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Jeune recherche : axes et tendances nouvelles (2)

Pour poursuivre la réflexion entamée dans la première partie de cet article sur les axes principaux de la jeune recherche en bande dessinée, j’aimerais évoquer deux tendances moins importantes en nombre mais à mes yeux plutôt nouvelles dans le champ des études sur la bande dessinée. Je reviendrais ensuite sur les possibles absences qui se dessinent en creux dans cette énumération thématique.

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Jeune recherche : axes et tendances nouvelles

Pendant les mois de décembre 2014 et janvier 2015, j’ai interrogé une vingtaine de jeunes docteurs et doctorants travaillant sur la bande dessinée, comme objet central ou périphérique. Les entretiens menés constituent la matière première de la série d’articles « Jeune recherche en bande dessinée » qui vise à explorer la place attribuée à la bande dessinée à l’université dans les recherches les plus récentes. La transcription des entretiens sera publiée entre février et avril sur Phylacterium.

Pour commencer cette série, je voudrais donner un aperçu des principaux axes de recherche et tenter de les rassembler au sein de « tendances » qui, me semblent-ils, caractérisent les thèses soutenues ou en cours depuis 2010. Il s’agit ici moins de s’intéresser aux disciplines et aux méthodes qu’aux contenus et problématiques. Ce premier article aux allures d’inventaire permettra à mes lecteurs de se faire une idée plus générale des recherches en cours. Je précise bien que j’évoque ici à la fois les docteurs et doctorants que j’ai interrogé et ceux que je n’ai pas pu contacter mais dont je connais le sujet par les bases de données dédiées (cliquer pour voir la liste complète).

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Jeune recherche en bande dessinée : introduction (2/2)

Pendant les mois de décembre 2014 et janvier 2015, j’ai réalisé une enquête qualitative auprès d’une vingtaine de récents et futurs docteurs ayant soutenu leur thèse ces cinq dernières années, ou actuellement en cours de thèse. Leur point commun est d’avoir contribué à la recherche scientifique sur la bande dessinée, dans des disciplines variées : littérature, histoire, sociologie, langues étrangères, Sciences de l’Information et de la Communication… Les entretiens issus de cette enquête seront publiés prochainement sur Phylacterium et serviront de matière à une série d’articles sur la « jeune recherche universitaire sur la bande dessinée », publiée ici-même sur Le Carnet de Comicalités. En guise d’introduction, je vous livre, en deux parties, les réflexions qui m’ont amené à réaliser cette étude.

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Jeune recherche en bande dessinée : introduction (1/2)

Pendant les mois de décembre 2014 et janvier 2015, j’ai réalisé une enquête qualitative auprès d’une vingtaine de récents et futurs docteurs ayant soutenu leur thèse ces cinq dernières années, ou actuellement en cours de thèse. Leur point commun est d’avoir contribué à la recherche scientifique sur la bande dessinée, dans des disciplines variées : littérature, histoire, sociologie, langues étrangères, SIC… Les entretiens issus de cette enquête seront publiés prochainement sur Phylacterium et serviront de matière à une série d’articles sur la « jeune recherche universitaire sur la bande dessinée », publiée ici-même sur Le Carnet de Comicalités. En guise d’introduction, je vous livre, en deux parties, les réflexions qui m’ont amené à réaliser cette étude.

La bande dessinée à l’université française, un état des lieux

La question de la place de la bande dessinée à l’université française est une question-piège qui pourrait amener à des conclusions hâtives si on ne prend pas le temps de distinguer deux phénomènes : d’un côté l’intérêt de penseurs et auteurs universitaires pour la bande dessinée, de l’autre côté la prise en compte institutionnelle de cet objet d’étude.

La compréhension du premier de ces phénomènes démontre que des universitaires se sont toujours trouvés associés à la construction du savoir sur la bande dessinée au XXe siècle, qui, si l’on excepte quelques éclaireurs dans les années 1950, commence réellement dans les années 1960-1970 avec les associations bédéphiles. L’exemple le plus flagrant est celui de Pierre Couperie1, professeur à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales et spécialiste de l’histoire sociale de l’Ancien Régime, qui a fait partie en 1964 des fondateurs de la SOCERLID. Cependant, à l’image d’Evelyne Sullerot, les premiers universitaires à s’intéresser à la bande dessinée en font un objet d’étude connexe de leur recherche « officielle ». Il faut attendre 1971 pour qu’un cours sur la bande dessinée s’ouvre à l’université Paris I-Panthéon-Sorbonne, donné par Francis Lacassin, et 1978 pour que Pierre Couperie ouvre le sien à l’EHESS. À cette date, d’autres universitaires font déjà de la bande dessinée l’objet de leurs recherches (Brigitte Hermann, Pierre Fresnault-Deruelle…). On voit apparaître, dans les années 1970, des thèses prenant pour sujet la bande dessinée, en particulier en médecine (voir la thèse d’exercice de Serge Tisseron, en 1975, tentative de thèse en bande dessinée sur la psychiatrie), ou en sémiologie (Pierre Fresnault-Deruelle soutient sa thèse en 1980).

