30 mai prochain.

Par son déchaînement de bruit et de fureur, la guerre d’Espagne a affecté les acteurs du conflit aussi bien que ses victimes et ses témoins, entraînant l’intervention de puissances étrangères, l’engagement d’intellectuels du monde entier et l’exode massif de citoyens espagnols. Son retentissement a été tel qu’elle a inspiré une définition officielle de la notion de guerre civile lors des conventions de Genève de 1949 afin de combler un vide juridique et de définir un cadre légal qui protège les civils des excès de ce type d’affrontement. Ces dernières années, la guerre civile espagnole a été étudiée sous différents angles, mais jamais ses représentations n’ont été analysées dans une perspective pluridisciplinaire qui s’attache au traitement de l’espace et des acteurs en mettant en regard tout ce qui a, intentionnellement ou non, disparu, laissé une trace ou été surexposé. Penser la guerre d’Espagne revient à poser la question de l’excès, que celui-ci soit une vacuité exacerbée traduisant l’absence – figurale, mémorielle, architecturale ou verbale – ou un trop-plein marqué par une prise de position ou une sur-médiatisation de faits, d’acteurs et d’espaces.

 

Argumentaire

Par son déchaînement de bruit et de fureur, la guerre d’Espagne a affecté les acteurs du conflit aussi bien que ses victimes et ses témoins, entraînant l’intervention de puissances étrangères, l’engagement d’intellectuels du monde entier et l’exode massif de citoyens espagnols. Son retentissement a été tel qu’elle a inspiré une définition officielle de la notion de guerre civile lors des conventions de Genève de 1949 afin de combler un vide juridique et de définir un cadre légal qui protège les civils des excès de ce type d’affrontement.

Ces dernières années, la guerre civile espagnole a été étudiée sous différents angles, mais jamais ses représentations n’ont été analysées dans une perspective pluridisciplinaire qui s’attache au traitement de l’espace et des acteurs en mettant en regard tout ce qui a, intentionnellement ou non, disparu, laissé une trace ou été surexposé. Penser la guerre d’Espagne revient à poser la question de l’excès, que celui-ci soit une vacuité exacerbée traduisant l’absence – figurale, mémorielle, architecturale ou verbale – ou un trop-plein marqué par une prise de position ou une sur-médiatisation de faits, d’acteurs et d’espaces. Cela conduit à interroger ce conflit selon la dichotomie entre défaut et excès et à se demander comment les artistes illustrent ou dépassent l’indicible et l’irreprésentable consécutifs au silence imposé aux vaincus, parfois par eux-mêmes, et comment urbanistes, géographes, historiens et sociologues en étudient les répercussions dans la société et dans l’espace espagnols à travers le temps. L’opposition entre vide et trop-plein sera en jeu pour observer les traces du conflit – conservées, effacées, intégrées aux paysages, recouvertes, exhumées –, dans les mémoires comme dans les espaces car la guerre a marqué le territoire espagnol autrement que par les bombardements ou les plaques commémoratives.

La géographie et l’urbanisme s’intéressent aux espaces non bâtis ou en déshérence, aux friches de toutes sortes et aux délaissés. Ces espaces de jonction ou de transition seront à analyser au regard des espaces surchargés de vestiges ou de constructions nouvelles à portée mémorielle, qui sont en rapport étroit avec l’histoire. En historiographie et en sociologie, le vide se pense en termes de disparition et de fluctuation des archives et des mémoires car ces sources d’informations sont soumises au temps, qui influence ou efface les souvenirs, qui escamote ou ressuscite les traces du passé. À l’inverse, le trop-plein tend vers la part subjective de ces deux sciences humaines qui peut les conduire à opérer des manipulations de la mémoire. En littérature et en cinéma, les rapports entre vide et trop-plein s’articulent autour de ce qui est tu ou caché, de ce qui est suggéré et de ce qui est nommé ou montré. La coupe, l’ellipse, le silence ou le déploiement d’une rhétorique prosélyte ont partie liée avec l’engagement, la censure, l’autocensure ou la propagande.

Au plan temporel, les questionnements porteront sur l’ancrage des représentations dans le moment de leur apparition. Publier une œuvre ou étudier un espace n’a en effet pas le même sens pendant la guerre d’Espagne, sous Franco, après sa mort en 1975 et depuis la ley de memoria histórica de 2007. Outre cette question du rapport entre les époques, il faudra se demander si l’éloignement temporel garantit un surcroît d’informations et une fiabilité accrue dans leur compte rendu ou s’il ouvre une porte plus grande à la fiction ou à la subjectivité partisane. L’engagement se retrouve dans les choix architecturaux et urbanistiques, qui découlent de décisions politiques, qu’il conviendra d’analyser. De même, l’histoire et la sociologie pourront s’intéresser auxacteurs et aux scènes de la guerre en fonction des études plus ou moins nombreuses dont ils ont fait l’objet, en se demandant par exemple comment s’opère la répartition entre les majorités combattantes et les minorités – combattantes ou civiles, les femmes notamment. Ces problématiques permettront de réfléchir aux notions liées à la mémoire et à l’oubli.

Le corpus tend à être protéiforme puisqu’il englobera des œuvres littéraires ou cinématographiques, aussi bien documentaires que fictionnelles, écrites ou tournées en espagnol, en français ou en anglais, ainsi que des projets d’aménagement urbains, des études historiques et sociologiques, sur la période allant de 1936 à 2014.

