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Face, Faces, The Phenomenology of the Face

Plusieurs chercheurs du College of Saint-Rose (Albany, USA) lancent un appel à communication intitulé : « Face, Faces, The Phenomenology of the Face ». Cette proposition concerne tous les chercheurs s’intéressant au visage « en tant qu’objet phénoménologique, social, culturel, esthétique, visuel, littéraire, philosophique, sémiotique, historique ou textuel » (notre traduction de l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous). Des chercheurs s’intéressant au dessin et à la culture graphique pourraient ainsi mener dans ce cadre de nombreuses réflexions, portant tout aussi sur l’art du portrait (pensons par exemple aux très nombreux dessins ou aquarelles d’Eugène Delacroix) que sur celui de la bande dessinée. Le visage y joue parfois un rôle prépondérant et semble même rentrer dans certaines stratégies discursives qu’il serait intéressant d’étudier. Pensons par exemple à l’œuvre d’Hector G. Oestherheld et Francisco Solano Lopez (L’Eternaute) dans laquelle sont reproduites pages après pages et en très gros plan nombre de visages angoissés, comme si l’humanité assiégée ici décrite n’était plus que facies. Ou encore au travail de Joe Sacco, et notamment à Gaza 1956, au sein de laquelle sont présentés de face, sur le mode de la photo d’identité, les visages des témoins permettant au narrateur de reconstituer les funestes événements ici relatés : attestations, cautions, invites au lecteur, ces images ne sont pas sans rappeler les photos que réalisa Walker Evans durant la grande dépression au sein desquels les modèles posaient volontiers face à l’objectif, sans aucun artifice. Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter cette liste avant juin prochain.

 « Face, Faces, The Phenomenology of the Face »

October 19-22, 2014, Athens, Georgia, The Foundry Inn

In his Theory of the Film (1952), Bela Balázs wrote that “[f]acial expression is the most subjective manifestation of man, more subjective than speech.” In the close-up, the Hungarian film theorist and writer saw an image unbound by time and space, thus identifying the point at which the film image could become a concept, a supremely expressive unit of signification closer than other types of images to thought. In contemporary visual culture, the visibility of the face is a given, and some would perhaps claim that its presence has become almost ubiquitous. Consider for instance that in 2013 Oxford Dictionaries named selfie the word of the year. Yet despite its cultural pervasiveness, the face remains a curiously overlooked subject of research in the humanities and social sciences.

For this conference, we invite papers from any discipline that engage with faciality and the face as a phenomenological, social, cultural, aesthetic, visual, literary, philosophical, semiotic, historical, and textual object. Particularly welcome are discussions that explore the concept and materiality of the face in the arts, with their rich traditions for representing faciality – photography, cinema studies, art history, literature, dance, theatre and performance, and social media and the digital arts. As an aesthetic category spanning a range of different media, the face often seems potentially self-referential. When drawing attention to itself, the face may become a source of opacity which inhibits the hermeneutic flow, something which strips away all context until the only thing we are left with is its sheer material presence. The filmic face is also enigmatic. The film theorist Richard Rushton (2002) has observed that we tend to suppose that the face is hiding something, that it represents “a surface haunted by intimations of concealment, interiority and exteriority.” Taking the impenetrability of the face as its point of departure, then, this conference encourages submissions on a variety of topics relating to the face and faciality, including but in no way limited to the following: the close-up and its long history in the moving arts (i.e. Dreyer, Bergman, Warhol, Cassavetes, Leone, Godard, Pasolini, Tarkovsky, Egoyan, Assayas and Kiarostami, to name just a few); the face as a mask (the poker face or blackface, but also in Heidegger’s conception of the image—the Latin imago—as a death mask); the face as a site of ethical encounter in the philosophy of Levinas (face-to-face); Deleuze’s notion of the affection-image, or his study of the dismantling of face in the portrait paintings of Francis Bacon; the cinematic reaction shot; the culture of Facebook and the “selfie;” the portrait genre throughout art history; the face as pure surface or exteriority (the face of the earth); the face in relation to ethnicity/race/gender; the digital interface; the various permutations of the look/the gaze/the glance; the face and sexuality; the face of/face and disability; iconicity and the face; the face and ethics; the veiled face; the face and iconophobia – etc.

Proposals of 150 to 300 words on the conference theme should be submitted to Mark Ledbetter, ledbettm@strose.edu by June 10, 2014.  Conference organizers are looking for 30 -35 participants for the two and a half day conference in Athens, Georgia.  The conference will be held at the Foundry Inn in downtown Athens.  This conference is a continued partnership between the Nomadikon Center for Visual Culture, Bergen, Norway and The Center for the Ethics of Seeing, Albany, New York.  We invite traditional academic papers, performance pieces, and all other forms of visual art and culture related to the theme. Registration for the conference is $130.ooFor further information, contact

  • Mark Ledbetter, ledbettm@strose.edu,
  • Susan Cumings, susan.cumings@gmail.com,
  • or Theresa Flanigan, flanigat@strose.edu

 

Mark Ledbetter
Box 2546
The College of Saint Rose
432 Western Avenue
Albany, NY 12203
Email: ledbettm@strose.edu

Rêve et fantastique

La revue Otrante lance un appel à communication intitulé « Rêve et fantastique ». Même si elle n’est pas mentionnée, cette proposition est toutefois susceptible d’intéresser des chercheurs travaillant sur la culture graphique et les formes d’expression dessinées. L’une des questions que pose le texte que nous reproduisons ci-dessus (« Qu’est-ce qui, de la grammaire du rêve, nourrit celle du fantastique ? ») trouve en effet de nombreux éléments de réponse ainsi que le montre la riche page consacrée à l’exposition Nocturnes sur le site de la Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image. Dans un entretien filmé, Rachel Deville (auteur de L’Heure du loup, dans lequel elle se propose précisément de retranscrire ses rêves) affirme ainsi : « Ce que je trouve d’intéressant dans le fait [de raconter un rêve], c’est que ça laisse ouvert l’interprétation au lecteur […]. Ça devient un peu plus universel » (notre retranscription). Est ainsi directement évoqué l’« effacement des seuils du rêve, qui tend à court-circuiter son régime nocturne », mais sont surtout posés un certain nombre de problèmes graphiques qu’un article pourrait vouloir explorer : quelles sont les propriétés de ce dessin qui « laisse ouvert » et permet « l’universel » ? Il n’est par exemple pas évident qu’il soit nécessaire de tourner le dos à un style documentaire, ou du moins documenté, et que cet « effacement » soit celui de la perspective ou de la proportion au profit de la distorsion et de l’invraisemblable (comme c’est par exemple le cas chez Stéphane Blanquet) : pensons par exemple aux travaux de François Schuiten qui adoptent un tout autre parti-pris au sein de L’Ombre d’un homme ou encore à Marc-Antoine Matthieu avec le personnage de « Julius Corentin Acquefacques, prisonnier des rêves ». Dans ces deux cas, nous ne sommes plus dans le cadre de la « confusion avec d’autres expériences de conscience altérée, souvent plus proches de la folie » qu’évoque l’appel à communication et si le rêve mène au fantastique, c’est à travers d’autres voies que nous invitons nos lecteurs à explorer avant le 30 avril prochain

Rêve et fantastique

 

        Fantasmagorie de la psyché, autorisant les libres associations et la création la plus débridée, le rêve marque aussi l’intrusion du surnaturel dans le quotidien et se présente comme expérience vécue par chacun et renouvelée toutes les nuits. A cet égard, il trouve dans l’esthétique fantastique un terrain d’expression privilégié dans la mesure où il partage avec elle une puissance de remise en question du réel. Partant d’une même saisie subjective des phénomènes, usant des mêmes procédés de déstabilisation ou de déception — déformation du réel, incongruité des associations, soustraction à la logique rationnelle ou encore instabilité du référent — le rêve et le fantastique paraissent sinon produire  les mêmes effets, du moins s’alimenter à la même source.

            Abondamment utilisé comme motif ou comme dispositif fantastique, et ce aussi bien en littérature que dans les arts de l’image – cinéma, peinture, photographie et jusqu’aux arts plastiques –, le rêve semble embrasser toute la complexité de cette esthétique. En effet, il peut, d’une part, être mis au service de l’hésitation chère à Todorov ou de l’indétermination du sens, dans la mesure où il instaure un doute sur la nature du réel. Une telle conception, qui consiste à intellectualiser une incertitude, relie le fantastique au rêve par une même modalité de lecture, qui se fait alors quête d’un sens et d’une interprétation. D’autre part, on ne peut nier qu’il participe également d’une esthétique de la monstration ou de la présence (Denis Mellier) puisqu’il est fait d’un surgissement d’images qui s’imposent à l’esprit dans un mouvement d’acceptation des paradoxes et de totale adhésion à l’univers, pourtant incohérent, qui est ainsi présenté.