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Livret hors commerce publié en 1965 par Opera Mundi (agence fondée par Paul Winkler, entre autre éditeur du Journal de Mickey). © Opera Mundi

Dans les décennies suivantes, la recherche universitaire sur la bande dessinée se poursuit, timidement, mais se diversifie. Surtout, grâce à des auteurs qui, sans en faire l’objet principal de leur travaux, n’hésitent pas à en faire un objet d’étude pertinent pour expliquer les évolutions de la société et de la culture, elle trouve une place dans des courants plus larges de la recherche qui s’épanouissent dans les années 1990 : l’histoire culturelle (Pascal Ory, Jean-Paul Gabilliet Viviane Alary), l’histoire de l’image (Annie Renonciat, Christian Delporte), les études sur la littérature et la culture enfantine (Thierry Crépin, Jacques Tramson). Dans le même temps, Thierry Groensteen, spécialiste reconnu de la bande dessinée, soutient en 1996 à l’université de Toulouse sa thèse qui sera par la suite publiée sous le titre Système de la bande dessinée, étape essentielle de la construction théorique du média. Significativement, l’ouvrage sera publié aux Presses Universitaires de France, formant ainsi un lien entre la réflexion non-universitaire sur le média et l’institution universitaire. La recherche universitaire sur la bande dessinée est riche, on pourra se reporter à l’article Matteo Stefanelli pour en avoir un aperçu plus détaillé et international2.

À l’énoncé de ces noms qui ont régulièrement participé aux revues d’étude de leur époque, il devient évident que, depuis plus de quarante ans, des universitaires se sont penchés sur la bande dessinée et l’ont intégré à leurs travaux, voire à leurs cours. Mieux encore, ils l’ont fait sans hésiter à sortir du cadre universitaire et à participer aux revues d’études de leur époque (Les Cahiers de la bande dessinée et Neuvième art, principalement), participant ainsi à la construction d’un savoir mixte ne dressant pas de frontières entre la recherche scientifique et les études non-universitaire. Mais malgré ces personnalités importantes, la bande dessinée n’est pas parvenue à se construire comme un objet de recherche institutionnellement accepté par l’université française.

C’est là que se trouve le principal manque, comme le souligne Benoit Berthou dans un article de 2011 où il évoque un « problème structurel ». La structuration de l’université contemporaine n’a pas réellement pris en compte la bande dessinée comme objet de recherche : il n’existe pas de laboratoire ayant comme axe de recherche l’étude de la bande dessinée, les chaires d’enseignement consacrées à la bande dessinée sont quasiment inexistantes et, à ces conditions, il devient difficile de monter et financer un projet de recherche sur la bande dessinée. Cela empêche donc de mener des travaux d’ampleur (analyses de gros corpus, étude statistique importante, panorama historique vaste, comparaisons transfrontalières…) et de s’organiser au niveau international, puisque la recherche sur la bande dessinée est aussi dynamique en Belgique, en Suisse, en Espagne ou aux Etats-Unis. La bande dessinée demeure un objet d’intérêt ponctuel animé par quelques personnalités universitaires.

En écrivant cet article, je me suis interrogé sur la pertinence de la reconnaissance de la bande dessinée par l’université : après tout, près de cinquante ans de réflexions sur la bande dessinée produites hors du champ universitaire ou à ses marges, n’a certainement pas empêché d’aboutir à des discours pertinents et intéressants. N’y a-t-il pas un risque à s’enferrer dans une recherche vaine de « légitimité », toujours insatisfaisante et pas forcément créatrice d’un savoir scientifique ? Ces questions restent à mes yeux toujours en suspens. Toutefois, une raison me semble essentielle : ignorer la bande dessinée dans des études scientifiques portant sur la littérature, sur l’histoire culturelle et politique, sur les pratiques culturelles contemporaines, sur la sociologie de la culture et des médias, c’est ignorer une part de plus en plus importante de notre environnement culturel, à plus forte raison dans la société française où ce média est globalement reconnu et développé. Or, l’université a recours à un type de savoir, à des outils d’analyse, à des structures de recherche, à des instances de validation, qui lui sont propres et ne sont pas forcément ceux de la société « profane ». Il est donc important qu’existent des outils, des méthodes et des lieux scientifiques permettant d’intégrer la bande dessinée aux sciences humaines et sociales.

En d’autres termes, améliorer la place de la bande dessinée à l’université, ce n’est pas le faire uniquement pour le média lui-même, c’est le faire pour l’université, pour permettre à la recherche scientifique d’être plus en accord avec les évolutions de la société et d’une culture diversifiée. Plus largement, il me paraît important que le savoir sur la bande dessinée conserve son caractère mixte qui lui a permis de mêler la liberté d’écriture et de propos de la littérature non-scientifique à la méthodologie et l’exigence du savoir universitaire.