 

Organisation

Organisé par des doctorants soutenus par des enseignants-chercheurs titulaires, ce colloque s’inscrit dans le cadre du Programme Jeunes Chercheurs de l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée. Cet appel s’adresse prioritairement aux doctorants et aux jeunes docteurs, mais il n’est en rien exclusif et peut tout à fait susciter des propositions d’enseignants-chercheurs soucieux d’enrichir le projet. Le caractère pluridisciplinaire du colloque n’exclut a priori aucune discipline, à condition que la proposition s’inscrive dans les cadres définis ici.

 

Modalités de soumission

  • Accompagnées d’une courte notice bio-bibliographique, les propositions de communications (3 500 signes, espaces comprises) doivent être envoyées avant le 1er avril 2014 aux organisateurs (pjc.guerre.espagne@gmail.com).
  •  Elles seront examinées et sélectionnées avant le 30 mai 2014. À l’issue du colloque, la publication est prévue pour le printemps 2015 dans la revue en ligne du LISAA : « Arts et Savoirs » (http://lisaa.u-pem.fr/arts-et-savoirs/).
  •  Les communications en espagnol et en anglais seront acceptées mais devront être accompagnées d’un résumé en français pour la publication.

 

Comité scientifique

  • Nancy Berthier
  • Laurent Coudroy de Lille
  • Jean-Yves Guérin
  • Georges Lomné
  • Gisèle Séginger

 

Informations complémentaires

  • Le transport et l’hébergement seront à la charge des participants ou de leur laboratoire de rattachement. Les repas de midi et les collations seront pris en charge par l’équipe organisatrice pour tous les participants.
  •  Date et lieu : Université Paris-Est Marne-la-Vallée, jeudi 26 et vendredi 27 février 2015

 

Contacts

  • Programme Jeunes Chercheurs coordonné par Rocío Alcalá del Olmo, Jonathan Barkate, Morgane Dubos, Lise Fournier, Pierre-Mendel Guei et Nawel Sebih.
  •  LISAA (Littératures, Savoirs et Arts – EA 4120), Université Paris-Est Marne-la-Vallée – 5 boulevard Descartes – Champs-sur-Marne, France (77420)
  • Jonathan Barkate
    • courriel : pjc [dot] guerre [dot] espagne [at] gmail [dot] com

Le cri dans les arts ou la littérature, ou l’intime inarticulé

Valérie Morisson (auteur d’un article publié dans Comicalités) et Paloma Bravo de l’université de Bourgogne lancent un appel à communication qui débouchera sur une journée d’étude organisée en novembre prochain à Dijon. Intitulée « Le cri dans les arts ou la littérature, ou l’intime inarticulé », nous ne sommes pas du tout certain que cette proposition rentre dans le champ scientifique que nous avons à cœur d’explorer et que les intuitions qu’expose ce billet correspondent au projet des organisateurs. Nous souhaitons néanmoins relayer cet appel à communication car il nous semble poser un problème des plus intéressantes, notamment dans le cas de la bande dessinée. « Transgressif et bestial », rompant « avec l’ordre et la beauté, donnant à voir un visage défiguré ou un corps contorsionné », le cri est en effet central dans nombre d’œuvres appartenant au neuvième art : pensons par exemple à l’Akira de Katsuhiro Otomo dans lequel l’action semble progresser à coup de cri d’effroi, les divers personnages étant de façon récurrente représentés bouches ouvertes et yeux écarquillés, comme saisis par l’effroi. Structurant au niveau d’une narration, le cri l’est également sur un plan strictement graphique : tel semble être le cas dans un autre manga, Dragon Ball, au sein duquel les innombrables scènes de bagarre sont dessinées à grands renforts d’onomatopées. Les différents personnages sont couramment représentés bouche ouverte, criant, alors que le fond de la case est occupé par d’immenses caractères japonais conférant à leurs cris de rage ou de douleur une forme monumentale. Le cri définit alors un mode d’écriture (qui pose d’ailleurs problème au niveau de sa traduction), et il conviendra d’explorer cette piste (ou bien d’autres) avant le 15 mars prochain.

 

 

 

Le Cri dans les arts et la littérature, ou l’intime inarticulé

Journée d’étude organisée  à Dijon, le 21 novembre 2014 par le centre Interlangnes EA4182

Dans le cadre de ses recherches sur l’Intime, le Centre Interlangues Texte, Image, Langage de l’Université de Dijon organise une journée d’étude interdisciplinaire consacrée au cri dans les arts et la littérature. Qu’il surgisse dans le roman, le théâtre (Happy Days ou Breath de Beckett par exemple), l’opéra (Billy Bud de Benjamin Britten), dans la sculpture et la peinture (de Vélasquez, Goya, Caravage, Bacon ou Le Brocquy pour ne citer que quelques peintres), dans la performance (Sound Barrier de Vito Acconci et Jay Jaroslav en 1971 ou Freeing the Voice de Marina Abramovic en 1975) ou dans le domaine de la danse (chez Lia Rodrigues par exemple), le cri mène l’œuvre à un paroxysme. Bien plus qu’une simple expression de l’effroi, tel qu’on le trouve dans le genre de l’épouvante que nous ne souhaitons pas privilégier, le cri perturbe l’œuvre, la fait chavirer. Transgressif et bestial, il rompt avec l’ordre et la beauté, donnant à voir un visage défiguré ou un corps contorsionné, celui des harpies poussant des cris funestes et stridents. Opposé au chuchotement des confidences, le cri, bruyant, dérange et agresse au point qu’il faille parfois l’étouffer. Dans Le Théâtre de Séraphin, Artaud défini le cri comme « la plainte d’un abîme qu’on ouvre ».