            Si le rapprochement entre rêve et fantastique peut être séduisant, il convient pourtant de lutter contre cette apparente familiarité. Assimilés l’un à l’autre par une même rhétorique de l’effet, le fantastique et le rêve réclament d’être clairement restitués à leur singularité pour éviter de voir se dissoudre leur spécificité. Que trouve-t-on à l’intersection de cette catégorie esthétique qui peut s’émanciper dans l’image fixe de la successivité impliquée par le récit, et de cette activité psychique utilisée alternativement comme réservoir d’images, dispositif, simple événement ou structure narrative ? Croiser la catégorie esthétique du fantastique et de l’activité psychique du rêve impose deux questions essentielles : le rôle du récit et le rôle de l’image.

         Structure permettant d’assurer l’intelligibilité du rêve, le récit constitue l’un des outils possibles à la production de l’effroi fantastique. Pour autant, le rêveur devenu narrateur de son rêve ne saurait être un fantastiqueur, sinon malgré lui. Aussi importe-t-il dans un premier temps de confronter le récit fantastique aux différentes formes de récit qui mobilisent le rêve pour identifier les différents opérateurs de fantasticité. Des nouvelles romantiques de Nodier, Gautier ou encore Schnitzler, aux récits de Kafka, Borgès ou Cortázar, un effacement progressif des seuils semble en effet s’effectuer au profit d’un rapport de plus en plus confus entre le rêve et la réalité interne à la fiction. Une partie de la réflexion devra donc consister à distinguer au sein du corpus fantastique les œuvres narratives qui utilisent le rêve comme véritable dispositif, celles qui l’envisagent comme simple (mais unique) contenu et celles qui le thématisent en un faisant un des événements (récurrents) de la diégèse, propre à perturber le quotidien. Qu’est-ce qui, de la grammaire du rêve, nourrit celle du fantastique ? Cet effacement des seuils du rêve, qui tend à court-circuiter son régime nocturne, à faire disparaître l’alternance de la veille et du sommeil sans laquelle il ne saurait pourtant se concevoir, et à oblitérer sa durée, nécessairement limitée, entraîne une perte de spécificité du rêve qui mérite d’être interrogée, dans la mesure où s’opère là une confusion avec d’autres expériences de conscience altérée, souvent plus proches de la folie.

            Si le récit constitue l’un des premiers points d’intersection entre le fantastique et le rêve, l’entreprise figurale dans laquelle se trouvent prises l’image fantastique et l’image onirique pourra offrir un second champ d’exploration. De l’indicible à l’infigurable, le fantastique et le rêve semblent s’affronter à une première impossibilité dont les différentes formes d’expression conservent le souvenir ou cultivent la fiction. Or, la naissance de la psychanalyse, le lent passage d’une psychiatrie pensée selon les termes de la physiologie à une herméneutique qui conserve le goût du visible (ce qui est caché restant par définition visible) coïncide avec le développement des techniques qui visent à enregistrer les manifestations de l’invisible. La photographie des fluides ayant alimenté dès la fin du XIXe siècle un fantasme durable, celui de faire voir, sous leur forme matérielle, l’âme, les pensées et les rêves, on pourra dès lors mettre en regard l’iconographie du rêve et celle du fantastique, en tant qu’elles relèvent d’une pulsion scopique et reflètent l’œil dans lequel réside le véritable objet du fantastique (Ernest Hello), mais supposent d’autres opérateurs que les formes narratives. S’agit-il de saisir une image du rêveur comme extériorité insaisissable (des surréalistes endormis au recueil de Sophie Calle, Les Dormeurs), de manifester le trouble produit par le rêve, de reconstituer la grammaire du rêve (Magritte) et son inquiétante étrangeté (Tanguy, Matta) ? De l’iconographie du rêve largement marquée par le surréalisme à l’imagerie médicale qui fournit un nouveau type de cartographie de l’activité cérébrale, on pourra se demander dans quelle mesure le rêve, en se donnant à voir par l’image, ruine ou accentue l’effet fantastique.

        Enfin, dans une période qui a vu se multiplier les tentatives de rationalisation et de compréhension du rêve et au moment où triomphent les neurosciences, on pourra s’interroger sur la trajectoire du rêve depuis Alfred Maury jusqu’à Allan Hobson. Les artistes ont-il intégré les apports de la psychologie, de la psychanalyse et des neurosciences ou la représentation du rêve s’est-elle construite en réaction contre ces efforts de rationalisation ?

        Les contributions porteront sur la représentation du rêve dans la littérature et les arts fantastiques (photographie, peinture, cinéma, arts plastiques) du XIXe siècle à nos jours. Elles pourront certes s’attacher à l’étude de cas précis mais on appréciera également les perspectives plus générales et comparatives.

Elles pourront s’inscrire dans l’un des axes suivants (liste non exhaustive) :

  • Représentation du rêve et production de l’effroi :

À quelles conditions le rêve peut-il être assimilé à une expérience de l’effroi, ou représenté de façon telle qu’il en vienne à susciter l’effroi, dimension fondamentale pour envisager l’esthétique fantastique ?

Utilisé dans l’œuvre fantastique, le rêve n’est-il que l’instrument de l’indétermination propre à plonger personnage et lecteur dans des abîmes de perplexité, ou ne peut-il pas aussi être le lieu d’une simple confrontation effrayante aux images, scénarios et objets qu’il fait naître ?

Quelles techniques ont-elles pu être développées, notamment dans les arts visuels, pour ménager le leurre et l’illusion de réalité nécessaires à la représentation du rêve fantastique ?

  • Représentation fantastique du rêve et connaissances scientifiques :

En quoi la représentation du rêve dans l’art et dans la littérature a-t-elle été modifiée par les transformations de la conception du rêve liées aux théories et découvertes scientifiques ?

Quel(s) rapport(s) entretiennent les représentations fantastiques du rêve avec les discours de savoir sur le rêve ?

Comment sont à leur tour représentés, à l’intérieur de la fiction, ces discours et leurs auteurs ?

  • Perspective diachronique sur la représentation du rêve dans les œuvres fantastiques 

Peut-on concevoir une évolution historique dans les modes de représentation du rêve et ses usages au sein de l’esthétique fantastique ?

Quelles périodes pourraient être isolées ? Comment pourraient-elles être caractérisées ?

Comment comprendre le rêve fantastique en fonction de son contexte historique ?

Quelles modifications des thèmes, des formes, se sont-elles produites ? Comment l’extension du champ de la littérature et l’invasion du document — historique, médical, sociologique — rendent-elles encore possible une écriture du rêve source de fantastique ? Cette évolution nous amène-t-elle à envisager un « fantastique réel » (Hellenz) ?

  • Poétique comparée

Quelles sont les spécificités de l’expression du fantastique onirique de chaque art ? On pourra partir d’exemples d’adaptations en pensant, entre autres, à l’adaptation cinématographique de la Traumnovelle de Schnitzler par Kubrick (Eyes wide shut),  à celles des romans de Philip K. Dick (Minority report par Spielberg, Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? par Ridley Scott dans Blade Runner), du Solaris de Stanislas Lem par Toarkovski puis Soderbergh  ou partir d’autres formes d’adaptations comme la peinture (Max Ernst et Dali s’inspirant par exemple de La Tentation de Saint-Antoine de Flaubert).

Que reste-t-il du rêve dans le passage d’un art à un autre ? Comment est-il exprimé ?

Plus spécifiquement, le médium photographique et sa dimension indiciaire constituent-ils la voie privilégiée pour incarner d’hypothétiques traces du rêve susceptibles de subvertir la représentation et de manifester la déchirure du réel ?

Du roman-collage de Max Ernst Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au carmel aux collages de John Stezaker (Dream allegories), en passant par l’œuvre des surréalistes tchèques Jindrich Štyrský et Karel Teige, on pourra s’interroger sur les liens qui paraissent s’établir entre la fragmentation de l’image, le démembrement des corps et la représentation fantastique du rêve.

Si, enfin, le fantastique relève du visuel, en quoi le travail du son contribue-t-il à accroître l’effet fantastique ? On pourra penser à des œuvres musicales mais aussi à certaines installations d’art contemporain, à la bande-son qui accompagne la mise en scène du rêve (Eraserhead, David Lynch) ou aux créations radiophoniques.

        Telles sont les questions auxquelles nous voudrions apporter quelques réponses en mobilisant le plus grand champ disciplinaire pour faire état également de l’intensification des échanges au carrefour desquels se situent aujourd’hui le fantastique et le rêve.

Les propositions de contribution, d’environ 500 mots, accompagnées d’une brève notice bio-bibliographique sont à adresser avant le 30 avril 2014 à Marie Bonnot (marie.bonnot@gmail.com) et Émilie Frémond (fremondem@club-internet.fr).

Après réponse du comité scientifique (15 mai 2014), les articles (30 000 signes, espaces et notes comprises) devront être remis au plus tard le 15 octobre 2014.