De quelques initiatives récentes

 

Depuis le début des années 2010, plusieurs signes montrent qu’une structuration des recherches scientifiques françaises sur la bande dessinée est en marche. J’en retiendrais quelques unes pour illustrer la vitalité retrouvée de la bande dessinée comme objet de recherche universitaire.

Tout d’abord, dès la fin des années 1990 et dans les années 2000, aux noms précédemment évoqués sont venus s’ajouter d’autres chercheurs : Jacques Dürrenmatt, Benoit Berthou, Eric Maigret3, Laurent Gerbier, Henri Garric, Jean-Matthieu Méon… Certains d’entre eux sont venus à la bande dessinée au cours de la carrière, d’autres s’y consacrent depuis la thèse, mais tous participent à diversifier encore le champ d’études universitaires de la bande dessinée. Après la phase sémiologique des années 1970-1980, après la phase historico-culturelle des années 1990, plusieurs d’entre eux relient la bande dessinée au sein des cultural studies et des études médiatiques, tandis que d’autres réinterrogent la place de cet art dans les études littéraires et en stylistique.

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Affiche du colloque « La bande dessinée : un art sans mémoire ? ». Conçue par Benoît Berthou, Thomas Guiffard et Christophe Pavlides, elle s’inspire d’une planche du Contre la bande dessinée de Jochen Gerner s’intéressant aux multiples formes que peut prendre la « bulle ». © Médiadix

Les colloques universitaire consacrés à la bande dessinée ne sont pas une nouveauté, mais il me semble que, depuis quelques années, il s’en déroule au moins un par an, d’envergure plus ou moins importante. À cet égard le colloque La bande dessinée : un art sans mémoire ? organisé en 2010 par les universités Paris 13 et Ouest est un bon exemple des types d’évènements, généralement pluridisciplinaires, qui permettent aux chercheurs sur la bande dessinée de se rassembler en l’absence d’autres structures. En septembre 2014 a par exemple eu lieu à Poitiers la journée d’étude Bande dessinée et intermédialité.

Par ailleurs, la création d’un master bande dessinée à l’Ecole Européenne Supérieure de l’Image en 2008, sous la direction de Thierry Smolderen, constitue une première tentative d’organiser et d’inscrire dans le temps une formation d’enseignement supérieur dédiée à la bande dessinée qui comprennent aussi des cours théoriques et historiques. Jusqu’ici, les cours sur la bande dessinée donnés à l’université étaient plutôt des séminaires ponctuels au sein d’un enseignement plus large sur l’image, la littérature, ou le cinéma. Certes, nous sommes dans le cas précis d’une école d’art, mais la reconnaissance universitaire est bien là puisque le master est adossé à l’université de Poitiers dans le cadre de l’UFR Lettres et Langues.

Cette présence de la bande dessinée dans l’enseignement supérieur essaime aussi via les grandes écoles. En 2012-2013 trois doctorants organisent un séminaire sur bande dessinée et sociologie à l’Ecole normale supérieure d’Ulm. En 2013 est fondé le « laboratoire junior » Sciences Dessinées à l’Ecole normale supérieure de Lyon. L’objectif affirmé est de « faire dialoguer universitaires, enseignants du secondaire, étudiants de toutes disciplines, d’une part, et auteurs de bande dessinée, d’autre part, autour d’une réflexion sur les rapports entre les sciences et le neuvième art. ». À travers conférences, colloques et publications, le laboratoire junior se montre particulièrement actif et contribue à la reconnaissance de la bande dessinée comme objet de recherche au sein d’une institution prestigieuse comme l’ENS.

Naturellement, je peux difficilement ne pas évoquer la structuration communautaire et scientifique ayant lieu autour du lieu-même de la publication du présent article, Comicalités et ses excroissances. Benoit Berthou crée fin 2009 le carnet de recherches des Carnets de la bande dessinée pour relayer les appels à communication pouvant intéresser des chercheurs en bande dessinée à pratiquer, pour reprendre les mots de Thierry Lemaire dans l’interview cité ci-dessus, une forme « d’entrisme » de la bande dessinée comme mode d’expression pouvant nourrir des réflexions en apparence périphériques. En juillet 2011 est fondée Comicalités, revue numérique éditée sur la plateforme revues.org. Sous-titrée Études de culture graphique, elle s’intéresse particulièrement à la bande dessinée, mais de façon non-exclusive pour assurer l’ouverture nécessaire. Surtout, son fonctionnement est celui d’une revue scientifique traditionnelle : comité de lecture pour une validation par les pairs, appels publics à communication, reconnaissance par les institutions d’évaluation. Elle est bien un de ses outils purement universitaires dont a besoin l’étude de la bande dessinée. En janvier 2013, les Carnets de la bande dessinée deviennent le Carnet de Comicalités qui publie le présent article.