C’est d’abord la place de ce surgissement paroxystique de l’intime inarticulé dans l’économie de l’œuvre que cette journée d’étude propose d’explorer. Son de l’excès et de la catharsis, oscillant entre lamentation funèbre et fureur, le cri d’un personnage ou d’un chœur tragique mène l’œuvre à un paroxysme. De quelles tensions naît le cri ? Pourquoi certaines émotions intimes, indicibles, inavouables,  refoulées ne peuvent s’exprimer que par le cri ?  Comment ses qualités acoustiques dialoguent-t-elle avec d’autres formes textuelles ou visuelles muettes ? La célèbre Gorgone de Caravage, comme le visage peint par Edward Munch, est figée dans un cri paradoxalement silencieux. On pourra s’intéresser à l’écho du cri dans l’œuvre : précède-t-il la réinstauration d’un ordre moral, sexuel, politique ou esthétique ou bien annonce-t-il un monde déréglé et dystopique ? Quel est son effet sur le spectateur ou le lecteur ? Le cri crée en effet un malaise en repoussant les limites du corps. N’oublions pas que le cri est avant tout un acte physique. Hélène Singer, dans  Expressions du corps interne considère le cri comme une déchirure du silence mais aussi comme une déchirure de la chair et de la terre. Le cri est un dévoilement du corps interne, « comme entrailles sonores ». Excès d’impudeur, exhibition sonore, le cri paraît obscène, rappelle Singer. Informe et laid, il est ce qui déborde.

Cette journée d’étude considèrera également le cri comme un acte de résistance rendant sonore ce qui ne peut s’entendre ou donnant voix et parole à ceux qui ne sont pas entendus. Crier peut conduire à se récrier. On s’interrogera sur la résonnance sociale du cri et la manière dont il fait retentir divers rapports de force. La bouche ouverte de Méduse, parfois comparée à un vagin, a inspiré plusieurs artistes femmes ou féministes. Le cri émane d’un corps mis à mal, insoumis et incompris proposant un langage a-normé, voire anormal qui défie les conventions. Qualifié de dégradant, d’inhumain ou de bestial, le cri s’oppose au discours civilisé. Le cri des peuples colonisés, perçu comme primal, le cri prétendument insensé des aliénés ou celui, asocial, des prisonniers, ne fait irruption que parce que l’intime et les émotions ont été bridés. Symptôme de multiples violences, le cri fait alors entendre tant la vulnérabilité des êtres que leur force de résistance.

Les propositions de communication de 350 mots environ doivent parvenir avant le 15 mars 2014 aux organisatrices : Paloma Bravo (Paloma.Bravo@u-bourgogne.fr) et Valérie Morisson (valeriemorisson@gmail.com).

Responsable : Paloma Bravo

Adresse : 40 avenue Victor Hugo21000 Dijon

La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ?

Colette Gauthier et Yannick Bellenger-Morvan lancent un appel à communication intitulé « La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ? » Débouchant sur un colloque à l’université de Reims-Champagne Ardennes, cette proposition nous propose d’interroger une foisonnante littérature de jeunesse selon un angle qu’esquisse l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous : « en tant que lieu privilégié de représentation et de reconnaissance de l’identité individuelle et collective. » Semblable approche ne manquera pas d’intéresser des chercheurs travaillant sur la culture graphique, tant celle-ci semble effectivement constituer un riche vecteur de « représentations ». Pour prendre un seul exemple, pensons par exemple à la Semaine de Suzette au sein de laquelle cohabitent des dessins nous semblant participer de la définition d’un « genre » (au sens où l’entendent les organisateurs) tels les patrons de la Poupée Bleuette permettant de constituer la garde-robe idéale de la petite fille modèle, mais également un ordre social ou national (avec notamment la publication de Bécassine). Semblable approche pourrait également être étendue à des supports permettant de prendre en compte la dimension résolument européenne de cette proposition (présentée en trois langues, signalons-le). Il serait à cet égard intéressant de prolonger les réflexions que développe Pascal Lefèvre au sein d’un article publié dans Comicalités en interrogeant le rôle de la bande dessinée dite « franco-belge » de l’après Seconde Guerre Mondiale dans la construction d’identités nationales et/ou d’une identité européenne. Voici en tout cas l’une des pistes qu’il s’agira d’explorer avant le 15 mars prochain.

 

La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ?

Colloque international et pluridisciplinaire

Université de Reims-Champagne Ardenne

Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues et la Pensée (CIRLEP) – EA 4299.

Axe de recherche RSTI

21-22 novembre 2014

(Déroulez la page pour les versions anglaises et allemandes)

***

La littérature pour la jeunesse :

vecteur d’une identité culturelle populaire ?

L’objet de ce colloque, volontairement pluridisciplinaire, est d’interroger la notion d’identité culturelle. Comment un peuple définit-il et élabore-t-il son identité? Il s’agit de déterminer les signes qui permettent l’identification à une culture populaire, qu’elle soit locale, nationale ou transnationale. La culture de caste et celle du genre sexuel relèvent pleinement de cette thématique.

Nous avons choisi de centrer notre réflexion autour de la littérature pour la jeunesse, dans ses différentes manifestations, en tant que lieu privilégié de représentation et de reconnaissance de l’identité individuelle et collective. Les communications s’articuleront autour des deux volets de la dialectique « instruire/pertir », dans un rapport non exclusif permettant les combinaisons les plus fécondes.