Les langages du corps en bande dessinée

Plusieurs jeunes chercheurs de l’École Normale Supérieure de Lyon lancent un appel à communication pour un colloque intitulé : « Les langages du corps en bande dessinée ». Débouchant sur l’organisation d’un colloque en octobre 2014, cette proposition peut intéresser nos lecteurs et nous nous permettons d’ajouter une piste de travail aux axes d’étude indiqués ci-dessous, ou plus exactement de prolonger la seconde d’entre elles. La « transmission de l’expressivité » des corps ne nous semble pas en effet pouvoir être uniquement considérée « comme un véhicule de la narration » et située « entre grammaire séquentielle et approche calquée sur la langue ». Certes, le corps fait récit et sa répétition constitue même l’un des enjeux essentiels de la bande dessinée, mais ne peut-on penser que celle-ci représente également une sorte d’extension du domaine de la caricature et de la capacité à déformer les corps pour les rendre expressifs : pensons aux sculpturales silhouettes de Den de Richard Corben dans lequel muscles saillants et impressionnants pectoraux ne manquent pas d’arracher au lecteur quelques sourires, ou encore aux femmes terriblement plantureuses qu’affectionnent de dessiner les frères Hernandez au sein de la série Love and rockets. Dans ces deux cas, le corps semble revu à l’aune d’une forme de grotesque dont il est possible d’explorer les tenants et aboutissants : c’est ce qu’il s’agira de faire avant le 30 avril prochain.

Les langages du corps en bande dessinée

La critique s’est souvent penchée sur le corps dans sa souffrance ou dans sa jouissance, mais considère moins la question, dans sa globalité parfois contradictoire, du corps comme sujet et objet, porteur et producteur de discours. Le courant psychanalytique plaçait le corps en « grand organisateur des représentations » (Tisseron, 78) en analysant l’espace de la page comme une projection du corporel. Plus généralement, la critique a montré la pertinence de l’analyse sémiotique et s’attache à l’analyse de corps soumis à une lecture narrative, séquentielle, structurée, qui existeraient d’abord en tant que supports du récit. Or, la lecture de la bande dessinée se caractérise par une temporalité double, où le temps linéaire du récit côtoie le temps suspendu de la contemplation, que Lessing associait intimement au domaine du visuel. Il nous semble que le corps, parce qu’il est tout ensemble objet de fascination et support privilégié du récit, invite à considérer à la fois l’aspect séquentiel et l’aspect graphique de la bande dessinée.

En effet, la question du trait apparaît centrale eu égard à la thématique qui nous occupe, puisque le dessin implique un « corps des deux côtés » (corps dessiné et corps dessinant), de même qu’il interroge un double jeu de regards (corps regardé et corps regardant).  En cela, le corps est porteur et producteur de sens, engagé dans un réseau de discours historiques, sociologiques, médicaux, anthropologiques, esthétiques et linguistiques.

Notre colloque aborde la question du corps en bande dessinée en interrogeant le langage de ses représentations. Par langage, nous entendons non pas simplement le texte discursif (qui s’opposerait à l’image muette) mais bien le langage propre à la bande dessinée qui en fait un média et un art à part entière.

Will Eisner a écrit « la forme humaine est de loin l’image la plus universelle que l’artiste séquentiel ait à traiter » (Eisner, 103, nous traduisons). Pourtant, le corps en BD ne va pas de soi. Il est mouvement, relief, animation, alors même que le dispositif de représentation est au contraire de nature fixe et bi-dimensionnelle, contrairement au cinéma qui apparaîtrait à première vue comme le média le plus apte à traiter l’objet. Il y aurait donc une capacité propre à la bande dessinée à compenser l’irreprésentable du corps, à travers des usages spécifiques de ses ressources formelles.

Nous nous intéresserons donc à ce que Matteo Stefanelli décrivait en 2012 comme « une question épistémologique décisive : les relations entre bande dessinée et corporalité, cadre inévitable pour décrire les procédés matériels et symboliques [qui] modèlent le sens de la bande dessinée » (Maigret et Stefanelli, 261).

Différents axes d’entrée dans le sujet nous apparaissent pertinents :

  • Le corps dessiné comme support de discours idéologiques et de représentations sociales. La culture occidentale cultive à l’égard de l’image une suspicion toute particulière, qui se manifeste dans l’histoire de la BD par des accusations répétées mettant en cause sa sensualité et son immoralisme. De même, on sait le rôle tenu par le média dans l’émergence durant les années 60 d’une culture jeune opposée à l’idéologie dominante. Le corps apparaît comme un support par excellence du discours subversif porté par une certaine bande dessinée.
  • Le corps comme langage en soi. L’étude du corps dessiné pourrait permettre de réviser, ou du moins compléter l’approche sémiotique de la bande dessinée comme séquence narrative afin de l’appréhender également dans sa dimension purement graphique. Le corps apparaît comme un véhicule de la narration et de transmission de l’expressivité. Il s’agirait de s’interroger sur l’expressivité du corps dessiné entre grammaire séquentielle et approche calquée sur la langue.
  • Ce que disent les corps souffrants ou malmenés : de même que la santé ne se définit qu’en négatif (i.e. par l’absence de maladie), le corps ne ferait récit que comme corps altéré, affamé, souffrant, malade, incomplet, atteint dans son intégrité.  À l’inverse, il semblerait que le dessin dans sa perfection anatomique montre une fois pour toutes et ne raconte rien. De plus, lorsque le dessinateur quitte le domaine de la représentation réaliste, les déformations du corps prennent une fonction narrative supplémentaire, à travers la charge symbolique du corps qui se fait métaphore du psychisme.
  • Les marges de silence du corps : la représentation en bande dessinée est une représentation exclusivement visuelle (si l’on exclut la sensation tactile du livre lui-même) qui ne peut faire appel aux cinq sens. Quelles stratégies représentationnelles les auteurs mettent-ils en place pour répliquer le langage des sens ? Alternativement, l’absence de corps condamne-t-elle la bande dessinée à l’abstraction ? Y a-t-il un point limite au-delà duquel la bande dessinée ne peut plus représenter le corps ?

            Ces suggestions ne sont que des axes possibles, destinés à orienter la réflexion et la production. Ils ne sont en aucun cas hermétiques les uns aux autres, et il nous semble même que toute étude particulière doive nécessairement mettre en évidence une circulation entre les différents pans de la question. À titre d’exemple, examiner le cas de la censure reviendrait à interroger en même temps la perception sociale de l’image, la question de la sensualité du dessin et la mise en narration d’un récit qui se dévoile et se dérobe.

Modalités d’envoi des propositions :

            Les propositions de communication (500 mots environ) sont à envoyer avant le 30 avril àaymeric.landot@ens-lyon.fr et isabelle.guillaume@ens-lyon.fr

Les propositions feront figurer les coordonnées précises du ou des auteurs (nom, prénom, université, adresse électronique) ainsi que le titre de la communication.

Comité scientifique :

Jean-Paul Gabilliet (Bordeaux Montaigne)

Paul Arnould (ENS Lyon)

Paul Chopelin (Lyon 3)

Philippe Delisle (Lyon 3)

Henri Garric (ENS Lyon)

Tristan Martine (Marne-la-Vallée / Université de Lorraine)

Bénédicte Tratnjek (Université de Clermont-Ferrand – IRSEM)

Bibliographie :

M. BARKER, Comics: Ideology, Power and the Critics, Manchester, Manchester University Press, 1989.

W. EISNER, Comics and Sequential Art, New York, W. W. Norton, 2008.

T. GROENSTEEN, Système de la bande dessinée, Paris, Presses Universitaires de France, collection Formes sémiotiques, 1999.

G-E. LESSING, Laocoon ou Des limites respectives de la poésie et de la peinture (1766), trad. fr., Paris, Hermann, 1990.

E. MAIGRET et M. STEFANELLI (dir.),  La bande dessinée : une médiaculture, Paris, Armand Colin-Ina, 2012.

S. MCCLOUD, Understanding Comics, New York, Harper Perennial, 1993.

P. ORY et alii, L’Art de la bande bessinée, Paris, Citadelles & Mazenod, 2012.

B. PEETERS, Lire la bande dessinée, Paris, Flammarion, 1998.

R. SABIN, Adult Comics: An Introduction, London; New York, Routledge, 1993.

T. SMOLDEREN, Naissances de la bande dessinée de William Hogarth à Winsor McCay, Paris, Les Impressions Nouvelles, 2009.

S. TISSERON, Psychanalyse de la bande dessinée, Paris, Presses Universitaires de France, 1987.

 

Lieu :

École Normale Supérieure de Lyon (15 Parvis René Descartes, 69007 Lyon)

Dates :

8 et 9 octobre 2014

Prise en charge :

Les organisateurs proposent une prise en charge partielle des frais de déplacement et d’hébergement selon les cas.