Enfin, l’activité scientifique autour de la bande dessinée a gagné en visibilité grâce au Centre de documentation de la Cité de la BD où un portail scientifique est mis à jour pour suivre l’actualité internationale de la recherche en bande dessinée. Là aussi, ce portail bénéficie d’un comité scientifique. Il me faut aussi préciser que la recherche « française » n’est en rien isolée et dialogue régulièrement avec d’autres chercheurs de l’aire francophone, comme à Lausanne (autour du GrEBD), Louvain-la-Neuve (autour du GRIT et de Philippe Marion) et à Liège (autour du groupe ACME), mais aussi, quoique plus rarement, avec des chercheurs d’autres aires linguistiques. Ce qui se structure en France, c’est bien une communauté qui vise à s’intégrer à la recherche scientifique au niveau international.

1Un récent dossier sur Neuvième art 2.0 retrace le parcours de cet historien essentiel.

2Voir Matteo Stefanelli, « Un siècle de recherches sur la bande dessinée » dans La bande dessinée : une médiaculture, Eric Maigret et Matteo Stefanelli dir., Armand Colin, 2012.

3Ce dernier s’est d’ailleurs interrogé sur le statut de la bande dessinée dans les études sociologiques dans « La reconnaissance en demi-teinte de la bande dessinée » dans Réseaux, n°92-93, 1999, [en ligne sur Persée], consulté le 18/01/2014.

Un corpus pour la bande dessinée numérique : Professeur Cyclope

Le présent billet vient compléter l’article suivant paru sur Phylacterium : L’expérience Professeur Cyclope : une question d’appropriation

Dans le cadre de notre propre recherche en cours sur la bande dessinée numérique, nous souhaitons proposer pour Le Carnet de Comicalités une série de billets consacrés à cet objet de recherche, analysé ici sous l’angle de son corpus. Le sujet est d’autant plus d’actualité que deux thèses ont récemment été soutenues sur le sujet : celle de Julien Falgas et celle d’Anthony Rageul, qui viennent compléter celle de Magali Boudissa soutenue en 2009. Nous souhaitons ainsi mettre en avant l’existence d’un corpus d’oeuvres qui, pour ne pas être très visibles médiatiquement, n’en sont pas moins des sujets d’analyse pertinents pour l’étude d’une « bande dessinée du temps présent » dont la dimension numérique serait une des spécificités, sans être la seule. Ce corpus nous intéresse d’autant plus que, du fait du caractère encore relativement récent de la bande dessinée numérique, il est constitué le plus souvent d’unica, c’est-à-dire d’oeuvres ou d’ensemble d’oeuvres n’ayant pas de réel équivalent à l’heure actuelle.

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Tout d’abord un rappel pour ceux qui ne connaîtraient pas Professeur Cyclope. Il s’agit d’une revue de bande dessinée numérique fondée en octobre 2012 par un groupe de cinq auteurs avec comme enjeu la démonstration qu’il est possible de rémunérer des auteurs avec une publication numérique. Car, cas rare dans l’économie de la bande dessinée numérique, cette revue mensuelle est payante : son modèle est celui de l’abonnement, couplé à un partenariat financier avec arte. L’équipe de la revue a démontré qu’il était possible pour des auteurs de réaliser une revue uniquement numérique professionnelle, techniquement aboutie1 et capable de faire parler d’elle, même si le nombre d’abonnés reste limité. Toutefois, l’annonce récente de l’arrêt de la revue sous sa forme actuelle laisse à penser que le modèle choisi n’est pas entièrement satisfaisant.

Professeur Cyclope est un objet culturel intéressant sur de nombreux points. Nous ne les détaillerons pas tous ici, mais il est utile d’en rappeler quelques uns. Revue fondée par des auteurs avec le soutien d’une chaîne de télévision, il est pertinent pour qui s’intéresse au rôle de l’auteur dans l’évolution éditoriale de l’industrie de la bande dessinée, et aux rapports auteurs/éditeurs. Transposition du modèle de l’abonnement, traditionnel voire archaïque pour le monde de la bande dessinée, dans un environnement numérique, il est pertinent pour qui s’intéresse aux mutations des industries culturelles face aux pratiques de consommation numérique.