Le premier axe didactique s’appuiera sur une sélection non exhaustive de supports : récits moraux, miroirs, manuels et récits documentaires, comptines et chansons à visée éducative. À titre d’exemples, nous pensons au Tour de la France par deux enfants de G. Bruno ou aux Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants illustrées par Louis-Maurice Boutet de Monvel, dans le domaine francophone ; aux Lessons to Children d’Anna Laetitia Barbauld ou à la pédagogie de Maria Edgeworth dans le domaine anglophone ; à Das Glück der guten Erziehung du chanoine Schmid dans le domaine germanophone. Outre les œuvres classiques, les interventions pourront également porter sur la littérature pour la jeunesse d’aujourd’hui.

Le second axe récréatif s’intéressera aux récits d’aventures, aux robinsonnades et aux littératures de l’imaginaire. Quel est le rôle des romans de Jules Verne et de Joachim Heinrich Campe dans la construction d’une identité culturelle populaire ? Quelle part de subversion attribuer aux contes de George McDonald ? La littérature pour la jeunesse contemporaine, mondialisée et consommée en masse, offre-t-elle encore un terrain sur lequel bâtir une culture identitaire ?

La littérature patrimoniale, à la confluence des deux axes, occupera une place signifiante dans nos réflexions. Il s’agit bien de questionner les dispositifs idéologiques qui président à la construction et à l’affirmation du sentiment d’appartenance à une culture. Le corpus pourra être écrit, oral et/ou iconographique. Nous nous intéresserons autant à la norme qu’à sa subversion. On portera une attention particulière à la traduction intersémiotique et à la poly-exploitation de certaines œuvres pour la jeunesse : le passage de l’oralité à l’écriture, puis de l’écriture à l’image préserve-t-il ou aliène-t-il leur essence populaire (Volkstümlichkeit) ?

Nous refusons délibérément de restreindre notre problématique à une aire géographique et à des bornes temporelles prédéfinies afin de garantir la plus grande ouverture et amplitude possibles à nos travaux. Toutes les méthodes de recherche sont les bienvenues (linguistiques, littéraires, civilisationnelles, historiographiques).

Chaque intervention de 20 minutes sera suivie de 10 minutes de discussion. Les langues du colloque sont le français, l’anglais et l’allemand, afin de permettre aux chercheurs d’Europe de l’Est de prendre part à notre réflexion.

Comité d’organisation : Colette Gauthier (CERHIC) – Yannick Bellenger-Morvan (CIRLEP).

Merci d’envoyer vos propositions de communication de 300 mots maximum avec une courte notice biographique, avant le 15 mars 2014, à Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr) ET Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr).

***

CFP: « Literature for Children and Popular Cultural Identity »

Rheims University – 21-22 November 2014

The purpose of this international and interdisciplinary conference is to question the notion of cultural identity. How does a people define and design its identity? Our ambition is to determine what signs make identification to a local, national and transnational culture possible. In that respect, focusing on gender and caste cultures may also be relevant.

We have deliberately centred our questioning on children’s literature, which, in its multifarious forms, is a privileged space for representing and recognising collective and individual identity. Papers will embrace both aspects of the dialectic of instruction and entertainment, in a non-exclusive approach allowing the most innovative combinations.

The didactic axis will focus on a non-exhaustive selection of texts: moral tales, mirrors for princes, textbooks and documentaries, nursery rhymes and educational songs. The following works might be cited as examples: G. Bruno’s Tour de la France par deux enfants as well as Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants illustrated by Louis-Maurice Boutet de Monvel, in France; Anna Laetitia Barbauld’s Lessons to Children in Great Britain; Das Glück der guten Erziehung by Canon Schmid in Germany. Besides classical novels, proposals may also bear on today’s literature for children.

The recreational axis will deal with tales of adventures and fantasy stories. What part is played by Jules Verne’s and Joachim von Campe’s novels in the making of a national cultural identity? To what extent are George McDonald’s fairy tales subversive? Is today’s globalised and mass-consumed children’s literature still offering the fertile ground on which some form of common popular culture can be built?

Merging both axes, national or « legacy » literature will be granted significant weight in our considerations. The aim is to examine the ideological mechanisms presiding over the construction and assertion of some sense of belonging to one particular culture. The corpus may refer to oral, written and/or visual documents. The papers may focus on norms as much as on their subversion. Close attention will be paid to the inter-semiotic translation and poly-exploitation of stories for children: does the shift from the oral tale to the written text and, later, from the written text to the picture book preserve or alienate their popular essence (Volkstümlichkeit)?

We have deliberately refused to restrict our research to one specific geographical area or one specific period so the papers may tackle a wide range of topics. All methods of research are welcome and may cover fields as varied as linguistics, literature, civilisation, historiography.

Each 20-minute paper will be followed by a ten-minute discussion. The languages spoken are French, English and German, to allow Eastern European researchers to fully take part in the event.

Please send your proposals to both Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr) and Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr).

Each proposal should mention:

Your name

Your Email address

Your university

The title of your paper

A 300-word abstract

A short biographical note

Deadline for sending proposals: March 15th, 2014

Answers: April 5th, 2014

***

Die Jugendliteratur : Vehikel einer volkstümlichen kulturellen Identität

Universität Reims-Champagne Ardenne
21. und 22. November 2014

Ziel dieses Kolloquiums, welches bewusst multidisziplinär gestaltet ist, wird es sein, den Begriff kulturelle Identität zu hinterfragen. Auf welche Weise definiert und entwickelt ein Volk seine Identität ? Dabei gilt es, die Merkmale zu bestimmen, welche eine Identifizierung mit einer lokalen, nationalen oder aber transnationalen volkstümlichen Kultur ermöglichen. Die Kultur der Kasten und die des biologischen und sozialen Geschlechts lassen sich vollumfänglich dieser Thematik zuordnen.