Mots-clés :

bande dessinée, comics, manga, représentations, corps, identité, érotisme, dessin, langage, séquentialité, censure, littérature, illustration

Contacts :

aymeric.landot@ens-lyon.fr ; isabelle.guillaume@ens-lyon.fr

Liens :

http://labojrsd.hypotheses.org/

http://sciencesdessinees.ens-lyon.fr/

Responsable : Laboratoire Sciences Dessinées

Url de référence :
http://labojrsd.hypotheses.org/ http://sciencesdessinees.ens-lyon.fr/

Les écrans mobiles. Création, édition et lecture sur tablettes et smartphones

Plusieurs chercheurs de l’université de Poitiers lancent un appel à communication intitulé : « Les écrans mobiles. Création, édition et lecture sur tablettes et smartphones ». Cette proposition, qui débouchera sur un colloque organisé les 13 et 14 juin prochain, est susceptible d’intéresser les chercheurs travaillant sur le graphisme et la bande dessinée, car l’axe d’étude qui est ici retenu pose un problème de taille : celui de la lecture et de son évolution. On peut en effet se demander si là ne réside pas en effet la principale innovation de ces technologies numériques : redéfinir non un mode de création, mais bien plus un mode de réception des œuvres. Dans le cadre d’applications comme Marvel Comics ou BDBuzz, les différents travaux présentés ne sont ainsi pas altérés pour une lecture à l’écran, mais le lecteur dispose par contre de nouvelles possibilités de mobilité qu’il est susceptible d’explorer. La lecture peut ainsi se faire selon plusieurs modalités : de « case en case » sur le mode d’un flux d’image rappelant le cinéma, avec apparition de la planche (ou non) afin de prendre connaissance de l’ensemble de la structure narrative… Nous sommes en tout cas dans un tout autre cadre que celui qu’offre le papier et son intangible ordonnancement et cette situation ne va pas sans poser problème. Regroupés au sein d’une pétition (« L’appel du numérique ») diffusée en 2010 et ayant fait grand bruit, nombre d’auteurs posent ainsi directement la question : « Prenons une question simple, en apparence. « Diffuser une bande dessinée sur un téléphone portable, ou sur un écran d’ordinateur, est-ce que c’est diffuser l’ouvre originale… son adaptation ? une ouvre dérivée ? ». Rien que sur cette question, aucun des acteurs du livre ne donne la même réponse ». Il s’agira, pour tous ceux qui entendent relever le défi, d’esquisser celle-ci avant le 24 mars prochain.

 

Les écrans mobiles. Création, édition et lecture sur tablettes et smartphones

Les tablettes numériques et smartphones connaissent actuellement un vif succès commercial et médiatique. Ces supports mobiles sont en train de changer les expériences de création et de lecture. Or si ces supports sont souvent évoqués, on prend peu de temps pour décrire, analyser leurs contenus, leurs caractéristiques littéraires, artistiques, hypermédiatiques, pédagogiques, etc.

Si toute oeuvre ne peut exister sans support, les contenus sont aussi la raison d’être de ces supports. Nous aimerions donc nous intéresser aux contenus idoines qui y sont déployés : ce que certains appellent « les livres enrichis » ou « augmentés », mais aussi les applications. Comment appréhender et décrire ces contenus ? Comment sont-ils créés ? Comment les publie-t-on ? Comment les lit-on ? Nous nous concentrerons sur tous ces aspects depuis leur création jusqu’à leur réception.

 

Les écrans tactiles mobiles seront abordés en tant que dispositifs techniques au sein desquels de nouvelles oeuvres sont proposées et autour desquels de nouvelles pratiques de lecture s’organisent. Il s’agit en effet d’interroger les transformations, les usages et les pratiques de création, d’édition et de lecture des oeuvres proposées sur ces supports numériques. Il s’agira bien de prendre le parti de percevoir aussi ces contenus comme des oeuvres, d’en faire des analyses littéraires en même temps que médiatiques, à l’image de ces MSA, « média specific analysis »[1], réalisées par Katherine Hayles.

 

Il conviendra de concevoir et d’interroger ces oeuvres non plus seulement en regard des pratiques littéraires liées au livre, mais aussi en regard des pratiques hypermédiatiques liées à l’écran d’ordinateur, cet écran que Gervais et Archibald qualifient de « relié »[2]. Quelle spécificité de la lecture sur écran tactile, par rapport à l’écran relié que nous avions connu jusque-là ? Comment les oeuvres sur tablette ou pour smartphone s’inscrivent (ou non) dans la lignée des réflexions sur les hypertextes et les hypermédias amorcées depuis le début des années 90 ? Ne serait-il pas plus juste de parler d’oeuvres hypermédiatiques pour écran tactile ?

 

Ce colloque, accordera une part importante aux pratiques, aux expériences de création auctoriale ou éditoriale et de réception.

 

Quelques axes :

 

Ergonomie : postures, gestes, mouvements, oeil

 

  • Quelle(s) posture(s) ? Quels gestes (tapoter, pincer, glisser) ? Quelles manipulations ? quelles sont les modalités de leur appropriation par le lecteur ?

 

  • Quels sont les changements opérés dans par ce passage à l’écran tactile ? On peut déjà remarquer que les tablettes et les smartphones sont plus mobiles et proposent un retour à une posture physique de lecture proche de celle du livre imprimé.

 

  • Aujourd’hui le confort visuel ne paraît plus un obstacle, lire sur tablettes etsmartphones est devenu aisé. Toutefois ces supports, contrairement aux liseuses ne sont pas exclusivement dédiés à la lecture. Quel est l’impact de cette pluralité d’usages possibles sur les modes de lecture, mais aussi de création ?

 

  • Quel enjeu pour le « portatif » et le « nomadisme » (au niveau de la création comme de la réception) ?

 

Poétique des oeuvres sur écrans mobiles et lecture soutenue

 

  • Quelles poétiques des textes sur tablette ? quelles esthétiques des oeuvres ? Quel enjeu pour le statut de l’oeuvre ? et pour le statut d’auteur (l’oeuvre étant souvent le résultat d’un travail collaboratif avec un technicien).

 

  • Une typologie des oeuvres sur écrans tactiles mobiles est-elle déjà possible ? Quels outils théoriques et quel vocabulaire pour les appréhender ?

 

 

  • Les « livres enrichis » et autres applications rendent-ils possible une lecture extensive, studieuse, soutenue ? ou relèvent-t-ils du divertissement ? Les rapides évolutions technologiques et ergonomiques permettent-elles déjà d’envisager la possibilité d’une lecture longue et intensive que l’on jugeait contradictoire avec la lecture sur écran il y a quelques années.

 

 

  • En quoi ces oeuvres permettent de (re)donner vie à d’autres formes de littérature et d’autres modes de lecture qui ne se réduisent pas à celles et ceux qui ont été canonisés – la grande littérature, la « lecture pure » de Bourdieu.

Quel impact sur les formes de narration et de lecture ? au niveau de la création, de l’édition (nécessité d’un paratexte ?) et des expériences de lecture ? On peut par exemple noter la résurgence du format feuilleton. Ainsi, Paul Fournel remarque que le numérique permet de« redonner vie à des formes dont le papier ne veut pas ou ne veut plus, et que les éditeurs boudent»[3]; et il précise : Si tous les matins, on peut recevoir par abonnement un bon poème sur son iPhone, qui dit quon ne prendra pas lhabitude de le lire dans le métro ? Idem pour les nouvelles, qui trouveraient bien leur place dans un abonnement quotidien. »

 

  • Si la littérature dite jeunesse s’est emparée du support, il n’en est pas de même de la littérature dite générale. Pourquoi ?

 

 

Quels lecteurs pour les écrans tactiles mobiles ?

 

  • L’aspect non-dédié peut être aussi vu comme un moyen pour la littérature d’aller chercher des nouveaux lecteurs là ou ils sont, c’est-à-dire devant leur téléphone, connectés[4] : “Le Net permet de toucher des gens qui ne sont pas dans la sphère littéraire.” [5]

 

  • Des lectures impromptues ou improvisées en fonction du contexte sont alors permises par le fait que nous avons toujours ces supports potentiels de lecture sur nous.  Expériences de lecture / géolocalisation.

 

  • Alors que la lecture des oeuvres classiques liées à ce que Dubuffet nommait « l’asphyxiante culture », aux « belles lettres », à une littérature qui sert à l’apprentissage (lecture méthodique et intensive scolaire), considérée comme légitime, est en perte de vitesse, quels « nouveaux contrats de lecture »[6] les smartphones et tablettes vont-ils faire émerger ? Qu’ont-ils de spécifique au regard de ceux proposés par les autres écrans ?

 

  • Quel plaisir (du texte et/ou du dispositif) à la lecture de ces oeuvres ?

 

Informations pratiques

 

Le colloque aura lieu les 13 et 14 juin 2014, en lien avec l’opération Lire, penser, écrire, conserver dans un monde numérique, organisée par le Centre du Livre et de la Lecture en Poitou-Charentes (http://www.livre-poitoucharentes.org/),  du 11 au 14 juin 2014.

 

Les propositions de communication devront être envoyées par mail à Anaïs Guilet (anais.guilet@univ-poitiers.fr) avant le 24 mars 2014.