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Anne Baraou et Fanny Dalle-Rive, Vampire Bandit Manchot, dans Professeur Cyclope, n°14, mai 2014

Pour notre part, c’est la question de l’appropriation de nouvelles pratiques de création graphiques par des auteurs qui va nous intéresser. En effet, il est utile de rappeler que Professeur Cyclope n’est pas le fait d’une minorité de jeunes auteurs avant-gardistes, férus de technologies numériques et issus de la vogue des blogs bd : elle a été fondée par des auteurs installés ayant derrière eux une belle carrière dans la bande dessinée papier, remontant pour la plupart d’entre eux à une quinzaine d’années. Il en va de même pour les auteurs accueillis dans la revue : si certains se sont fait connaître par l’auto-publication numérique (Marion Montaigne, Thomas Mathieu), on retrouve également des auteurs n’ayant jamais touché au numérique (Philippe Dupuy, Stéphane Blanquet, Anouk Ricard). Pour cette raison est bien à l’oeuvre une logique d’appropriation qui montre que le temps de l’expérimentation est terminée pour la bande dessinée numérique. Il s’agit à présent de développer des pratiques et des modalités d’écriture graphique chez des auteurs n’étant pas, nativement, des créateurs numériques. D’autres expériences ont joué, en leur temps, le même rôle, à l’image d’@fluidz et Coconino World dans les années 2000, et plus récemment Les Autres Gens. Ainsi, la remarque de Julien Falgas à propos des Autres Gens peut s’appliquer à Professeur Cyclope :

Les compétences requises par la collaboration à LAG sont donc les mêmes que pour la collaboration à un album de bande dessinée traditionnelle : l’amateur pour LAG n’est pas celui à qui des compétences spécifiques à la création pour le numérique feraient défaut, mais bien celui qui ne démontrerait pas toutes ces compétences caractéristiques d’un professionnel de la bande dessinée. [FALGAS, p.156].

La différence majeure avec la situation des années 1990-2000 est qu’il ne s’agit plus pour les auteurs de s’approprier des outils numériques pour la création d’oeuvres papier2, mais de comprendre les spécificités d’une diffusion, et donc une lecture numérique.

Or, nous remarquons que l’équipe de Professeur Cyclope, soucieuse de ne pas contraindre les auteurs dans leur processus de création, n’a pas imposé une modalité de lecture numérique unique, même si, majoritairement, deux choix dominent : le scrolling vertical et le diaporama.

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Glen Chapron, Once upon a hunt, dans Professeur Cyclope, n°19, novembre 2014

La conséquence en est une diversité de propositions qui sont comme autant d’interprétations de ce que peut être une écriture graphique adaptée au support numérique. Le premier constat est que, sur la cinquantaine d’auteurs ayant participé à la revue, assez peu (environ 1/5) imitent le modèle dominant venu du papier : la page d’album. Il s’agit pour la plupart de prépublications (Tyler Cross de Brüno et Noury, Iba de Pierre Maurel, Le Teckel d’Hervé Bourhis). À l’inverse, d’autres auteurs vont exploiter à fond les spécificités du support numérique, et s’inscrivent alors dans le processus de renouvellement narratif décrit par Magali Boudissa, soit par l’exploitation de « l’absence de limites de la page-écran » (Une histoire de l’art de Philippe Dupuy, long scrolling vertical à la structure très libre), soit par le multimédia (Le portail de Thomas Mathieu et Martin Wautié où la lecture des images est influencée par une bande-son faisant référence au cinéma d’horreur), soit par l’interactivité (Anne Baraou et Fanny Dalle-Rive et leur Vampire Bandit Manchot, générateur aléatoire de strips qui n’est pas sans rappeler le Coquetèle imaginé par la même Anne Baraou pour l’Association en 2002). Mais là encore ces auteurs-expérimentateurs qui se risquent à quitter les sentiers battus de la narration graphique ne sont pas majoritaires.

La majorité des auteurs de Professeur Cyclope se situent ainsi dans une voie moyenne. Ils proposent des récits graphiques très proches, esthétiquement, de bandes dessinées traditionnelles, dont ils utilisent la plupart des spécificités (découpage en cases, bulles…) mais en intégrant, ponctuellement, des éléments propres à la lecture numérique. Ils se rapprochent en cela de la démarche de Balak autour du Turbomedia, et certains semblent s’en être directement inspirés. Nous prendrons deux exemples pour illustrer notre propos :

  • Once upon a hunt de Glen Chapron (n°19) intègre dans son récit des animations qui correspondent au moment d’accélération du rythme narratif : les scènes de chasse à courre, en particulier. A l’inverse, dans une scène d’intrusion nocturne, chaque clic du lecteur pour faire avancer le diaporama fait progresser très lentement la marche des intrus. Les procédés numériques ne sont donc pas un gadget visuel mais une autre façon de gérer le temps de lecture, ici pour des effets comiques.
  • Headbanging de Stéphane Oiry (n°11) est un souvenir d’enfance où l’auteur raconte comment son père lui a appris à marquer la mesure. L’intégration d’animations dans les cases, la symbolisation de la musique sous la forme d’une partition dansante ou l’apparition en rythme d’onomatopées, sont les outils visuels qui lui permettent de représenter un phénomène sonore et rythmique par le seul biais du dessin

On aurait tort de poser un jugement de valeur entre des œuvres « purement » numériques qui exploiteraient à fond les spécificités du support et des œuvres « partiellement » numériques qui conservent de fortes attaches avec la bande dessinée. Ces dernières témoignent du processus d’appropriation au cœur de la mutation d’une industrie culturelle : les auteurs de Professeur Cyclope entendent proposer des œuvres numériques qui fassent écho aux logiques de lecture du public de la bande dessinée.