Wir haben uns entschieden, unsere Fragestellungen auf die vielgestaltige Jugendliteratur zu beschränken, welche in ihren unterschiedlichen Ausprägungen ein bevorzugtes Feld der Darstellung und Wiedererkennung individueller und kollektiver Identität ist. Die zu untersuchenden Texte lassen sich um die zwei dialektischen Aspekte „Belehren und Unterhalten“ anordnen, welche in einem nicht ausschließlichen Verhältnis möglichst fruchtbare Kombinationen zulassen sollten.

Der erste, didaktische Aspekt wird auf einer nicht abschließende Auswahl an Texten stützen: moralisch geprägte Berichte, Spiegel, dokumentarische Berichte und Handbücher, Kinder- sowie erzieherische Lieder. Als Beispiele für den französischen Sprachraum seien genannt „Tour de la France par deux enfants“ von G. Bruno oder „Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants“ herausgegeben von Louis Maurice Boutet de Monvel; für den angelsächsischen Sprachraum „Lessons to Children“ von Anna Laetitia Barbauld oder aber die Pädagogik von Maria Edgeworth, sowie für den deutschen Sprachraum „Das Glück der guten Erziehung“ des Domherrn Schmidt. Neben den klassischen Werken wird ebenfalls auch zeitgenössische Literatur verwendet werden.

Der zweite, unterhaltende Aspekt wird sich mit Abenteuergeschichten, Robinsonaden und Fantasiegeschichten befassen. Welche Rolle spielen die Romane von Jules Verne und von Joachim Heinrich Campe in der Konstruktion einer volkstümlichen kulturellen Identität ? Welchen Beitrag leisten die Erzählungen von George McDonald zur Subversion? Bietet die zeitgenössische Jugendliteratur, welche weltweit verbreitet und von Massen gelesen wird, noch eine Grundlage, auf welcher eine kulturelle Identität aufgebaut werden kann ?

Im Schnittpunkt der beiden Aspekte werden die literarischen Überlieferungen in ihren vielfältigen Ausdrücken – Sagen- und Märchenschatz, mündliche Literaturformen, Bilderbogen … ; das Korpus  kann nämlich schriftlich, mündlich oder ikonographisch sein – einen wesentlichen Platz in unseren Überlegungen einnehmen. Es geht darum, die ideologischen Mittel zu hinterfragen, die den Aufbau und die Bestätigung eines kulturellen Zugehörigkeitsgefühls leiten.  Wir interessieren uns gleichermaßen für die Norm wie auch für ihre Subversion. Unser besonderes Augenmerk liegt auf der intersemiotischen Übersetzung und der mehrfach Nutzung einiger dieser Werke : Bewahrt der Übergang vom Gesprochenen zum Geschriebenen, und vom Schriftlichen zum Bild die Volkstümlichkeit oder führt er zu deren Verlust ?

Wir verzichten bewusst auf eine geographische oder zeitliche Beschränkung unserer Problemstellung, um eine größtmögliche Offenheit und Weite unserer Arbeit zu erreichen und begrüßen alle Forschungsansätze (linguistisch, literarisch, kulturwissenschaftlich, historisch).

Jedem 20 minütigen Vortrag folgt eine 10 minütige Diskussion. Die Sprachen des Kolloquiums sind Französisch, Deutsch und Englisch, um sicherzustellen, dass auch mittel- und osteuropäische Forscher an unseren Überlegungen teilnehmen können.

Wissenschaftlicher Ausschuss: Colette Gauthier (CERHIC) – Yannick Bellenger (CIRLEP)

Wir würden Sie bitten, uns Ihre Themenvorschläge von maximal 300 Worten mit einem kurzen biographischen Abriss bis zum 15. März 2014 bei Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr) UND Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr) einzureichen.

Responsable : Yannick Bellenger-Morvan

Adresse : Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues et la Pensée (CIRLEP) – EA 4299.UFR Lettres et Sciences Humaines57, rue Pierre TAITTINGER51096 REIMS Cedex

La fin des cartes ?

Aline Caillet, Sophie Fétro, Anna Guillo, Karen O’Rourke de l’université Paris I lancent un appel à collaboration pour un projet intitulé « La fin des cartes ? » S’étalant sur deux ans, cette proposition s’intéresse à un objet graphique effectivement méconnu : « la représentation des territoires » qui est ici appréhendée « tant d’un point de vue technologique, scientifique, que politique et urbanistique » et esthétique pourrions nous ajouter. En effet, l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fait état d’un intérêt pour des « démarches subjectives et appropriatives que nous adoptons face aux territoires » mais ne fait par contre qu’esquisser l’exploration d’un champ de recherche qui reste pourtant largement inexploré. Certains genres littéraires semblent en effet faire une place d’importance à la carte, voire la placer au fondement d’une poétique ainsi que l’a montré Anne Besson dans un article (« La carte maîtresse d’un jeu gagnant : l’imaginaire cartographique dans la fantasy jeunesse contemporaine ») publié dans le numéro 28 des Cahiers Robinson consacré au sujet (« Cartes et plans : paysages à construire, espaces à rêver »). Dans le cas des littératures de l’imaginaire, on peut penser que la carte permet d’inscrire une intrigue dans un territoire plus vaste : ce faisant, elle signale au lecteur que la narration s’inscrit dans une fiction qui la dépasse et qui reste en un sens à écrire ou lire. Et il serait à cet égard intéressant de s’intéresser aux procédés graphiques utilisés à cette fin, en s’appuyant par exemple sur un corpus de bandes dessinées : pensons notamment aux Cités obscures de Benoît Peeters et François Schuiten qui s’est appuyé sur une collaboration avec l’IGN pour éditer une véritable carte géographique de l’imaginaire Sodrovno-Voldachie, mais également à une série comme De cape et de crocs dans laquelle la carte est omniprésente. Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter une liste qui est esquissé ici par Olivier Marlet, et encourageons vivement nos lecteurs à tenter cet objet graphique entre tous. Le trait y est en effet normalisé selon des procédés et conventions qu’il serait intéressant d’interroger car ils se doivent de faire place à des usages prégnants : toute carte ne constitue-t-elle pas avant tout une représentation faisant une place à des circulations, imaginaires ou non ? Il s’agira d’étoffer cette intuition avant le 17 mars prochain.