Date de réponse pour les communications sélectionnées : 1er avril 2014

 

Organisateurs du colloque : Anaïs Guilet (ATER à l’université de Poitiers, docteure en littératures comparées), Stéphane Bikialo (Maître de conférences en langue et littérature françaises contemporaines à l’université́ de Poitiers), Martin Rass  (Maître de conférences en langue et civilisation allemande) et les étudiants du Master LiMés (livres et médiations)

URL de référence : http://ll.univ-poitiers.fr/masterlivre/

Adresse : UFR Lettres et Langues de ’’Université de Poitiers, 1, Rue Raymond Cantel, Bât A3, 86022 POITIERS CEDEX

Partenaires : Le Centre du Livre et de la Lecture en Poitou-Charentes, La Médiathèque François Mitterrand de Poitiers, le Laboratoire FoReLL, le laboratoire Techné, ’’UFR Lettres et Langues de ’’Université de Poitiers.

 

 

 

 

[1] Katherine N. Hayles, Writing Machines. Cambridge (Mass.); Londres : MIT Press, 2002.

[2]Samuel Archibald, décrit ’’écran relié comme «(…) un écran modifiable en temps réel, qui ’’appuie sur des technologies ’’inscription numériques et permet ’’accès aux différents réseaux »,  Archibald, Samuel. Le texte et la technique. Montréal : Le Quartanier, 2009, p. 160.

[3] Yves Pagès in Christine Ferniot et Marine Landrot, «Littérature et numérique : quand ’’écrit invente son avenir », Télérama n° 325609 juin 2012, en ligne :http://www.telerama.fr/livre/litterature-et-numerique-quand-l-ecrit-s-invente-un-avenir,82561.php, consulté le 10 décembre 2013.

[4] Au dernier trimestre 2012, 70,5 millions ’’abonnements à un forfait de téléphonie mobile étaient ouverts en France, pour une population ’’environ 65 millions ’’habitants en France.

[5] Yves Pagès, op.cit. En 1997, dans Les Pratiques culturelles des Français : Enquête 1997, Olivier Donnat notait que si la pratique de lecture ne baisse pas (progression des « pratiques audiovisuelles domestiques » : « les Français passent, en effet, autant de temps q’’avant à lire. Mais ils ne lisent pas les mêmes contenus sur les mêmes supports »), on constate une érosion de la lecture assidue et régulière de livres. Cf. La Documentation française, 1998. En ligne :http://www.pratiquesculturelles.culture.gouv.fr/enquetes.php, consulté le 14 janvier  2014.

[6] Claire Belisle (dir.). Lire dans un monde numérique. Presses de ’’ENSSIB, 2011, p. 153.

 

 

Responsable : Guilet Anaïs, Stéphane Bikialo, Martin Rass et Master Limés

 

Url de référence :
http://ll.univ-poitiers.fr/masterlivre/

 

Adresse : UFR Lettres et Langues de ’’Université de Poitiers, 1, Rue Raymond Cantel, Bât A3, 86022 POITIERS CEDEX

 

La guerre d’Espagne, entre vide et trop plein

Plusieurs jeunes chercheurs ( Rocío Alcalá del Olmo, Jonathan Barkate, Morgane Dubos, Lise Fournier, Pierre-Mendel Guei et Nawel Sebih) de l’université Paris Est lancent un appel à communication intitulé : « La guerre d’Espagne, entre vide et trop plein ». Cette proposition, qui porte sur l’une des plus funestes périodes du XXe siècle, est avant tout originale par son approche : « poser la question de l’excès, que celui-ci soit une vacuité exacerbée traduisant l’absence – figurale, mémorielle, architecturale ou verbale – ou un trop-plein marqué par une prise de position ou une sur-médiatisation de faits, d’acteurs et d’espaces ». Ces lignes semblent nous inviter à interroger ce que nous pourrions appeler la « justesse » d’un ensemble de représentations, et plus largement une capacité des images (en ce qui nous concerne) à prendre la mesure de l’Histoire à dépasser une « dichotomie entre défaut et excès et à se demander comment les artistes illustrent ou dépassent l’indicible et l’irreprésentable consécutifs au silence imposé aux vaincus ». La question semble on ne peut plus intéressante au regard du dessin et plus largement de la riche production graphique traitant de l’événement : pensons par exemple aux œuvres d’Antonio Hernandez Palacios (Eloy, 1936), de Carlos Gimenez (Les Temps mauvais), Antonio Altarriba et Kim (L’Art de voler) ou encore de Vittorio Giardino (No passaràn). Un cas pourrait notamment retenir l’attention de nos lecteurs : celui des Phalanges de l’ordre noir d’Enki Bilal et Pierre Christin qui inscrit d’emblée la Guerre d’Espagne dans le temps (puisqu’il relate les actions d’un groupe de vétérans des Brigades Internationales). Nous laissons à nos lecteurs le soin de consulter tous ces livres, et de compléter cette liste, avant le 30 mai prochain.

Par son déchaînement de bruit et de fureur, la guerre d’Espagne a affecté les acteurs du conflit aussi bien que ses victimes et ses témoins, entraînant l’intervention de puissances étrangères, l’engagement d’intellectuels du monde entier et l’exode massif de citoyens espagnols. Son retentissement a été tel qu’elle a inspiré une définition officielle de la notion de guerre civile lors des conventions de Genève de 1949 afin de combler un vide juridique et de définir un cadre légal qui protège les civils des excès de ce type d’affrontement. Ces dernières années, la guerre civile espagnole a été étudiée sous différents angles, mais jamais ses représentations n’ont été analysées dans une perspective pluridisciplinaire qui s’attache au traitement de l’espace et des acteurs en mettant en regard tout ce qui a, intentionnellement ou non, disparu, laissé une trace ou été surexposé. Penser la guerre d’Espagne revient à poser la question de l’excès, que celui-ci soit une vacuité exacerbée traduisant l’absence – figurale, mémorielle, architecturale ou verbale – ou un trop-plein marqué par une prise de position ou une sur-médiatisation de faits, d’acteurs et d’espaces.

 

Argumentaire

Par son déchaînement de bruit et de fureur, la guerre d’Espagne a affecté les acteurs du conflit aussi bien que ses victimes et ses témoins, entraînant l’intervention de puissances étrangères, l’engagement d’intellectuels du monde entier et l’exode massif de citoyens espagnols. Son retentissement a été tel qu’elle a inspiré une définition officielle de la notion de guerre civile lors des conventions de Genève de 1949 afin de combler un vide juridique et de définir un cadre légal qui protège les civils des excès de ce type d’affrontement.

Ces dernières années, la guerre civile espagnole a été étudiée sous différents angles, mais jamais ses représentations n’ont été analysées dans une perspective pluridisciplinaire qui s’attache au traitement de l’espace et des acteurs en mettant en regard tout ce qui a, intentionnellement ou non, disparu, laissé une trace ou été surexposé. Penser la guerre d’Espagne revient à poser la question de l’excès, que celui-ci soit une vacuité exacerbée traduisant l’absence – figurale, mémorielle, architecturale ou verbale – ou un trop-plein marqué par une prise de position ou une sur-médiatisation de faits, d’acteurs et d’espaces. Cela conduit à interroger ce conflit selon la dichotomie entre défaut et excès et à se demander comment les artistes illustrent ou dépassent l’indicible et l’irreprésentable consécutifs au silence imposé aux vaincus, parfois par eux-mêmes, et comment urbanistes, géographes, historiens et sociologues en étudient les répercussions dans la société et dans l’espace espagnols à travers le temps. L’opposition entre vide et trop-plein sera en jeu pour observer les traces du conflit – conservées, effacées, intégrées aux paysages, recouvertes, exhumées –, dans les mémoires comme dans les espaces car la guerre a marqué le territoire espagnol autrement que par les bombardements ou les plaques commémoratives.

La géographie et l’urbanisme s’intéressent aux espaces non bâtis ou en déshérence, aux friches de toutes sortes et aux délaissés. Ces espaces de jonction ou de transition seront à analyser au regard des espaces surchargés de vestiges ou de constructions nouvelles à portée mémorielle, qui sont en rapport étroit avec l’histoire. En historiographie et en sociologie, le vide se pense en termes de disparition et de fluctuation des archives et des mémoires car ces sources d’informations sont soumises au temps, qui influence ou efface les souvenirs, qui escamote ou ressuscite les traces du passé. À l’inverse, le trop-plein tend vers la part subjective de ces deux sciences humaines qui peut les conduire à opérer des manipulations de la mémoire. En littérature et en cinéma, les rapports entre vide et trop-plein s’articulent autour de ce qui est tu ou caché, de ce qui est suggéré et de ce qui est nommé ou montré. La coupe, l’ellipse, le silence ou le déploiement d’une rhétorique prosélyte ont partie liée avec l’engagement, la censure, l’autocensure ou la propagande.