Professeur Cyclope intègre donc le corpus de la bande dessinée numérique comme une des premières expériences sortant de l’exceptionnalité pour aller vers une familiarisation des auteurs et des lecteurs avec la lecture numérique de bande dessinée.

 

Bibliographie : trois thèses sur la bande dessinée numérique

Magali BOUDISSA, La bande dessinée entre la page et l’écran: Étude critique des enjeux théoriques liés au renouvellement du langage bédéique sous influence numérique, sous la direction de Daniel Danétis, Université Paris VIII, 2010,

Julien FALGAS, Raconter à l’ère numérique : auteurs et lecteurs héritiers de la bande dessinée face aux nouveaux dispositifs de publication, sous la direction de Brigitte Simonnot, université de Lorraine, 2014 [en ligne] url : http://docnum.univ-lorraine.fr/public/DDOC_T_2014_0112_FALGAS.pdf

Anthony RAGEUL, La bande dessinée saisie par le numérique, formes et enjeux du récit reconfiguré par l’interactivité, sous la direction d’Ivan Toulouse, université Rennes 2, 2014 [soutenue mais encore non diffusée]

1En plus des cinq auteurs fondateurs, quatre autres intervenants complètent l’équipe : un graphiste, une secrétaire de rédaction, un conseiller technique et un webmestre qui n’est autre que Marc Lataste, bien connu des amateurs de bande dessinée numérique pré-2009.

2Car il nous faut rappeler que les auteurs de bande dessinée utilisent des outils numériques pour la création depuis au moins une quinzaine d’années.

« Styles et figures d’auteurs » : journées d’étude

Les 20 et 21 novembre dernier étaient organisées deux journées d’étude sur la représentation de l’auteur et le style dans la bande dessinée. L’initiative en revenait au GRENA (Groupe de REcherche sur le Neuvième Art), et plus particulièrement à Clotilde Thouret, Véronique Gély et Jacques Dürrenmatt. Il me semblait utile d’en faire un court compte-rendu subjectif afin de mettre en avant les réflexions les plus marquantes qui ont pu émerger des nombreuses interventions d’universitaires, mais aussi du dialogue avec les auteurs. Les organisateurs ont en effet eu la bonne idée d’inviter des auteurs pour compléter les propos qui avaient pu être tenus par des spécialistes non-praticiens.

Je précise également que ces journées s’inscrivaient dans le cadre d’un projet de recherche universitaire plus vaste, le programme de recherche « Autorités en partage », coordonné par Véronique Gély, dont l’un des objectifs est de mieux cerner ce qu’est « l’autorité littéraire », et comment la figure de l’auteur a évolué dans le temps et au sein des différents genres littéraires. A mes yeux, l’intérêt de ce partenariat ne réside pas tant dans le constat que l’université s’ouvre à la bande dessinée, constat un peu banal qui reposerait l’éternelle question de la « légitimation », mais dans ce qu’il interroge les apports de la littérature dessinée aux pistes de recherche des études littéraires universitaires largement dominées par la littérature « écrite ». Il y a là un dialogue fécond à nouer à la fois pour parler autrement de bande dessinée (autrement que les critiques non-universitaires) et autrement de la littérature (en décentrant le regard).

L’affiche des journées d’étude

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Car de façon attendue, la question des rapports entre littérature écrite et littérature dessinée, sujet du dernier livre de Jacques Dürrenmatt, Bande dessinée et littérature, s’est posée à plusieurs reprises, et tout particulièrement lors de la première journée consacrée à la « figure de l’auteur littéraire dans la bande dessinée ». Comme l’a expliqué Clotilde Thouret en introduction à la journée, la présence d’un auteur littéraire dans une bande dessinée peut être l’occasion d’une mise à distance, ou d’un rapprochement, des deux domaines. Il s’agissait naturellement d’aborder cette relation avec un regard critique : Henri Garric, en introduction de son intervention, a ainsi expliqué que la thématique de la journée l’avait d’abord rendu perplexe. Selon lui, la bande dessinée propose un regard différent de celui de la littérature et, lorsqu’elle s’en rapproche trop, c’est « au mieux un acte de légitimation, au pire une dénaturation ». On retrouve ici les idées à l’origine de l’ouvrage qu’il a dirigé, L’engendrement des images en bande dessinée, qui, comme en écho à celui de Jacques Dürrenmatt, évoque ce qui est spécifique à la bande dessinée afin de lui éviter à avoir à se justifier face à la littérature.