La fin des cartes ?

Dans le cadre du projet de recherche, La Fin des cartes ? Territoires rêvés, territoires normalisés, qui bénéficie du soutien du conseil scientifique de l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne, nous nous intéressons aux productions artistiques relatives à la cartographie et à la représentation du territoire.

Résumé du projet

Ce projet de recherche, résolument interdisciplinaire, à la croisée des chemins de la recherche scientifique et de la pratique artistique, vise, à l’heure de la multiplication des procédés cartographiques 2D et 3D, à questionner la représentation des territoires tant d’un point de vue technologique, scientifique, que politique et urbanistique.

Productrice d’une iconographie captivante, parfois inquiétante, la carte et ses déclinaisons virtuelles (représentations 3D, maquettes numériques urbaines, etc.) est un objet de recherche mais également une méthode pour qui veut aborder la ville du point de vue du design, de l’anthropologie, de l’urbanisme ou de la géographie. Mais c’est justement ce « faire méthode » qui pose problème. À travers le titre La Fin des cartes ? Territoires rêvés, territoires normalisés, il s’agira de mettre en tension les démarches subjectives et appropriatives que nous adoptons face aux territoires que nous pratiquons, et les outils toujours plus performants et inquisiteurs qui tendent à absorber ces représentations.

GPS et «Mappy», les services de géolocalisation et les applications qui génèrent des cartes à la volée, sont-ils encore des procédés cartographiques ? Que doit-on penser des pratiques de cartographie collaborative ? Quel est le rapport entre leurs processus d’élaboration et de représentation des territoires et les techniques cartographiques utilisées par les scientifiques ? Dans quelle mesure laissent-elles encore une place au rêve et à l’imagination ? Ne masquent-elles pas de nouvelles stratégies de normalisation du territoire ? L’ambition du projet est ainsi d’apporter un éclairage sur la « fin des cartes », leur finalité comme leur finitude, leur fascinante beauté comme leur programme normatif, leur sinueux dessin comme leur inquiétant dessein.

Ce programme de recherche, s’étalant sur 2 années, comprend plusieurs volets : tables rondes, journées d’études, expositions, projections, colloques, etc.

En vue de préparer ces différents événements, nous lançons un appel à contributions auprès des artistes dont la pratique entre en relation avec la cartographie et le territoire.

Si ce projet vous intéresse, merci de nous envoyer une présentation de votre travail (format .pdf), comprenant 5 à 10 visuels et une brève présentation de votre démarche, en lien avec la thématique du projet.

Date limite de réception des dossiers : 17 mars 2014

Contact : lafindescartes@gmail.com

Aline Caillet, Sophie Fétro, Anna Guillo, Karen O’Rourke, Université Paris I panthéon-Sorbonne, Institut ACTE, UMR 8218.

Responsable : La Fin des cartes

Adresse : Université Paris I47 rue des bergers75015 Paris

De la valeur littéraire de l’instance préfacielle

Plusieurs chercheurs de l’université de Tunis lancent un appel à communication intitulé : « De la valeur littéraire de l’instance préfacielle dans les littératures française et d’expression française ». Cette proposition nous invite à penser des textes de présentation dont la fonction est ici présentée dans l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous : « présenter l’œuvre, prévenir les objections des critiques, communiquer ses idées au lecteur ». Même si les littératures graphiques, et a fortiori la bande dessinée, n’y sont même pas mentionnées, celle-ci pourrait toutefois constituer un objet d’étude intéressant. En effet, il semble que le neuvième art ne se reconnaisse pas directement dans ces fonctions de « présentation » et « d’objections » : la préface y est rare et on peine à trouver des exemples susceptibles d’être mobilisés. Pensons toutefois aux différents tomes du Chat du rabbin de Joann Sfar préfacé par Eliette Abecassis, Fellag, Georges Moustaki, Jean Giraud et Philippe Val. Au registre de la préface allographe (réalisée par un autre auteur), nous pouvons noter la préface par Henri Vernes d’une parodie de son œuvre (Bob Marone de Yann et Conrad) ou encore de Jean Rouaud pour l’adaptation de son roman (Les Champs d’honneur). Et, pour rester dans le champ de la bande dessinée, aux nombreuses préfaces de René Gosciny dont celle que l’on trouve en ouverture de l’édition Dargaud de 1972 des 6 voyages de Lone Sloane signés Philippe Druillet : « Je me demandais cependant comment le lecteur non spécialisé dans la Science-Fiction allait accueillir son travail ; il lui a fait un triomphe. Cela prouve que le lecteur a du talent ». Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter cette liste (et éventuellement cette page du site BDGest) avant le 28 février prochain.

 

 

De la valeur littéraire de l’instance préfacielle dans les littératures française et d’expression française

« Un vrai livre se passe de présentation », Mallarmé.