Au plan temporel, les questionnements porteront sur l’ancrage des représentations dans le moment de leur apparition. Publier une œuvre ou étudier un espace n’a en effet pas le même sens pendant la guerre d’Espagne, sous Franco, après sa mort en 1975 et depuis la ley de memoria histórica de 2007. Outre cette question du rapport entre les époques, il faudra se demander si l’éloignement temporel garantit un surcroît d’informations et une fiabilité accrue dans leur compte rendu ou s’il ouvre une porte plus grande à la fiction ou à la subjectivité partisane. L’engagement se retrouve dans les choix architecturaux et urbanistiques, qui découlent de décisions politiques, qu’il conviendra d’analyser. De même, l’histoire et la sociologie pourront s’intéresser auxacteurs et aux scènes de la guerre en fonction des études plus ou moins nombreuses dont ils ont fait l’objet, en se demandant par exemple comment s’opère la répartition entre les majorités combattantes et les minorités – combattantes ou civiles, les femmes notamment. Ces problématiques permettront de réfléchir aux notions liées à la mémoire et à l’oubli.

Le corpus tend à être protéiforme puisqu’il englobera des œuvres littéraires ou cinématographiques, aussi bien documentaires que fictionnelles, écrites ou tournées en espagnol, en français ou en anglais, ainsi que des projets d’aménagement urbains, des études historiques et sociologiques, sur la période allant de 1936 à 2014.

 

Organisation

Organisé par des doctorants soutenus par des enseignants-chercheurs titulaires, ce colloque s’inscrit dans le cadre du Programme Jeunes Chercheurs de l’Université Paris-Est Marne-la-Vallée. Cet appel s’adresse prioritairement aux doctorants et aux jeunes docteurs, mais il n’est en rien exclusif et peut tout à fait susciter des propositions d’enseignants-chercheurs soucieux d’enrichir le projet. Le caractère pluridisciplinaire du colloque n’exclut a priori aucune discipline, à condition que la proposition s’inscrive dans les cadres définis ici.

 

Modalités de soumission

  • Accompagnées d’une courte notice bio-bibliographique, les propositions de communications (3 500 signes, espaces comprises) doivent être envoyées avant le 1er avril 2014 aux organisateurs (pjc.guerre.espagne@gmail.com).
  •  Elles seront examinées et sélectionnées avant le 30 mai 2014. À l’issue du colloque, la publication est prévue pour le printemps 2015 dans la revue en ligne du LISAA : « Arts et Savoirs » (http://lisaa.u-pem.fr/arts-et-savoirs/).
  •  Les communications en espagnol et en anglais seront acceptées mais devront être accompagnées d’un résumé en français pour la publication.

 

Comité scientifique

  • Nancy Berthier
  • Laurent Coudroy de Lille
  • Jean-Yves Guérin
  • Georges Lomné
  • Gisèle Séginger

 

Informations complémentaires

  • Le transport et l’hébergement seront à la charge des participants ou de leur laboratoire de rattachement. Les repas de midi et les collations seront pris en charge par l’équipe organisatrice pour tous les participants.
  •  Date et lieu : Université Paris-Est Marne-la-Vallée, jeudi 26 et vendredi 27 février 2015

 

Contacts

  • Programme Jeunes Chercheurs coordonné par Rocío Alcalá del Olmo, Jonathan Barkate, Morgane Dubos, Lise Fournier, Pierre-Mendel Guei et Nawel Sebih.
  •  LISAA (Littératures, Savoirs et Arts – EA 4120), Université Paris-Est Marne-la-Vallée – 5 boulevard Descartes – Champs-sur-Marne, France (77420)
  • Jonathan Barkate
    • courriel : pjc [dot] guerre [dot] espagne [at] gmail [dot] com

Le cri dans les arts ou la littérature, ou l’intime inarticulé

Valérie Morisson (auteur d’un article publié dans Comicalités) et Paloma Bravo de l’université de Bourgogne lancent un appel à communication qui débouchera sur une journée d’étude organisée en novembre prochain à Dijon. Intitulée « Le cri dans les arts ou la littérature, ou l’intime inarticulé », nous ne sommes pas du tout certain que cette proposition rentre dans le champ scientifique que nous avons à cœur d’explorer et que les intuitions qu’expose ce billet correspondent au projet des organisateurs. Nous souhaitons néanmoins relayer cet appel à communication car il nous semble poser un problème des plus intéressantes, notamment dans le cas de la bande dessinée. « Transgressif et bestial », rompant « avec l’ordre et la beauté, donnant à voir un visage défiguré ou un corps contorsionné », le cri est en effet central dans nombre d’œuvres appartenant au neuvième art : pensons par exemple à l’Akira de Katsuhiro Otomo dans lequel l’action semble progresser à coup de cri d’effroi, les divers personnages étant de façon récurrente représentés bouches ouvertes et yeux écarquillés, comme saisis par l’effroi. Structurant au niveau d’une narration, le cri l’est également sur un plan strictement graphique : tel semble être le cas dans un autre manga, Dragon Ball, au sein duquel les innombrables scènes de bagarre sont dessinées à grands renforts d’onomatopées. Les différents personnages sont couramment représentés bouche ouverte, criant, alors que le fond de la case est occupé par d’immenses caractères japonais conférant à leurs cris de rage ou de douleur une forme monumentale. Le cri définit alors un mode d’écriture (qui pose d’ailleurs problème au niveau de sa traduction), et il conviendra d’explorer cette piste (ou bien d’autres) avant le 15 mars prochain.

 

 

 

Le Cri dans les arts et la littérature, ou l’intime inarticulé

Journée d’étude organisée  à Dijon, le 21 novembre 2014 par le centre Interlangnes EA4182

Dans le cadre de ses recherches sur l’Intime, le Centre Interlangues Texte, Image, Langage de l’Université de Dijon organise une journée d’étude interdisciplinaire consacrée au cri dans les arts et la littérature. Qu’il surgisse dans le roman, le théâtre (Happy Days ou Breath de Beckett par exemple), l’opéra (Billy Bud de Benjamin Britten), dans la sculpture et la peinture (de Vélasquez, Goya, Caravage, Bacon ou Le Brocquy pour ne citer que quelques peintres), dans la performance (Sound Barrier de Vito Acconci et Jay Jaroslav en 1971 ou Freeing the Voice de Marina Abramovic en 1975) ou dans le domaine de la danse (chez Lia Rodrigues par exemple), le cri mène l’œuvre à un paroxysme. Bien plus qu’une simple expression de l’effroi, tel qu’on le trouve dans le genre de l’épouvante que nous ne souhaitons pas privilégier, le cri perturbe l’œuvre, la fait chavirer. Transgressif et bestial, il rompt avec l’ordre et la beauté, donnant à voir un visage défiguré ou un corps contorsionné, celui des harpies poussant des cris funestes et stridents. Opposé au chuchotement des confidences, le cri, bruyant, dérange et agresse au point qu’il faille parfois l’étouffer. Dans Le Théâtre de Séraphin, Artaud défini le cri comme « la plainte d’un abîme qu’on ouvre ».

C’est d’abord la place de ce surgissement paroxystique de l’intime inarticulé dans l’économie de l’œuvre que cette journée d’étude propose d’explorer. Son de l’excès et de la catharsis, oscillant entre lamentation funèbre et fureur, le cri d’un personnage ou d’un chœur tragique mène l’œuvre à un paroxysme. De quelles tensions naît le cri ? Pourquoi certaines émotions intimes, indicibles, inavouables,  refoulées ne peuvent s’exprimer que par le cri ?  Comment ses qualités acoustiques dialoguent-t-elle avec d’autres formes textuelles ou visuelles muettes ? La célèbre Gorgone de Caravage, comme le visage peint par Edward Munch, est figée dans un cri paradoxalement silencieux. On pourra s’intéresser à l’écho du cri dans l’œuvre : précède-t-il la réinstauration d’un ordre moral, sexuel, politique ou esthétique ou bien annonce-t-il un monde déréglé et dystopique ? Quel est son effet sur le spectateur ou le lecteur ? Le cri crée en effet un malaise en repoussant les limites du corps. N’oublions pas que le cri est avant tout un acte physique. Hélène Singer, dans  Expressions du corps interne considère le cri comme une déchirure du silence mais aussi comme une déchirure de la chair et de la terre. Le cri est un dévoilement du corps interne, « comme entrailles sonores ». Excès d’impudeur, exhibition sonore, le cri paraît obscène, rappelle Singer. Informe et laid, il est ce qui déborde.

Cette journée d’étude considèrera également le cri comme un acte de résistance rendant sonore ce qui ne peut s’entendre ou donnant voix et parole à ceux qui ne sont pas entendus. Crier peut conduire à se récrier. On s’interrogera sur la résonnance sociale du cri et la manière dont il fait retentir divers rapports de force. La bouche ouverte de Méduse, parfois comparée à un vagin, a inspiré plusieurs artistes femmes ou féministes. Le cri émane d’un corps mis à mal, insoumis et incompris proposant un langage a-normé, voire anormal qui défie les conventions. Qualifié de dégradant, d’inhumain ou de bestial, le cri s’oppose au discours civilisé. Le cri des peuples colonisés, perçu comme primal, le cri prétendument insensé des aliénés ou celui, asocial, des prisonniers, ne fait irruption que parce que l’intime et les émotions ont été bridés. Symptôme de multiples violences, le cri fait alors entendre tant la vulnérabilité des êtres que leur force de résistance.