Représenter l’auteur littéraire en bande dessinée

De prime abord, les interventions de la première journée confirmaient plutôt cette impression d’opposition en se penchant sur des bandes dessinées se plaisant à moquer la figure de l’écrivain. Ainsi, les présentations de Jacques Dürrenmatt sur Töpffer et Cham, de François Poudevigne sur le Pinocchio de Winschluss, d’Henri Garric sur Georges et Louis romanciers de Goossens, montraient bien comment, dans ces œuvres comiques, l’autorité de l’écrivain est malmenée : impuissant, ridicule, mégalomane… Il s’agit certes d’oeuvres comiques, soumises aux règles de la satire et de la caricature, mais les intervenants ont mis en évidence comment la figure de l’écrivain littéraire sert de repoussoir à l’auteur graphique. Jacques Dürrenmmat a ainsi rappelé combien, pour Töpffer, se moquer d’un certain modèle de l’écrivain romantique, celui de Lamartine, dans L’histoire d’Albert, est une façon de prouver la supériorité de son modèle de roman en estampes ; pour François Poudevigne, l’impuissance de Jiminy Cafard, l’écrivain raté du Pinocchio de Winshluss, parasite par l’écrit et la lettre la beauté visuelle des dessins muets du reste du récit ; quant à Goossens, c’est en s’appuyant sur la faconde ridicule de Louis et son incapacité à terminer un roman qu’il déroule tout son art complexe de scénariste, comme l’explique Henri Garric.

En contrepoint de cette première réponse, il était alors plaisant d’écouter, à la fin de la première journée, deux auteurs invités affirmer leur goût pour la littérature. Catherine Meurisse décrit ainsi Mes hommes de lettres comme une façon de concilier sa passion de la littérature, venue de ses études de lettres, et son appétence pour le dessin ; l’album parvient ainsi à rendre hommage à la tradition littéraire française sans mièvrerie, lourdeurs, ou condescendance. Quant à François Ayroles, il fait preuve d’un même goût pour le jeu littéraire dans Une affaire de caractères ; son travail nous rappelle les liens entre OuLiPo et OuBaPo, pont dressé entre bande dessinée et littérature dans les années 1990. Tous deux ont dit dessiner des auteurs qu’ils admirent. Finalement, en ce début du XXe siècle, la bande dessinée vient aussi en aide à la littérature pour en révéler, par l’image, les beautés, connues ou méconnues.

L’écrivain de la bande dessinée : un « conteur » ?

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Crayonné pour Le Capitaine Ecarlate. Présenté dans Gilles Ciment, « Entretien avec Emmanuel Guibert », neuviemeart 2.0, janvier 2003.

C’est finalement avec la présentation de Benjamin Caraco sur Le capitaine écarlate que s’ouvre une autre piste, une voie moyenne, sur la question des rapports entre bande dessinée et littérature. Dans ce livre de David B. au scénario et Emmanuel Guibert au dessin, les deux auteurs s’intéressent à un auteur peu connu, Marcel Schwob, et oppose sa vie morne à la puissance de son imaginaire stevensonien : c’est en démontrant ses talents de conteur qu’il parvient à sauver sa vie face aux pirates. Ce thème de l’écrivain littéraire représenté en « conteur » et non en « écriveur » dans la bande dessinée, revenu plusieurs fois dans la journée, a interpellé les participants : comment l’interpréter ? Doit-on simplement y voir une contrainte propre à l’art de la bande dessinée, qui peine à représenter l’acte d’écrire et préfère mettre en scène la parole ? Est-ce l’écho d’un thème récurrent de la littérature contemporaine, l’incapacité à écrire comme moteur d’un renouvellement de la création littéraire ? Ou bien peut-on y lire le poids qu’ont pris, dans la culture contemporaine, les arts narratifs, tout média confondu ? A une époque où dominent les médias narratifs et visuels (bande dessinée, séries télévisées, cinéma, transmedia storytelling, jeux vidéo), la figure d’autorité la plus valorisée est celle d’un conteur capable de générer des images et non des mots.

Pour une analyse du « style »

Comment l’auteur de bande dessinée génère-t-il ces images ? La seconde journée consacrée au style a posé d’une autre façon l’enjeu des rapports entre littérature et bande dessinée : il n’était plus question de savoir comment la seconde traite la première, mais plutôt de se demander comment l’analyse littéraire devait évoluer pour intégrer la bande dessinée comme objet d’étude. La solution proposée par Jacques Dürrenmatt est la notion de « style » comme moyen de penser le dessin, champ scientifique « impensé » des études sur la bande dessinée. L’étude du style permet d’englober dans une même pensée inscription dans une tradition, personnalisation par un auteur et conséquences de l’industrialisation d’un art. Les intervenants ont donc, chacun leur tour, proposés leurs outils pour penser le style.