Tunis, 16-17 octobre 2014

Le texte de présentation écrit par un auteur célèbre ou du moins reconnu, et ce afin de valoriser, d’autres diront « légitimer » l’œuvre à lire, la préface, constitue l’une des singularités du paratexte. En effet, elle semble l’une des composantes du livre. Mais alors que dans les siècles précédents, le lecteur avait droit essentiellement à des préfaces auctoriales, abondent actuellement les préfaces allographes, ce qui conduit à y voir des manifestations de la métatextualité telle que définie par Gérard Genette.

Les raisons justifiant l’écriture des préfaces auctoriales sont claires : présenter l’œuvre, prévenir les objections des critiques, communiquer ses idées au lecteur. Le théâtre classique donne incontestablement ses lettres de noblesse au genre préfaciel.  L’on pense à la préface du Tartuffe, à celle de Phèdre, ou encore à celle du Mariage de Figaro. De la même façon, les romans du XIXe siècle sont préfacés par leurs auteurs, dans le but de donner cette fois une légitimité à ce genre informe qu’est le genre romanesque. Les préfaces auctoriales se font pour la plupart « préfaces-manifestes », et l’on peut citer l’Avant-propos de La Comédie Humaine ou la Préface de Pierre et Jean, sous-titrée « Étude sur le roman ». De fait, ces préfaces auctoriales à des œuvres théâtrales ou romanesques sont devenues une référence pour comprendre l’histoire d’un genre. Mais au-delà de la valeur historique des préfaces auctoriales, se profilait  la question de la valeur esthétique de cet « avant-dire », pour reprendre l’expression de Derrida. Ainsi, commentant l’œuvre de Michelet, le narrateur proustien dit : « Les plus grandes beautés de Michelet, il ne faut pas tant les chercher dans son œuvre même que dans les attitudes qu’il prend en face de son œuvre, non pas dans son Histoire de France ou dans son Histoire de la Révolution, mais dans ses préfaces à ces deux livres. » (Proust, Marcel, La Prisonnière, Pléiade, Tome III, p.666). Ce commentaire ouvrait la voie à une étude formelle des préfaces auctoriales, véritables exercices de style.

Mais qu’en est-il des préfaces allographes ? L’une des caractéristiques des préfaces contemporaines est qu’elles sont  confiées à un autre auteur, écrivain notoire ou universitaire. Leur vocation première est de valoriser le texte, de montrer son originalité, de faire découvrir l’écrivain. C’est ce que fait Baudelaire en préfaçant Poe, Anatole France en introduisant Proust.

L’autre fonction, commune aux préfaces auctoriales et allographes, semble théorique puisque tout comme la préface de Gautier à Mademoiselle de Maupin se lit comme un manifeste de l’« Art pour l’Art », celle de Sartre au Portrait d’un inconnu de Nathalie Sarraute, permet au philosophe d’exprimer sa vision de l’homme et de la littérature. Néanmoins, les préfaces allographes semblent se substituer, aux XXe et XXIe siècles,  aux préfaces auctoriales. Mais malgré certaines fonctions communes, peut-on dire que l’enjeu des instances préfacielles soit identique ? Des écrivains comme Malraux ou Sartre ont acquis la renommée de « maîtres préfaciers ». Le contenu théorique  de leurs préfaces est ce qui capte l’attention du lecteur. D’autres comme Gracq ou Modiano, ne donnent que peu d’informations sur l’œuvre ou l’auteur préfacé. De fait, leurs commentaires reflètent une dimension poétique qui va dans le sens du plaisir esthétique que peut procurer une préface.  Mais dans les deux cas, le « hors-texte » détourne la parole du « texte » en quelque sorte puisque le discours idéologique ou poétique se superpose au texte, l’occultant parfois, l’interprétant d’autres fois, le trahissant indubitablement. De même, dans les deux cas, les préfaciers allographes contemporains sont souvent à l’origine de la publication des œuvres préfacées, lesquelles connaissent parfois le succès. En outre, dans les deux cas, l’on confie souvent aux préfaciers allographes contemporains la réédition d’œuvres célèbres, ou encore des collectifs rédigés en leur honneur.

En outre,  que le préfacier adopte une posture idéologique ou une posture poétique, il y a une stratégie publicitaire de la préface allographe, caractéristique nouvelle qui la différencie de la préface auctoriale. Ce qui fait dire à Geneviève Idt que la préface allographe est « un discours sur le discours à vendre » (Littérature, n°27, pp. 65-74). Est-ce là la limite de la valeur littéraire de la préface allographe contemporaine ?

Enfin, sur le plan formel, le texte en prose qu’est la préface semble se métamorphoser pour donner lieu à des écritures nouvelles, comme des lettres ou des entretiens. Ou, détail en apparence insignifiant, se faire de plus en plus courte…

Cette réflexion théorique sur le fonctionnement et la fonction des préfaces dans les littératures française et d’expression française, est à l’origine du projet du colloque international que le Département de Français de la Faculté des Sciences Humaines et Sociales de Tunis se propose d’organiser en octobre 2014. Ce colloque donnera lieu à une publication assurée par Les Publications de la Faculté des Sciences Humaines et Sociales de Tunis.

Les axes du colloque porteront sur :

– L’histoire littéraire des préfaces.

– Les fonctions des préfaces auctoriales et allographes.

– La valeur littéraire des préfaces.

– Les modalités de la préface.

Le comité d’organisation : Mme Emna Beltaïef, Mme Senda Jlidi, Mme Olfa Abrougui, Mme Rania Samet.

Le comité scientifique : Mr Jacques François, Mr Jean-Louis Jeannelle, Mr Ahmed Mahfoudh, Mme Senda Jlidi, Mme Emna Beltaïef.