Les propositions de communication de 350 mots environ doivent parvenir avant le 15 mars 2014 aux organisatrices : Paloma Bravo (Paloma.Bravo@u-bourgogne.fr) et Valérie Morisson (valeriemorisson@gmail.com).

Responsable : Paloma Bravo

Adresse : 40 avenue Victor Hugo21000 Dijon

La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ?

Colette Gauthier et Yannick Bellenger-Morvan lancent un appel à communication intitulé « La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ? » Débouchant sur un colloque à l’université de Reims-Champagne Ardennes, cette proposition nous propose d’interroger une foisonnante littérature de jeunesse selon un angle qu’esquisse l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous : « en tant que lieu privilégié de représentation et de reconnaissance de l’identité individuelle et collective. » Semblable approche ne manquera pas d’intéresser des chercheurs travaillant sur la culture graphique, tant celle-ci semble effectivement constituer un riche vecteur de « représentations ». Pour prendre un seul exemple, pensons par exemple à la Semaine de Suzette au sein de laquelle cohabitent des dessins nous semblant participer de la définition d’un « genre » (au sens où l’entendent les organisateurs) tels les patrons de la Poupée Bleuette permettant de constituer la garde-robe idéale de la petite fille modèle, mais également un ordre social ou national (avec notamment la publication de Bécassine). Semblable approche pourrait également être étendue à des supports permettant de prendre en compte la dimension résolument européenne de cette proposition (présentée en trois langues, signalons-le). Il serait à cet égard intéressant de prolonger les réflexions que développe Pascal Lefèvre au sein d’un article publié dans Comicalités en interrogeant le rôle de la bande dessinée dite « franco-belge » de l’après Seconde Guerre Mondiale dans la construction d’identités nationales et/ou d’une identité européenne. Voici en tout cas l’une des pistes qu’il s’agira d’explorer avant le 15 mars prochain.

 

La littérature pour la jeunesse : vecteur d’une identité culturelle populaire ?

Colloque international et pluridisciplinaire

Université de Reims-Champagne Ardenne

Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues et la Pensée (CIRLEP) – EA 4299.

Axe de recherche RSTI

21-22 novembre 2014

(Déroulez la page pour les versions anglaises et allemandes)

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La littérature pour la jeunesse :

vecteur d’une identité culturelle populaire ?

L’objet de ce colloque, volontairement pluridisciplinaire, est d’interroger la notion d’identité culturelle. Comment un peuple définit-il et élabore-t-il son identité? Il s’agit de déterminer les signes qui permettent l’identification à une culture populaire, qu’elle soit locale, nationale ou transnationale. La culture de caste et celle du genre sexuel relèvent pleinement de cette thématique.

Nous avons choisi de centrer notre réflexion autour de la littérature pour la jeunesse, dans ses différentes manifestations, en tant que lieu privilégié de représentation et de reconnaissance de l’identité individuelle et collective. Les communications s’articuleront autour des deux volets de la dialectique « instruire/pertir », dans un rapport non exclusif permettant les combinaisons les plus fécondes.

Le premier axe didactique s’appuiera sur une sélection non exhaustive de supports : récits moraux, miroirs, manuels et récits documentaires, comptines et chansons à visée éducative. À titre d’exemples, nous pensons au Tour de la France par deux enfants de G. Bruno ou aux Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants illustrées par Louis-Maurice Boutet de Monvel, dans le domaine francophone ; aux Lessons to Children d’Anna Laetitia Barbauld ou à la pédagogie de Maria Edgeworth dans le domaine anglophone ; à Das Glück der guten Erziehung du chanoine Schmid dans le domaine germanophone. Outre les œuvres classiques, les interventions pourront également porter sur la littérature pour la jeunesse d’aujourd’hui.

Le second axe récréatif s’intéressera aux récits d’aventures, aux robinsonnades et aux littératures de l’imaginaire. Quel est le rôle des romans de Jules Verne et de Joachim Heinrich Campe dans la construction d’une identité culturelle populaire ? Quelle part de subversion attribuer aux contes de George McDonald ? La littérature pour la jeunesse contemporaine, mondialisée et consommée en masse, offre-t-elle encore un terrain sur lequel bâtir une culture identitaire ?

La littérature patrimoniale, à la confluence des deux axes, occupera une place signifiante dans nos réflexions. Il s’agit bien de questionner les dispositifs idéologiques qui président à la construction et à l’affirmation du sentiment d’appartenance à une culture. Le corpus pourra être écrit, oral et/ou iconographique. Nous nous intéresserons autant à la norme qu’à sa subversion. On portera une attention particulière à la traduction intersémiotique et à la poly-exploitation de certaines œuvres pour la jeunesse : le passage de l’oralité à l’écriture, puis de l’écriture à l’image préserve-t-il ou aliène-t-il leur essence populaire (Volkstümlichkeit) ?

Nous refusons délibérément de restreindre notre problématique à une aire géographique et à des bornes temporelles prédéfinies afin de garantir la plus grande ouverture et amplitude possibles à nos travaux. Toutes les méthodes de recherche sont les bienvenues (linguistiques, littéraires, civilisationnelles, historiographiques).

Chaque intervention de 20 minutes sera suivie de 10 minutes de discussion. Les langues du colloque sont le français, l’anglais et l’allemand, afin de permettre aux chercheurs d’Europe de l’Est de prendre part à notre réflexion.

Comité d’organisation : Colette Gauthier (CERHIC) – Yannick Bellenger-Morvan (CIRLEP).

Merci d’envoyer vos propositions de communication de 300 mots maximum avec une courte notice biographique, avant le 15 mars 2014, à Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr) ET Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr).

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CFP: « Literature for Children and Popular Cultural Identity »

Rheims University – 21-22 November 2014

The purpose of this international and interdisciplinary conference is to question the notion of cultural identity. How does a people define and design its identity? Our ambition is to determine what signs make identification to a local, national and transnational culture possible. In that respect, focusing on gender and caste cultures may also be relevant.

We have deliberately centred our questioning on children’s literature, which, in its multifarious forms, is a privileged space for representing and recognising collective and individual identity. Papers will embrace both aspects of the dialectic of instruction and entertainment, in a non-exclusive approach allowing the most innovative combinations.

The didactic axis will focus on a non-exhaustive selection of texts: moral tales, mirrors for princes, textbooks and documentaries, nursery rhymes and educational songs. The following works might be cited as examples: G. Bruno’s Tour de la France par deux enfants as well as Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants illustrated by Louis-Maurice Boutet de Monvel, in France; Anna Laetitia Barbauld’s Lessons to Children in Great Britain; Das Glück der guten Erziehung by Canon Schmid in Germany. Besides classical novels, proposals may also bear on today’s literature for children.

The recreational axis will deal with tales of adventures and fantasy stories. What part is played by Jules Verne’s and Joachim von Campe’s novels in the making of a national cultural identity? To what extent are George McDonald’s fairy tales subversive? Is today’s globalised and mass-consumed children’s literature still offering the fertile ground on which some form of common popular culture can be built?

Merging both axes, national or « legacy » literature will be granted significant weight in our considerations. The aim is to examine the ideological mechanisms presiding over the construction and assertion of some sense of belonging to one particular culture. The corpus may refer to oral, written and/or visual documents. The papers may focus on norms as much as on their subversion. Close attention will be paid to the inter-semiotic translation and poly-exploitation of stories for children: does the shift from the oral tale to the written text and, later, from the written text to the picture book preserve or alienate their popular essence (Volkstümlichkeit)?

We have deliberately refused to restrict our research to one specific geographical area or one specific period so the papers may tackle a wide range of topics. All methods of research are welcome and may cover fields as varied as linguistics, literature, civilisation, historiography.

Each 20-minute paper will be followed by a ten-minute discussion. The languages spoken are French, English and German, to allow Eastern European researchers to fully take part in the event.

Please send your proposals to both Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr) and Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr).

Each proposal should mention:

Your name

Your Email address

Your university

The title of your paper

A 300-word abstract

A short biographical note

Deadline for sending proposals: March 15th, 2014

Answers: April 5th, 2014

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Die Jugendliteratur : Vehikel einer volkstümlichen kulturellen Identität

Universität Reims-Champagne Ardenne
21. und 22. November 2014

Ziel dieses Kolloquiums, welches bewusst multidisziplinär gestaltet ist, wird es sein, den Begriff kulturelle Identität zu hinterfragen. Auf welche Weise definiert und entwickelt ein Volk seine Identität ? Dabei gilt es, die Merkmale zu bestimmen, welche eine Identifizierung mit einer lokalen, nationalen oder aber transnationalen volkstümlichen Kultur ermöglichen. Die Kultur der Kasten und die des biologischen und sozialen Geschlechts lassen sich vollumfänglich dieser Thematik zuordnen.

Wir haben uns entschieden, unsere Fragestellungen auf die vielgestaltige Jugendliteratur zu beschränken, welche in ihren unterschiedlichen Ausprägungen ein bevorzugtes Feld der Darstellung und Wiedererkennung individueller und kollektiver Identität ist. Die zu untersuchenden Texte lassen sich um die zwei dialektischen Aspekte „Belehren und Unterhalten“ anordnen, welche in einem nicht ausschließlichen Verhältnis möglichst fruchtbare Kombinationen zulassen sollten.