La réponse de Côme Martin était certainement la plus directement concrète : il s’est ainsi demandé en quoi le « cadre » de la case constituait un élément du style, notamment dans l’analyse de la mise en page. Donnée presque transparente pour le lecteur, le cadre détermine pourtant largement notre perception de la narration. A l’inverse, Catherine Mao et Jean-Charles Andrieu de Levis, en s’interrogeant, la première sur la possibilité d’un « style neutre », le second sur l’abandon de la figuration, attaquaient d’emblée le sujet du style par l’analyse de ses limites : soit d’un côté l’abandon même de la recherche d’un style dans la bande dessinée autobiographique, et de l’autre côté l’expérimentation stylistique extrême que représente le défi d’une bande dessinée non-figurée, voire non-narrative. Se pencher sur des cas limites et sur les expérimentations de l’avant-garde est aussi une façon de circonscrire un sujet. A entendre ces trois intervenants, il devenait toutefois évident que l’analyse de la bande dessinée gagne à passer par ce qui lui est spécifique, en l’occurrence les caractéristiques graphiques plus que verbales.

Comment penser le « style Tezuka » ?

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Osamu Tezuka, Astro Boy. Tetsuwan Atom 1, Panini Comics, 2010, p.26 (détail). © Panini

Les trois dernières interventions, celles de Xavier Hébert, Sylvain Lesage et Simon Bréan, ont tenté de proposer d’autres critères pouvant déterminer un style. A travers l’exemple d’Osamu Tezuka et de ses successeurs, Xavier Hébert a interrogé le critère géographique. Est-il pertinent pour définir un style propre à la bande dessinée japonaise qui découlerait de Tezuka ? A écouter l’intervenant montrer l’influence de Walt Disney sur Osamu Tezuka, il est apparu que la réponse était plus complexe quand on considére les jeux d’échanges interculturels. Sylvain Lesage s’est quant à lui demandé, à partir de l’exemple de Futuropolis, si une maison d’édition peut elle aussi générer un « style » spécifique de bande dessinée. Enfin, pour Simon Bréan, c’est l’appartenance à un genre, en l’occurrence la science-fiction, qui peut intervenir dans les choix stylistiques des auteurs. Ces trois critères d’analyse du style (géographique, éditorial et générique) relèvent moins de la spécificité de la bande dessinée mais s’avèrent finalement important pour comprendre la fabrique des images, qui n’est pas le seul fait d’un auteur « inspiré ». La table ronde animée par Adrien Genoudet, en posant la question « Quelle est la part inspirée du dessin ? » terminait la journée en compagnie de Benoit Peeters, François Schuiten, Séra et David Vandermeulen.

En guise de conclusion et au risque de me répéter, j’aimerais souligner l’avantage d’entendre, à côté d’interventions universitaires tout à fait pertinentes et ouvrant de nombreuses pistes pour l’avenir, le discours des auteurs. Ne sont-ils pas les mieux placés pour décrire comment se passe, chez eux, « l’engendrement » des images, pour reprendre le titre de l’ouvrage précédemment cité ? Ce d’autant plus que les auteurs invités possédaient, justement, des styles variés. Caractérisant son propre style graphique, Catherine Meurisse a ainsi parlé d’un « style ouvert », et a multiplié les comparaisons avec le théâtre et la danse, sources d’inspiration qui permettent de sortir de l’habituelle comparaison entre bande dessinée et cinéma. François Ayroles a décrit la façon dont son style évoluait en fonction du propos de l’ouvrage, et comment Une affaire de caractères l’a amené à s’interroger davantage sur la couleur. A travers les témoignages de Benoît Peeters et François Schuiten, c’est la question d’une collaboration entre un dessinateur et un scénariste qui se pose et on retiendra le mot de François Schuiten pour qui son collaborateur est « à la fois moins et plus qu’un scénariste », en ce que, d’un côté il laisse une grande liberté au travail graphique, et que de l’autre côté il s’investit directement dans ce travail. Le dessinateur Séra, aussi professeur à la Sorbonne, a quant à lui expliqué comment la reconstitution du Cambodge de son passé est une réinteprétation du réel via la photographie. Ce travail sur la photographie a aussi été celui de David Vandermeulen pour Fritz Haber : il était singulièrement impressionnant de l’entendre évoquer sa méthode étonnante de la recomposition de chaque image à partir d’une banque de photographies retravaillées des dizaines de fois avant d’aboutir à l’image la plus juste. On devrait toujours inviter des auteurs ; mon seul regret de spectateur aura été de ne pas recueillir leurs impressions à entendre des universitaires disserter sur un art qu’ils pratiquent quotidiennement.

Bibliographie complémentaire

DÜRRENMATT, Jacques. Bande dessinée et littérature. Paris : Classiques Garnier, 2013.

GARRIC, Henri (dir.). L’engendrement des images en bande dessinée. Tours :  Presses Universitaires François-Rabelais, 2014.

Billet de Julien Baudry (http://www.phylacterium.fr), avec l’aide directe et indirecte de Benjamin Caraco