Les propositions de communications (un résumé et un cv sont demandés) sont à envoyer avant le 28 février 2013 aux adresses suivantes : emnabeltaief@hotmail.fr, sendajlidi@yahoo.fr, abrolfa@yahoo.fr, ou ranya_samete@yahoo.fr.

Responsable : département de français de la Faculté des Sciences humaines et Sociales de Tunis

Url de référence :
http://www;fshst.tn

Adresse : 94, boulevard 9 avril 1938, 1007, Tunis, Tunisie

 

Death Representations in Literature. Forms and Theories

Adriana Teodorescu lance un appel à communication pour un ouvrage publié dans une originale (et macabre) collection des Presses Universitaires de Cambridge : « Dying and death studies ». Intitulée « Death representations in Litterature. Forms and theories », cette proposition pourrait intéresser nombre de chercheurs travaillant sur la bande dessinée, notamment car l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fait place à l’étude de toutes sortes de représentations. En sus des pistes proposées, il en est une qui nous semble pouvoir être extrêmement fructueuse : celles des « tabous » ou autres formes d’interdits quant à la représentation de la mort. La chose est ici en partie évoquée (en terme de moralité) à propos de la littérature de jeunesse, mais la question se pose également dans le cas de la bande dessinée. La mort d’enfant ne semble par exemple que fort marginalement évoquée et nous peinons à trouver d’autres exemples que Le Petit monde de Toru Terada et Jean-David Morvan qui narre de façon très crue le quotidien des jeunes habitants d’un bidonville. La mort d’animaux nous semble tout aussi rare présente, et lorsqu’elle est présente c’est pour être mise au service de faits historiques plus macabres encore : pensons au superbe La Bête est morte de Victor Dancette, Jacques Zimmerman et Edmond-François Calvo dans lequel des loups (et notamment le « Grand loup toujours en Fureur » représentant bien sûr le Führer) s’en prennent à d’autres espèces, ou encore au Maus d’Art Spiegelmann qui s’inscrit dans la même lignée. Cette liste n’est bien sûr pas exhaustive et nous laissons à nos lecteurs le soin de la compléter avant le 2 mars prochain.

Death Representations in Literature. Forms and Theories

Chapter proposals are invited for an edited volume entitled “Death Representations in Literature. Forms and Theory” to be published at Cambridge Scholars Publishing, in the Dying and Death Studies series.

If the academic field of death studies is a prosperous one, there still seems to be a lack of interest or a mistrust concerning the capacity of literature to give socially relevant information about death and to help improve the anthropological understanding of how culture is shaped by the human condition of being mortal. Furthermore, academically but also from a common sense perspective, the relationship between literature and death tends to be trivialized, in the sense that death representations are interpreted in an over-aestheticized manner. What derives from such an approach is the fact that death in literature is considered significant only for literary studies and the emergence of certain persistent clichés as for example the power of literature per so to annihilate death. The proposed volume aims at surpassing these stereotypes and at revealing the great potential of literary studies in providing fresh and accurate ways of interrogating death as a steady unavoidable human reality and as an ever continuing socio-cultural construction.

Bellow you will find some possible topics of research. Nevertheless, the list is not exhaustive, so you must not feel limited to it.

·         The characteristics of representing death (patterns, socio-literary functions) in one or more literary species (novel, essay, lyric poems, fairy tales, crime story, fantasy, science fiction).

·         What from death is represented in literature: attitudes towards death, funerary rituals, ways of ending life/dying, death of the Other(s), my death (“death at first person”), afterlife images, corpse

·         Comparisons: burial – cremation , suicide/murder – “tamed” death, my death – the death of the Other, mortality – immortality

·         Death representations in European literature, death representations in Asian or African literature (cultural patterns)

·         Can we speak about a homogeneous vision upon death and dying in the case of some literary and artistic movements such as romanticism, dark romanticism (gothic) existentialism, symbolism, naturalism, magical realism, etc.

·         How do people (writers or not) perceive/imagine/describe their death through their personal diaries

·         Differences and similarities between representing death in literature and death representations in other connected fields: philosophy, anthropology, cinematography, photography, visual arts, etc.

·         Literary representations of death in the entire work of a specific author (e.g. Dostoyevsky, Camus, Sartre, S. Plath, Herta Muller, etc.)

·         To what extent does the literary representation of death refer to the extra-fictional Death

·         Are there any differences between a literary representation of death and another? What sort of differences

·         Is it moral to represent death in children’s literature or are there any aesthetic and moral constraints; what about other types of literature

·         Are the literary representations of death a reliable source for a history of death

·         Are the metaphors of death expressions/forms of death denial or, on the contrary, a more insightful way of capturing the meaning of death

·         Is an author who represents death in his or her literature more prone to accept his or her own death

·         The social and aesthetical stake of displaying particular ways of dying: by suicide, by crime, by murder, by euthanasia, by illness.

Both theoretical and non-theoretical approaches are welcome. Yet, case studies such as analyzing the representation of death in one writing exclusively are not very encouraged, unless it is a literary work emblematic for a certain period of time/attitude in the face of death or unless it is a writing where death plays an important part (e.g. The death of Ivan Ilych, As I Lay Dying, Death with Interruptions, etc.).

Important dates:

02 March 2014: Deadline for proposal submission

09 March 2014: Notification of proposal acceptance

20 April 2014: Deadline for paper submission

11 May 2014: Notification of acceptance (possibly with suggestions)

01 June 2014: Submission of final version

Proposals should include:

·         an abstract of maximum 500 words

·         3-7 keywords

·         a short narrative CV: 5-10 lines

Guidelines for the final paper should be provided on acceptance.

Editor: Adriana Teodorescu

Contact: adriana.teodorescu@gmail.com