Der erste, didaktische Aspekt wird auf einer nicht abschließende Auswahl an Texten stützen: moralisch geprägte Berichte, Spiegel, dokumentarische Berichte und Handbücher, Kinder- sowie erzieherische Lieder. Als Beispiele für den französischen Sprachraum seien genannt „Tour de la France par deux enfants“ von G. Bruno oder „Vieilles chansons et rondes pour les petits enfants“ herausgegeben von Louis Maurice Boutet de Monvel; für den angelsächsischen Sprachraum „Lessons to Children“ von Anna Laetitia Barbauld oder aber die Pädagogik von Maria Edgeworth, sowie für den deutschen Sprachraum „Das Glück der guten Erziehung“ des Domherrn Schmidt. Neben den klassischen Werken wird ebenfalls auch zeitgenössische Literatur verwendet werden.

Der zweite, unterhaltende Aspekt wird sich mit Abenteuergeschichten, Robinsonaden und Fantasiegeschichten befassen. Welche Rolle spielen die Romane von Jules Verne und von Joachim Heinrich Campe in der Konstruktion einer volkstümlichen kulturellen Identität ? Welchen Beitrag leisten die Erzählungen von George McDonald zur Subversion? Bietet die zeitgenössische Jugendliteratur, welche weltweit verbreitet und von Massen gelesen wird, noch eine Grundlage, auf welcher eine kulturelle Identität aufgebaut werden kann ?

Im Schnittpunkt der beiden Aspekte werden die literarischen Überlieferungen in ihren vielfältigen Ausdrücken – Sagen- und Märchenschatz, mündliche Literaturformen, Bilderbogen … ; das Korpus  kann nämlich schriftlich, mündlich oder ikonographisch sein – einen wesentlichen Platz in unseren Überlegungen einnehmen. Es geht darum, die ideologischen Mittel zu hinterfragen, die den Aufbau und die Bestätigung eines kulturellen Zugehörigkeitsgefühls leiten.  Wir interessieren uns gleichermaßen für die Norm wie auch für ihre Subversion. Unser besonderes Augenmerk liegt auf der intersemiotischen Übersetzung und der mehrfach Nutzung einiger dieser Werke : Bewahrt der Übergang vom Gesprochenen zum Geschriebenen, und vom Schriftlichen zum Bild die Volkstümlichkeit oder führt er zu deren Verlust ?

Wir verzichten bewusst auf eine geographische oder zeitliche Beschränkung unserer Problemstellung, um eine größtmögliche Offenheit und Weite unserer Arbeit zu erreichen und begrüßen alle Forschungsansätze (linguistisch, literarisch, kulturwissenschaftlich, historisch).

Jedem 20 minütigen Vortrag folgt eine 10 minütige Diskussion. Die Sprachen des Kolloquiums sind Französisch, Deutsch und Englisch, um sicherzustellen, dass auch mittel- und osteuropäische Forscher an unseren Überlegungen teilnehmen können.

Wissenschaftlicher Ausschuss: Colette Gauthier (CERHIC) – Yannick Bellenger (CIRLEP)

Wir würden Sie bitten, uns Ihre Themenvorschläge von maximal 300 Worten mit einem kurzen biographischen Abriss bis zum 15. März 2014 bei Colette Gauthier (colette.gauthier@univ-reims.fr) UND Yannick Bellenger-Morvan (yannick.bellenger@univ-reims.fr) einzureichen.

Responsable : Yannick Bellenger-Morvan

Adresse : Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues et la Pensée (CIRLEP) – EA 4299.UFR Lettres et Sciences Humaines57, rue Pierre TAITTINGER51096 REIMS Cedex

La fin des cartes ?

Aline Caillet, Sophie Fétro, Anna Guillo, Karen O’Rourke de l’université Paris I lancent un appel à collaboration pour un projet intitulé « La fin des cartes ? » S’étalant sur deux ans, cette proposition s’intéresse à un objet graphique effectivement méconnu : « la représentation des territoires » qui est ici appréhendée « tant d’un point de vue technologique, scientifique, que politique et urbanistique » et esthétique pourrions nous ajouter. En effet, l’appel à communication que nous reproduisons ci-dessous fait état d’un intérêt pour des « démarches subjectives et appropriatives que nous adoptons face aux territoires » mais ne fait par contre qu’esquisser l’exploration d’un champ de recherche qui reste pourtant largement inexploré. Certains genres littéraires semblent en effet faire une place d’importance à la carte, voire la placer au fondement d’une poétique ainsi que l’a montré Anne Besson dans un article (« La carte maîtresse d’un jeu gagnant : l’imaginaire cartographique dans la fantasy jeunesse contemporaine ») publié dans le numéro 28 des Cahiers Robinson consacré au sujet (« Cartes et plans : paysages à construire, espaces à rêver »). Dans le cas des littératures de l’imaginaire, on peut penser que la carte permet d’inscrire une intrigue dans un territoire plus vaste : ce faisant, elle signale au lecteur que la narration s’inscrit dans une fiction qui la dépasse et qui reste en un sens à écrire ou lire. Et il serait à cet égard intéressant de s’intéresser aux procédés graphiques utilisés à cette fin, en s’appuyant par exemple sur un corpus de bandes dessinées : pensons notamment aux Cités obscures de Benoît Peeters et François Schuiten qui s’est appuyé sur une collaboration avec l’IGN pour éditer une véritable carte géographique de l’imaginaire Sodrovno-Voldachie, mais également à une série comme De cape et de crocs dans laquelle la carte est omniprésente. Nous laissons à nos lecteurs le soin de compléter une liste qui est esquissé ici par Olivier Marlet, et encourageons vivement nos lecteurs à tenter cet objet graphique entre tous. Le trait y est en effet normalisé selon des procédés et conventions qu’il serait intéressant d’interroger car ils se doivent de faire place à des usages prégnants : toute carte ne constitue-t-elle pas avant tout une représentation faisant une place à des circulations, imaginaires ou non ? Il s’agira d’étoffer cette intuition avant le 17 mars prochain.

La fin des cartes ?

Dans le cadre du projet de recherche, La Fin des cartes ? Territoires rêvés, territoires normalisés, qui bénéficie du soutien du conseil scientifique de l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne, nous nous intéressons aux productions artistiques relatives à la cartographie et à la représentation du territoire.

Résumé du projet

Ce projet de recherche, résolument interdisciplinaire, à la croisée des chemins de la recherche scientifique et de la pratique artistique, vise, à l’heure de la multiplication des procédés cartographiques 2D et 3D, à questionner la représentation des territoires tant d’un point de vue technologique, scientifique, que politique et urbanistique.

Productrice d’une iconographie captivante, parfois inquiétante, la carte et ses déclinaisons virtuelles (représentations 3D, maquettes numériques urbaines, etc.) est un objet de recherche mais également une méthode pour qui veut aborder la ville du point de vue du design, de l’anthropologie, de l’urbanisme ou de la géographie. Mais c’est justement ce « faire méthode » qui pose problème. À travers le titre La Fin des cartes ? Territoires rêvés, territoires normalisés, il s’agira de mettre en tension les démarches subjectives et appropriatives que nous adoptons face aux territoires que nous pratiquons, et les outils toujours plus performants et inquisiteurs qui tendent à absorber ces représentations.

GPS et «Mappy», les services de géolocalisation et les applications qui génèrent des cartes à la volée, sont-ils encore des procédés cartographiques ? Que doit-on penser des pratiques de cartographie collaborative ? Quel est le rapport entre leurs processus d’élaboration et de représentation des territoires et les techniques cartographiques utilisées par les scientifiques ? Dans quelle mesure laissent-elles encore une place au rêve et à l’imagination ? Ne masquent-elles pas de nouvelles stratégies de normalisation du territoire ? L’ambition du projet est ainsi d’apporter un éclairage sur la « fin des cartes », leur finalité comme leur finitude, leur fascinante beauté comme leur programme normatif, leur sinueux dessin comme leur inquiétant dessein.

Ce programme de recherche, s’étalant sur 2 années, comprend plusieurs volets : tables rondes, journées d’études, expositions, projections, colloques, etc.

En vue de préparer ces différents événements, nous lançons un appel à contributions auprès des artistes dont la pratique entre en relation avec la cartographie et le territoire.

Si ce projet vous intéresse, merci de nous envoyer une présentation de votre travail (format .pdf), comprenant 5 à 10 visuels et une brève présentation de votre démarche, en lien avec la thématique du projet.

Date limite de réception des dossiers : 17 mars 2014

Contact : lafindescartes@gmail.com

Aline Caillet, Sophie Fétro, Anna Guillo, Karen O’Rourke, Université Paris I panthéon-Sorbonne, Institut ACTE, UMR 8218.

Responsable : La Fin des cartes

Adresse : Université Paris I47 rue des bergers75015 Paris